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Jugador de Aulos

Jugador de Aulos


Visitando el Museo Arqueológico Nacional de Atenas

El Jockey Artemision de bronce, 140 a. C.

El Museo Arqueológico Nacional de Atenas puede presumir sin esfuerzo ser uno de los museos más grandes del mundo. Puede hacerlo porque está literalmente repleto de la mayoría de los objetos de arte más famosos de la antigua Grecia, tanto que una visita por primera vez aquí es una experiencia extrañamente familiar. Desde el imponente Poseidón de bronce hasta la reluciente máscara dorada de Agamenón, las antigüedades que se exhiben aquí brindan las imágenes básicas de la antigua Grecia que adornan guías, calendarios y agentes de viajes & # 8217 ventanas de todo el mundo. Muchas de estas obras pueden resultar familiares, pero el factor sorpresa ciertamente no lo es menos. Al deambular por el museo, uno tiene la necesidad constante de volver a trazar los pasos de uno y # 8217 para echar un vistazo más a una pieza impresionante antes de continuar. Como todo está organizado en orden cronológico, su recorrido por el museo le brinda una visión perfecta de la evolución del arte griego e incluso hay una sección egipcia como una ventaja adicional si sus sentidos aún no han quedado impresionados por todo en la planta baja. .

La Juventud de Antikythera de bronce c. 340 a. C.

Ubicado a 10 minutos a pie de la parada de metro Omonia, el museo es en sí mismo un impresionante guiño a la arquitectura clásica y es un edificio protegido. Cuatro enormes estatuas de dioses griegos te miran desde el techo como si te desafiaran a no quedarte asombrado en los primeros minutos de tu visita. Una vez que haya obtenido su boleto, se haya deshecho de las bolsas grandes en el guardarropa (obligatorio) y haya recogido su mapa gratuito, se le presenta inmediatamente la máscara sonriente de Agamenón antes de que haya atravesado la primera puerta. Sin embargo, no se deje atrapar aquí por todo ese oro brillante, pero dé un paso lateral hacia la habitación que está a su derecha inmediata, ya que aquí están los artefactos de las Cícladas que deberían ser lo primero en su odisea por el mundo griego. Las piezas a tener en cuenta son las distintivas figuras minimalistas esculpidas en mármol, especialmente las dos figuras musicales, una tocando un arpa y otra un aulos (flautas), las primeras representaciones conocidas del mundo griego.

Una vez que haya terminado con las Cícladas, se encontrará de nuevo donde comenzó y esa famosa máscara. Después de dar la vuelta al primer gabinete, se le presentará una asombrosa variedad de oro micénico. A la izquierda, a la derecha y en el medio hay vitrinas llenas de máscaras, joyas, armas y tazas, todas brillando bajo los focos del museo. Luego, cuando finalmente se aleja y avanza, se le presentan aún más gabinetes a la izquierda, a la derecha y al centro, nuevamente, con destellos dorados en todas partes en todas las formas imaginables, desde rosetas hasta pulpos. Es justo ahora que empiezas a pensar que ya tienes tu dinero y el valor de tu dinero y ¿cómo es posible que el museo supere tal esplendor?

Una vista interior del Museo Arqueológico Nacional de Atenas.

Luego doblas una esquina y se te presenta una enorme estatua de piedra kouros & # 8211 otro momento asombroso. La figura masculina presentada de esta manera fue el comienzo del arte griego y el exitoso intento de romper las convenciones de las figuras de estatuas egipcias. Los brazos están rígidos a los lados y traen tensión a la parte superior del cuerpo, pero la pierna izquierda avanza levemente insinuando un movimiento capturado. A medida que recorre esta sección, las figuras se vuelven cada vez más realistas y dinámicas a medida que los escultores griegos se vuelven cada vez más atrevidos en sus esfuerzos por plasmar en piedra el movimiento flexible de los músculos humanos. Sin embargo, lo mejor está por llegar y el primer indicio es la estatua de bronce de dos metros de altura de Poseidón (o tal vez Zeus) rescatada del mar cerca de Artemision. Con los brazos extendidos y las piernas separadas, parece a punto de lanzar un tridente o un rayo y domina totalmente la vista del pasillo.

El bronce fue el material elegido por los escultores griegos y dos ejemplos más destacados son el Antikythera Youth (otro hallazgo del mar) y el niño jinete montado en un enorme caballo que es capturado en pleno galope, tanto que parece a punto de despegar. de su pedestal en cualquier segundo. Entre todas estas piezas de estrellas hay otras estatuas de mármol de dioses y héroes griegos, igualmente hermosas, y una de las mayores colecciones de esculturas funerarias del mundo. Como en cada habitación, todas las piezas están bien presentadas y cada una tiene un pequeño panel de información en griego e inglés. Dado su propio espacio y no confinado por vidrios o barreras, el visitante ciertamente puede conocer de cerca y en persona estas piezas de 2.500 años de antigüedad. La escultura continúa a través del período helenístico y romano con algunos emperadores romanos muy familiares, la más famosa es la estatua de bronce de un joven Augusto.

La Sala de los Diadoumenos.

Este es el momento en el que probablemente la mayoría de los visitantes se sienten un poco fatigados por el arte, por lo que podría valer la pena un descanso en la cafetería del sótano, donde también se pueden comprar bocadillos ligeros. También hay un pequeño patio exterior donde puedes tomar un café griego sentado entre esculturas antiguas que no se consideran lo suficientemente en el cajón superior para ingresar al museo propiamente dicho. Vale la pena seguir adelante, ya que el museo tiene una estupenda sección de cerámica. Cuando compró su boleto, probablemente vislumbró el enorme jarrón geométrico del Dipylon a su izquierda y ahora es el momento de mirar más de cerca. Usado con fines funerarios, puedes ver a la altura de los ojos figuras de palos negros en duelo y enterrando a uno de los suyos. El ánfora es quizás el ejemplo más famoso de diseño de cerámica geométrica y otra de esas piezas estrella por las que cualquier curador de museo del mundo vendería a su madre. Luego hay un caso tras otro de cerámica de figuras de fondo en todas las formas y tamaños, desde vasijas votivas en miniatura hasta enormes cráteres utilizados para mezclar vino y agua. Luego viene la cerámica de figuras rojas y ambos estilos son una de las fuentes de información más importantes sobre las prácticas culturales y la mitología griegas.

La cafetería del Museo Nacional de Atenas

Tres secciones más imperdibles son las de Thera, Egipto y la Colección Stathatos. El primero, del sitio de la Edad del Bronce en Santorini, tiene el súper famoso fresco de los muchachos del boxeo y tres lados de una habitación donde el fresco muestra escenas de la primavera también hay vasijas de cerámica y una cama milagrosamente preservada en las cenizas después de la erupción del volcán en la isla. La sección egipcia tiene, comprensiblemente, un alcance más modesto que el resto del museo, pero todavía hay suficientes sarcófagos, amuletos, piezas de joyería, modelos de reconstrucción e incluso una momia o dos, para ser de interés. Finalmente, la Colección Stathatos tiene casi mil exhibiciones y es particularmente grande en joyería, incluidos ejemplos del período bizantino.

Después de haber visto todas esas maravillas, es posible que le apetezca un recuerdo propio y la tienda del museo al lado de la cafetería tiene un buen stock de joyas de inspiración griega, copias de esculturas de grado de museo y relieves para todos los bolsillos (incluso puede comprar estatuas de bronce de tamaño natural, aunque cómo conseguirías esa en casa, réplicas de monedas, carteles, tazas y todas las demás cosas que cualquiera pueda querer como recuerdo. Hay una pequeña colección de libros sobre diferentes aspectos de los antiguos griegos (incluidos muchos para niños) e incluso algunas guías de otros sitios como Dodona y Delphi, principalmente en inglés o griego.

En resumen, entonces, incluso si ha visitado muchos de los grandes sitios griegos como el Partenón, Knossos y Micenas, no puede perderse este museo para obtener una imagen completa de los antiguos griegos. Realmente es una vergüenza de riquezas y uno se siente un poco apenado por algunas de las otras ciudades griegas que han perdido la oportunidad de exhibir estos tesoros. Es uno de esos museos que debes visitar dos veces, una con tu cámara y otra sin ella o simplemente para que, en tu segunda visita, puedas controlar un poco mejor tu emoción cada vez que veas un arte de fama mundial. objeto a la vuelta de la esquina siguiente. Como se dijo anteriormente, puede acercarse al arte, pero la desventaja es que los grandes grupos de turistas pueden obstruir fácilmente las habitaciones, por lo que es mejor ir temprano en la mañana o tarde en el día, o incluso mejor, fuera de temporada cuando prácticamente tienes habitaciones enteras para ti. Un museo maravilloso, maravilloso.


Nuevos enfoques

La situación ha cambiado en gran medida porque en los últimos años algunos auloi muy bien conservados han sido reconstruidos por técnicos expertos como Robin Howell e investigadores asociados con el Proyecto Europeo de Arqueología Musical. Interpretados por gaiteros altamente calificados como Barnaby Brown y Callum Armstrong, brindan una guía fiel del rango de tonos de la música antigua, así como de los tonos, timbres y afinaciones propios de los instrumentos.

Un elemento central de la canción antigua eran sus ritmos, y los ritmos de la música griega antigua se pueden derivar de los metros de la poesía. Estos se basaron estrictamente en la duración de las sílabas de las palabras, que crean patrones de elementos largos y cortos. Si bien no hay indicaciones de tempo para las canciones antiguas, a menudo está claro si un compás debe cantarse rápido o lento (hasta la invención de los cronómetros mecánicos, el tempo en cualquier caso no estaba fijo y estaba obligado a variar entre las interpretaciones). Establecer un tempo apropiado es esencial para que la música suene bien.

¿Qué pasa con las melodías, la melodía y la armonía? Esto es lo que la mayoría de la gente quiere decir cuando afirman que la "música" griega antigua se ha perdido. Miles de palabras sobre la teoría de la melodía y la armonía sobreviven en los escritos de autores antiguos como Platón, Aristóteles, Aristoxenus, Ptolomeo y Arístides Quintilianus y algunas partituras fragmentarias con notación musical antigua salieron a la luz por primera vez en Florencia a finales del siglo XVI. . Pero esta evidencia de la música real no dio un sentido real de las riquezas melódicas y armónicas de las que aprendemos de las fuentes literarias.

Más documentos con notación antigua en papiro o piedra han salido a la luz de forma intermitente desde 1581, y ahora existen alrededor de 60 fragmentos. Cuidadosamente compilado, transcrito e interpretado por académicos como Martin West y Egert Pöhlmann , nos dan una mejor oportunidad de entender cómo sonaba la música.


Desarrollos en la Edad Media

La sociedad occidental en la Edad Media atravesó crisis que crearon cambios decisivos en la música y los instrumentos musicales. Excepto por el tibia, que era el equivalente romano de la aulosRoma mostró poco interés por los instrumentos griegos, prefiriendo los metales más potentes que se podían escuchar en eventos tan espectaculares como los que se daban en el Coliseo. Entonces la música griega se disolvió y sus instrumentos se dispersaron por el campo. Las invasiones de tribus migratorias comenzaron en 150 d. C., culminaron con la caída de Roma en 476 d. C. y continuaron mucho después de esa fecha. Con la cultura griega y romana en declive, los pueblos migratorios pudieron haber establecido su propia música, pero trajeron pocos instrumentos musicales. Los cristianos, que controlaron el Imperio Romano después de la conversión del emperador Constantino (312 d. C.), tenían poco amor por los instrumentos musicales asociados con persecuciones anteriores. Los instrumentos populares, por supuesto, permanecieron, y documentos como el Salterio de Utrecht (C. 830 University Library, Utrecht, Países Bajos) contienen dibujos que muestran instrumentos, pero hay poco que indique una cultura musical floreciente. Los grandes centros de aprendizaje en general, así como el cultivo de la música y la ejecución de instrumentos permanecieron en Oriente Medio.

El movimiento más significativo que afectó la historia de los instrumentos musicales medievales fue la expansión del Islam en el siglo VII y la primera mitad del siglo VIII, hacia el oeste a través del norte de África hasta el sur de España y hacia el este a través de Persia y el norte de la India. Los cristianos comenzaron a hacer retroceder a los musulmanes en los siglos IX y X en España, Sicilia y Cerdeña. Además de este contacto más obvio, las rutas comerciales llevaron continuamente productos musulmanes a las ciudades europeas dedicadas al comercio oriental, especialmente Venecia, Génova y Pisa y, desde finales del siglo XI hasta principios del siglo XIII, las Cruzadas llevaron a los cristianos a las tierras musulmanas. , donde absorbieron aún más las ideas y costumbres de Oriente Medio. Finalmente, existía una ruta más lenta y menos dramática a través de los Balcanes y hacia el norte, por la cual los instrumentos musicales se desplazaban desde el Medio Oriente o Bizancio hacia los países del norte de Europa y hacia el oeste hasta Islandia. Después del siglo XII, el Islam forjó conexiones en otras direcciones a medida que se extendía a Turquía y a partes del África subsahariana, Asia central y China en el siglo XIV, la religión había llegado a la península de Malaca e Indonesia.

En el manuscrito español del siglo XIII de la Cantigas de Santa María, las iluminaciones representan a musulmanes con sus propios trajes tocando sus instrumentos junto a cristianos, que tocan especímenes estrechamente relacionados. Si Occidente no hubiera comenzado a desarrollar su propia tradición, la música occidental de hoy podría no haber diferido significativamente de la de Oriente Medio. En cambio, Occidente modificó los instrumentos y los desarrolló de formas especiales. La melodía y el zumbido orientales, combinados con el ritmo, se mantuvieron durante el período y, de hecho, hasta el día de hoy en gran parte de la música popular occidental. El desarrollo de la polifonía (música de varias partes) forzó cambios en muchos instrumentos musicales. Con todas las partes vocales cubriendo el mismo rango general, cada instrumento tenía que poseer un color distintivo y un poder de penetración para delinear su parte musical.

Entre los instrumentos anteriores, se mantuvo el cuerno de animal, a menudo decorado e incluso provisto de agujeros para permitir la producción de melodías, pero dejando poca evidencia de que contribuyó a la música culta. La trompeta a mediados del siglo XIV estaba doblada sobre sí misma en forma de una S muy plana, lo que la hacía más fácil de sostener y transportar. El peculiar idioma de la trompeta lo limitaba principalmente a fanfarrias y señales, sin embargo, solo ocasionalmente se unía a otros instrumentos de viento.

Al igual que con la trompeta, otros importantes instrumentos de viento de madera de la Edad Media no aparecieron hasta el período gótico. La flauta vertical, simple y doble, vino de Oriente Medio y permanece hoy en los Balcanes. La flauta y el tabor (tambor) —un par de instrumentos tocados simultáneamente por un solo músico— aún persisten en las regiones vascas de España y Francia. Demasiado estrecho para sonar fundamental, el tubo corto del combo solo necesita dos orificios para los dedos y un orificio para el pulgar para completar su escala, y por lo tanto se puede tocar solo con la mano izquierda, liberando la mano derecha para golpear el tabor y dejando las piernas. libre para bailar. La flauta transversal se trasladó del Imperio Bizantino a Alemania a finales de la Edad Media. Aunque se asoció con el violín durante el período Minnesinger de los siglos XII y XIII, se vinculó con el tambor y la música militar en forma de pífano.

Un clarinete popular, a menudo doble, usaba un cuerno de vaca como campana y ocasionalmente un segundo cuerno de vaca para proporcionar una cámara de viento alrededor de la caña. El instrumento se conoce como hornpipe en Inglaterra y recibe varios otros nombres desde Gales hasta la región mediterránea y la India. También puede aparecer con las cañas encerradas en una calabaza (compartimiento o pungi de la India) o en la vejiga de una oveja (tubo de la vejiga).

La gaita era conocida en Roma (latín utrículo) por el siglo I d.C. La bolsa se formó originalmente a partir de la piel entera de una oveja o una cabra, con el cantor, el tubo con orificios para los dedos, encajado en una culata de madera en el cuello. Cuando los drones están presentes, emergen de las existencias en las patas delanteras. Se necesita una cerbatana para llenar la bolsa con aire, y un brazo sobre la bolsa proporciona presión para activar las tuberías. El cantor tiene siete agujeros al frente y un agujero para el pulgar detrás.

El órgano neumático apareció alrededor del siglo II d. C. como una variedad portativa, es decir, un órgano lo suficientemente pequeño para ser transportado. Estos órganos constaban de una o más filas de conductos de humos controlados por un teclado. Para ayudar a la portabilidad, las dos octavas habituales tenían solo las notas cromáticas esenciales. A partir del período gótico, los retratos se encontraban con frecuencia tanto en imágenes de procesiones como en conjuntos sentados. Las representaciones muestran al jugador operando un fuelle con su mano izquierda mientras manipula las teclas con el segundo y tercer dedo de su mano derecha. Varias referencias muestran la presencia de órganos de diversos tamaños a lo largo de la Edad Media. En el siglo X, el órgano positivo no portátil había comenzado su distinguida carrera como la forma más antigua de órgano eclesiástico.


Instrumentos más antiguos

Los instrumentos musicales más antiguos que se conocen hasta la fecha son todo tipo de flautas como el aulos o la tibia (flauta doble). Hay muchos ejemplos de estos instrumentos que se utilizan en el arte antiguo y la cerámica en todo el Mediterráneo. Compare las flautas de nuestro pasado con las del presente y observe cómo la forma básica y el diseño siguen siendo los mismos.

Muchos de nosotros estaremos familiarizados con imágenes de dioses antiguos sosteniendo una lira. Aunque la lira se parece bastante al arpa, no es un descendiente directo de la lira. En cambio, sus historias están bastante entrelazadas.

Un kylix que representa al dios Apolo vertiendo una libación y sosteniendo una versión antigua de la lira (chelys) que se hizo con el caparazón de una tortuga. El pájaro puede representar al cuervo que anunció el matrimonio de la ninfa Aigle-Korone, la hija del rey Phlegyas. Procedencia: Delphi, 480-470 a. C., artista desconocido. Museo Arqueológico de Delfos. Foto © Dennis Jarvis Diagrama de Dumbrill de la lira y la evolución más temprana, tomado de A Breif History of the Lyre. Foto © Michael Levy

Parece que la lira podría ser una evolución de un arpa aún más antigua. Se han encontrado ilustraciones de arpas en grabados rupestres en Meguido, en el noroeste del Valle de Jezreel en el antiguo Israel. Ellos datan de c. 3300 AEC y # 8211 3000 AEC. Luego, para agregar un poco de confusión, las primeras liras fueron del tamaño de un arpa y se descubrieron en Ur. Ellos datan de c. 2600 a. C., lo que significa que son anteriores a la construcción de las pirámides en Egipto. Según el profesor Richard Dumbrill, uno de los principales expertos mundiales en el tema de la arqueomusicología mesopotámica, la lira y el arpa probablemente evolucionaron a partir del arco musical mesolítico.

Estas liras fueron encontradas en la tumba de la reina Pu-Abi, dentro del & # 8220Great Death-Pit & # 8221, una de las tumbas en el Cementerio Real de Ur. Desde Ur, al sur de Mesopotamia, Irak. Período dinástico temprano, 2600-2400 a. C. Museo Británico de Londres. Foto © Osama Shukir Muhammed Amin

Aquí hay algunas imágenes de arpas antiguas y modernas, observe nuevamente las similitudes en forma y diseño que insinúan una herencia común.


Diverso

Hydraulis: Ciertamente, el más complicado de los instrumentos antiguos era el hydraulis, un órgano impulsado por agua y aire que era esencialmente una siringe soplada mecánicamente. Ctesibius de Alejandría (285-222 a. C.) está acreditado con la invención de los hydraulis.

La mecánica y el agua del instrumento se mantuvieron en una gran base similar a un altar y las tuberías se colocaron verticalmente en la parte superior en una línea horizontal. El hydraulis tenía un sonido poderoso como lo registra el poeta Claudio del siglo IV d.C., "déjalo tronar con un gran estruendo con un toque ligero" (Panegyricus de Consulatu Flavii Manlii Theodori, 331-22). Demostrado ser muy popular en Roma, y ​​notablemente en la arena, sirvió como acompañamiento, junto con las trompetas, a los partidos de gladiadores entre otros empleos. Hubo una gran variación en su tamaño desde el portátil hasta el extremadamente grande. Vitruvio da una descripción detallada del hydraulis (De Arch.X.7) tanto en su construcción como en su uso, aunque incluso él admite al final de su descripción que tratar de escribir sobre tal dispositivo es difícil y es mejor verlo y experimentarlo para uno mismo para comprenderlo mejor.

Sistra: Tomado de los egipcios y utilizado principalmente con fines religiosos, el sistra era un sonajero que tenía dos cuerdas ensartadas con un metal que hacía ruido unidas a través de un marco de "poste de meta". Para producir su sonido, simplemente se puede agitar o golpear con una varilla. Cleoptra VII usó un gran número de estos durante la Batalla de Actium (31 a. C.) y el emperador Adriano acuñó una moneda con un Egipto antropomorfizado sosteniendo una sistra.

Roma también empleó una amplia variedad de otros instrumentos en su vida diaria y religiosa, muchos de los cuales todavía se usan ampliamente en la actualidad: escabelo, que eran básicamente badajos, cascabeles, campanas, panderetas y una variedad de tambores que se usaban para mantener el ritmo y este último también para la caza.


El Aulos

Un aulos era un antiguo instrumento de viento griego, representado a menudo en el arte y también atestiguado por la arqueología. Puedes escuchar algunos aulete (jugador de aulos) aquí: Cristian Gentilini, Conrad Steinmann, Barnaby Brown, Dr. Stefan Hagel

Ephor. ap. Plb. 4.20.5f. = FGrH 70 F 8 informa que los espartanos habían introducido el aulos en lugar de la trompeta (salpinx) hace mucho tiempo (en otros lugares, la trompeta era bastante popular en el ejército en la época de Jenofonte, véase, por ejemplo, X, An. 7.4.16). [. ] Posteriormente Polyaenus (1.10) considera que la marcha al son de los aulos fue inventada por Heráclidos y que la ausencia de aulos-jugadores llevó a la derrota en Leuctra (revelando cuán característico de Esparta fue considerado el aulos por la tradición idealizadora posterior).

Michael Lipka, Constitución espartana de Jenofonte (Berlín / Nueva York: de Gruyter, 2002) - p. 22


Aulos Player - Historia

Salvete Omnes! Después de los Emmy & # 8217 de este fin de semana, donde hemos visto a actores y actrices honrados y mimados, así que vamos a estar mirando la vida de los actores en la Antigua Roma y cuán diferente fue para ellos.

Mosaico romano que representa actores y un intérprete de aulos (Casa del Poeta Trágico, Pompeya) (Cortesía de Wikimedia Commons)

Las obras de teatro de la antigua Roma casi siempre se realizaban durante ludi (& # 8220games & # 8221). Debido a que los antiguos romanos no tenían fines de semana para momentos de relajación o diversión, los juegos y festivales eran oportunidades para que se relajaran y disfrutaran de las festividades, incluido el arte del teatro. Los actores representaban tragedias y comedias para multitudes junto con música de fondo, creando una escena animada y fascinante.

Del Proyecto Gutenbergs Historia de los jóvenes de Roma de Charlotte Mary-Yonge (1880), & # 8220Actors & # 8221. (Cortesía de Wikimedia Commons)

Sin embargo, en lugar de honrar y respetar a los actores como lo habían hecho los griegos, los romanos tenían una opinión muy diferente de la profesión de actor. Podría ser difícil imaginar cómo la sociedad romana, infame por su indulgencia y extravagancia, encontraría una sola profesión como moralmente desagradable. En la sociedad romana, se consideraba que los actores tenían un estatus más bajo y peligroso y, a menudo, se evitaban.

Cabeza de mármol del joven Tiberio. Italia, AD 4 y # 8211 14. (Cortesía de Wikimedia Commons)

Irónicamente, el emperador Tiberio, definitivamente no un hombre conocido por su naturaleza casta, una vez instó a los actores y a la alta sociedad a evitar interactuar entre sí. Juliano el Apóstata luego prohibiría a los sacerdotes paganos asistir al teatro para que el teatro y los actores no recibieran ninguna elevación de estatus debido a su asistencia.

Edward Armitage & # 8211 Julian the Apostate presidiendo una conferencia de sectarios & # 8211 1875. Cortesía de Wikimedia Commons.

Los actores a menudo nacían en la profesión, como era típico en la sociedad romana, donde los niños solían asumir la profesión de sus padres. Sin embargo, la profesión era muy interesante de asumir. Los actores, probablemente aumentando su mala reputación, tenían licencia para comportarse muy mal en el escenario e incluso burlarse de la política.

Si está familiarizado con la historia del teatro en Europa, estas tendencias y patrones pueden resultarle familiares. Otra tendencia fue evitar contratar mujeres en obras de teatro. En la República temprana, las mujeres no trabajaban como actrices. Sin embargo, con el tiempo, las mujeres subieron al escenario. Una actriz, Acte, incluso ganó el favor del emperador Nerón y se convirtió en una de sus concubinas favoritas, lo que demuestra que el lugar de los actores y actrices en la sociedad era extrañamente volátil.

A pesar de toda esta consideración dada al actor de la Antigua Roma, generalmente no había teatros permanentes en Roma donde los actores actuaran hasta el 55 a. C. Esto se debía a que era una opinión común que pasar demasiado tiempo en el teatro era perjudicial para el personaje de la población.

Antes de que existieran los teatros permanentes, solo había unos pocos requisitos para una actuación: un lugar para que la audiencia se sentara o se pusiera de pie (cavea) y un lugar para que los actores actuaran (scaena). El escenario constaba de un telón de fondo (scaenae frons) y un espacio de actuación frente al telón de fondo (proscaenium).

Aquí & # 8217s una imagen útil que etiqueta cada parte a medida que se reincorporaban a los teatros permanentes.

Teatro Romano de Bosra, Siria. Descripción de varias partes.
1) Scaenae frons 2) Columnatio 3) Proscaenium 4) Pulpitum 5) Orquesta 6) Cavea 7) Aditus maximus 8) Vomitoria 9) Praecinctio 10) Tribunal
11) Basílica.
(Cortesía de Wikimedia Commons)

Los actores a menudo usaban templos para un escenario. Los altos escalones del templo servirían como sillas para la audiencia que les daría la misma oportunidad de ver la obra.

Escenario del Antiguo Teatro Romano de Palmura, Siria. (Cortesía de Wikimedia Commons)

Sin embargo, a medida que la República creció, se desarrollaron nuevas y diversas formas de teatros y anfiteatros que presentaban la creciente variedad de artistas que se consideraban parte del drama y los grupos teatrales:

  • Había teatros romanos típicos que fueron diseñados para obras de teatro, que luego serían tan estandarizados que Vitruvio comentó que los asientos, llamados gradus, no deberían tener menos de 20 pulgadas ni más de 22 pulgadas de altura.
  • Los Anfiteatros fueron diseñados para los mayores espectáculos y espectáculos de gladiadores y animales salvajes.
  • Los circos (circos), como el famoso Circus Maximus, que fue construido en mucho más grande y diseñado para albergar carreras de carros.
  • Las Naumachiae donde arenas para organizar batallas navales
  • Los estadios eran áreas en forma de circos para escenificar la carrera de hombres y caballos. (Podríamos reconocer el uso moderno de & # 8220stadium & # 8221)
  • Los Xysti eran lugares construidos como pórticos donde los luchadores se ejercitaban
  • El Odeón era un pequeño teatro romano, a menudo techado, utilizado para lugares de entretenimiento más pequeños, como lecturas de poesía musical, debates o conferencias.

El entretenimiento y el teatro eran adorados en la Antigua Roma, pero los artistas de estas hazañas entretenidas a menudo eran menospreciados por la sociedad superior o percibidos como moralmente inmundos. Curiosamente, este es un patrón de pensamiento que continuó en Europa durante siglos e incluso puede haber algunos rastros de estos sentimientos en la sociedad actual. Siempre es interesante para un historiador ver cómo el pasado refleja el futuro.

& # 8220Roman Theatre & # 8221, Timothy J. Moore, Cambridge University Press, 3 de mayo de 2012.

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Partitura para coro en un lanzamiento para Louvre aulos
Sección 1: escala de spondeion. Sección 2: género cromático, estilo modulante. Sección 3: género diatónico. Melodía 82% notación antigua, 18% reconstrucción por Stefan Hagel

No estamos intentando producir textos o representaciones definitivas. Considere los borradores de partituras anteriores como miembros de familias en evolución de materiales de interpretación "indefinidos" que forman parte de una rica ecología, puntos de partida para la nueva música y la educación de doble tubo. Los arreglos de conjunto que crearemos en Tarquinia el próximo fin de semana se adaptarán a las habilidades de interpretación individuales de todos, reuniendo una gloriosa mezcla de doble flauta.

Con 20 participantes, en su mayoría principiantes, no estamos en el negocio de la reconstrucción académica: nuestra creación musical se adaptará al nivel individual de todos y todos los diferentes tubos dobles que tenemos. Esto significa mezclar períodos históricos. Estaremos formando pequeños conjuntos dictados por la afinación temperamental de las gaitas que queremos tocar. El principio es componer ejercicios sencillos que suenen bien y que nos estiren suavemente en la dirección de convertirnos en mejores jugadores. Simplemente sucede que algunos de estos ejercicios se integrarán en una actuación final: esto sirve como un estímulo para la práctica y proporciona una experiencia de aprendizaje holística, tocando todos los aspectos de ser un doble.

Cuando se contradiga la evidencia antigua, aclararemos esto y daremos razones. Por ejemplo, he transpuesto el himno de Atenas en una tercera menor para adaptarse al aulos del Louvre. No creo que se realizara en este campo en 128/7 a. C., o que el aulos del Louvre sea el tipo correcto de aulos. Estamos usando este tono en Euterpe 2018 porque: 1) no tenemos instrumentos en el tono original, 2) hace que sea más fácil para todos los participantes cantar (ni demasiado alto ni demasiado bajo) y 3) interpretar activamente esta pieza sin El esfuerzo físico nos hace más receptivos a las concepciones y modismos musicales griegos antiguos: somos más capaces de internalizar un estilo extraño cuando estamos menos estresados. The Athenaios es la mejor introducción a la música griega antigua que tenemos, ¡disfrutémosla!

Todas las partituras utilizan un tono que suena, en lugar del tono de transposición utilizado en los materiales académicos hasta la fecha, por las siguientes razones:

  1. Facilidad para colaborar con otros músicos (especialmente cantantes) - No veo ningún sentido en preparar partituras para voz y aulos en los que la parte vocal tiene un tono diferente a la parte de aulos. Esto evitaría que los cantantes lean la armonía, lo que es útil tanto para el tono como para la afinación.
  2. Facilite la colaboración con compositores y académicos que le pregunten qué notas puede tocar. Como saben los músicos de trompa, los compositores tienden a equivocarse en la transposición de instrumentos incluso cuando los libros de texto son claros y numerosos (ninguno de los cuales es el caso de los tubos dobles). La transposición introduce peligros que significan una pérdida de tiempo significativa como resultado de errores y malentendidos.
  3. Facilidad para producir partituras: cuando el software de grabado transpone una pieza, pierde el formateo manual. Esto puede representar horas de trabajo, consiguiendo que el espacio se vea bien. Incluso si el botón de transposición no arrojó las cosas mal, tener que producir dos partituras (una en tono de concierto para el cantante / director y otra transpuesta para el intérprete de aulos, con las señales transpuestas) representa un trabajo significativamente mayor. Esto es una pérdida de tiempo y dinero.
  4. Si todos los tubos dobles se comportaran como el Louvre, pero en diferentes tonalidades, entonces habría razones para tratar el aulos como un instrumento de transposición. Pero no lo hacen. Los hallazgos griegos y romanos abarcan un período de 700 años y son significativamente diferentes en su comportamiento tonal. A veces los tubos están separados por un tono, a veces un cuarto, a veces al unísono. Sin un estándar fijo, la transposición no ofrece ninguna ventaja práctica para el aulete moderno, como lo hace para el clarinetista o lo habría hecho para el antiguo aulete que tocaba instrumentos de un solo tiempo y lugar.

Rather than making life difficult for our colleagues – singers, lyre players and composers – I think it is wiser for the doublepipe community to learn to read at pitch. The only slight exception I make to this is in scores for the Pydna/Poseidonia aulos: these instruments behave almost identically and sound only a semitone apart, so I split the difference and write at a pitch in between. Depending on reeds, the Poseidonia sounds about a quarter tone higher, the Pydna a quarter tone lower than written.

With the Athenaios, note that we are doing Stefan’s version, not Armand’s – there are major differences in the melody and in the pronunciation. Stefan’s view is that the pronunciation would have been old-fashioned, which makes life easier for us as we can use the same pronunciation rules in all three songs: Pindar, Euripides and Athenaios.


Modern use

The sounds of the aulos are being digitally recreated by the Ancient Instruments Sound/Timbre Reconstruction Application (ASTRA) project which uses physical modeling synthesis to simulate the aulos sounds. Due to the complexity of this process the ASTRA project uses grid computing to model sounds on hundreds of computers throughout Europe simultaneously.

The aulos is part of the Lost Sounds Orchestra, alongside other ancient instruments which ASTRA have recreated the sounds of, including the epigonion, the salpinx, the barbiton and the syrinx.


Ver el vídeo: Vladimir Cauchemar - Aulos Official Music Video (Noviembre 2021).