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George Bellows

George Bellows

George Bellows, hijo de un contratista de obras, nació en Columbus, Ohio el 19 de agosto de 1882. En la Universidad Estatal de Ohio (1901-1904) Bellows era un talentoso jugador de béisbol, pero su primer amor fue el arte y se mudó a la ciudad de Nueva York. sin graduarse.

Bellows estudió en la Escuela de Arte de Nueva York con Robert Henri, líder de lo que se conoció como la Escuela Ashcan. También fue enseñado por John Sloan. En 1906 alquila un estudio y comienza a pintar escenas de la vida urbana cotidiana. También enseñó arte en la Arts Students League.

Bellows desarrolló una fuerte conciencia social y en 1911 comenzó a contribuir con fotografías a la revista radical, Las masas. Aunque rara vez se le paga por su trabajo, Bellows tuvo la oportunidad de trabajar con otros artistas de izquierda como John Sloan, Stuart Davis, Boardman Robinson, Alice Beach Winter, Mary Ellen Sigsbee, Cornelia Barns, Reginald Marsh, Rockwell Kent, Art Young, Robert Minor, Lydia Gibson, KR Chamberlain, Hugo Gellert y Maurice Becker.

Bellows fue profundamente influenciado por los eventos de la Primera Guerra Mundial y completó una serie de pinturas y litografías sobre el tema. También produjo 25 ilustraciones para la Las masas en 1917. Esto incluyó varios dibujos contra la guerra, incluido el poderoso ataque a Woodrow Wilson y su Ley de espionaje, titulado Benditos sean los pacificadores (julio de 1917).

En 1917 Bellows produjo la litografía Electrocución. Describió la impresión como un "estudio de uno de los fenómenos más horribles de la sociedad moderna". Fue una protesta contra la sentencia de muerte dictada contra Thomas Mooney, quien había sido condenado por estar involucrado en atentados anarquistas con bombas en San Francisco. Como ha señalado Stephen Coppel: "El tema espantoso de Bellow recuerda el grabado de Goya El Hombre Garrotted, donde también se ata a la víctima a un bloque rectangular vertical. Bellows equipara el destino de los ejecutados por el Estado con el martirio secular. Se utilizan ciertos recursos del arte religioso, como el significado del condenado en tonos más claros, en contraste con los tonos más oscuros de sus verdugos ".

En 1919 Bellows se trasladó al Instituto de Arte de Chicago. También ilustró novelas, incluidas varias de H. G. Wells. El autor de La escena americana (2008) ha señalado: "Los temas de sus litografías iban desde temas deportivos hasta imágenes de la vida callejera de Nueva York, así como preocupaciones políticas, mientras que los estudios del desnudo y muchos retratos dominaron los últimos años. Bellows trabajó directamente en la litografía stone por su inmediatez y rapidez, y pronto mostró un dominio de las técnicas de crayón y lavado ".

George Bellows murió el 8 de enero de 1925 en Nueva York después de un ataque desatendido de apendicitis.

A pesar de una sentencia del Fiscal General de que "el derecho constitucional a la libertad de expresión, de reunión y de petición existe tanto en tiempo de guerra como en tiempo de paz", cerca de dos mil hombres y mujeres fueron encarcelados por sus opiniones durante la Primera Guerra Mundial, sus sentencias corriendo tan alto como treinta años.

La Ley de Espionaje, firmada por Wilson un mes después de nuestra entrada en la guerra, aunque no contenía una cláusula de censura de prensa y estaba aparentemente diseñada para proteger a la nación contra agentes extranjeros, estableció tres nuevos crímenes que hicieron peligroso criticar la política de guerra y imposible expresar la más leve objeción al servicio militar obligatorio.

Una enmienda posterior conocida como Ley de Sedición, definió como sediciosa y castigó todo lenguaje desleal y ataques contra el gobierno, el ejército, la marina o la causa de los Estados Unidos en la guerra. En virtud de esta ley, se convirtió en un crimen escribir una carta "desleal", o un artículo contra la guerra que pudiera llegar a un campo de entrenamiento, o expresar sentimientos contra la guerra a una audiencia que incluía hombres en edad de reclutamiento, o donde la expresión podría estar escuchado por los constructores de barcos o los fabricantes de municiones.

En nuestros números de junio y julio (de Las masas) teníamos dos caricaturas antibélicas de Boardman Robinson: una imagen del Tío Sam encadenado y esposado, "Todos listos para luchar por la libertad", y una de Jesucristo siendo arrastrado por una cuerda por un oficial de reclutamiento idiota. George Bellows contribuyó con otro Jesús, ahora a rayas, con bolas y cadenas y una corona de espinas: "El prisionero usó un lenguaje que tiende a disuadir a los hombres de alistarse en el ejército de los Estados Unidos:" No matarás; Bienaventurados los pacificadores ".

Había una gran diferencia entre el Masas y el Libertador; en el segundo abandonamos la pretensión de ser una cooperativa. Crystal Eastman y yo somos dueños del Libertador, cincuenta y una acciones, y recaudamos suficiente dinero para poder pagar sumas sólidas en concepto de contribuciones.

La lista de editores colaboradores, en gran parte traída de la Masas, dice lo siguiente: Cornelia Barns, Howard Brubaker, Hugo Gellert, Arturo Giovannitti, Charles T. Hallinan, Helen Keller, Ellen La Motte, Robert Minor, John Reed, Boardman Robinson, Louis Untermeyer, Charles Wood, Art Young.

Más tarde, Claude McKay, el poeta negro, se convirtió en editor asociado. En una fiesta de Año Nuevo en 1921, elegimos a Michael Gold y William Gropper para el personal, dos polos opuestos de un imán: Gropper, un artista instintivamente cómico, como nunca tocó la pluma contra el papel, y Gold casi igualmente dotado de patetismo y lágrimas.

Los temas de sus litografías iban desde temas deportivos hasta imágenes de la vida callejera de Nueva York, así como preocupaciones políticas, mientras que los estudios del desnudo y muchos retratos dominaron los últimos años. Bellows trabajó directamente en la piedra litográfica para lograr inmediatez y rapidez, y pronto mostró un dominio de las técnicas de crayón y lavado.


George Wesley Bellows

George Bellows nació en Columbus, Ohio, el 19 de agosto de 1882. En la Universidad Estatal de Ohio (1901-1904) se distinguió como atleta, pero decidió que quería ser artista y se fue a la ciudad de Nueva York en 1904. sin graduarse. Durante un tiempo se mantuvo como deportista profesional. Estudió en la Escuela de Arte de Nueva York con Robert Henri, quien se convirtió en un amigo influyente y de toda la vida.

Las primeras pinturas de Bellow son estudios de personajes rápidos y vívidos, de tonalidad sombría. Su desarrollo fue muy rápido, ya partir de 1906 sus obras fueron aceptadas en exposiciones nacionales. Estaba fascinado con el espectáculo de la gran ciudad: sus edificios, multitudes, tipos y ríos. Aunque fue denunciado por críticos conservadores como uno de los "apóstoles de la fealdad", su brillantez técnica lo hizo más aceptable que cualquiera de los otros pintores de impulso similar. Se convirtió en asociado de la Academia Nacional de Diseño a la edad de 27 años, la persona más joven jamás honrada, y fue elegido académico de pleno derecho 4 años después. Su obra está marcada por la exuberancia, la variedad de temas, el humor y la vitalidad, siempre representada con gusto.

En 1907 Bellows produjo la primera de varias pinturas de boxeadores en acción en el ring que expresaban acción violenta con poder y aparente espontaneidad. Se casó en 1910, reconstruyó una vieja casa en la calle 19 y comenzó su carrera docente en la Art Students League. Era un maestro de la variedad Henri, que resaltaba la individualidad de cada alumno con entusiasmo e imaginación. Pasó varios veranos en Maine, donde pintó paisajes azotados por el viento y escenas marinas. En el verano de 1912, Bellows visitó California y Nuevo México, su única excursión al Lejano Oeste. Nunca fue a Europa.

Bellows estuvo bien representado en la importante Armory Show de 1913. Los nuevos movimientos europeos exhibidos allí pueden haber tenido una influencia inquietante en él, como lo hicieron en muchos pintores estadounidenses progresistas que descubrieron que sus innovaciones habían estado en el tema más que en el método o formulario. En 1916 Bellows se dedicó a la litografía (en este momento rara vez utilizada por artistas serios) porque su inmediatez lo atraía. Sus casi 200 litografías tratan una amplia variedad de temas: escenas de género, desnudos, retratos, paisajes, ilustraciones literarias y humorísticas o satíricas. comentarios. Fue afectado profunda y emocionalmente por la Primera Guerra Mundial y plasmó sus reacciones en una serie de estampados poderosos y dolorosos que han sido comparados con los de Goya. En 1918 se interesó por la teoría de la simetría dinámica de Jay Hambidge, que proporcionó un sistema geométrico de composición para controlar la obra del artista. Hambidge (y Bellows) creían que fue seguido por muchos de los grandes artistas de la antigüedad.

Bellows enseñó en el Instituto de Arte de Chicago en 1919 y su estadía allí fue recordada como un torbellino de entusiasmo y actividad. Sus ilustraciones para novelas de Don Byrne y H. G. Wells (1921-1923) son ricas en acción, caracterización e imaginación. Las mejores obras tardías de Bellows son, sin duda, los retratos de su esposa, sus dos hijas pequeñas, su madre y su tía. Brillantemente pintados, con un sólido diseño estructural y una caracterización inquisitiva, se encuentran entre los triunfos del realismo estadounidense, legítimos sucesores de las mejores obras de Thomas Eakins. Algunos de los paisajes tardíos tienen menos éxito, que tienden a tener un estilo amanerado y un color chillón, y los grandes Crucifixión, su única obra religiosa.

Un ataque desatendido de apendicitis causó la muerte de Bellows el 8 de enero de 1925 en Nueva York.


George Bellows

Pintor realista que se mudó de su ciudad natal de Columbus, Ohio, a la ciudad de Nueva York, estableciéndose como un pintor del bullicioso paisaje urbano. Estuvo asociado con The Eight y fue influenciado por Robert Henri.

Joan Stahl Artistas estadounidenses en retratos fotográficos de la colección Peter A. Juley & amp Son (Washington, D.C. y Mineola, Nueva York: Museo Nacional de Arte Americano y Dover Publications, Inc., 1995)

En contra de la tradición académica prevaleciente en los Estados Unidos a principios del siglo XX, George Bellows y otros pintores realistas comenzaron a representar la vida de la ciudad a su alrededor con franqueza y vitalidad. Bellows había terminado su educación universitaria en Columbus, Ohio, para mudarse a Nueva York en 1904 para estudiar arte.

Inscrito en la Escuela de Arte de Nueva York dirigida por William Merritt Chase, Bellows fue alumno de Robert Henri durante unos dos años. Henri, uno de los maestros de arte más influyentes del siglo, fue también la fuerza impulsora del grupo de pintores que se hizo conocido como la Escuela Ashcan debido a sus representaciones en tonos oscuros de la vida de la ciudad, incluidos sus aspectos desagradables. Aunque Bellows no expuso con el grupo en 1908, estaba claramente de acuerdo con el estilo y el contenido del trabajo de sus miembros: Henri, John Sloan, William Glackens, George Luks y Everett Shinn. Bellows mostró un don particular para capturar la energía y el movimiento de las multitudes en la calle y en eventos públicos.

Muy admirado en los círculos académicos, su trabajo fue incluido regularmente en exposiciones organizadas por la Academia Nacional de Diseño. Su popularidad se vio reforzada por una serie de pinturas dedicadas a peleas de premios y clubes de boxeo en Nueva York, actividades seguidas de cerca por el artista con inclinaciones deportivas. En 1913 Bellows logró el reconocimiento oficial cuando fue elegido académico de pleno derecho por la Academia Nacional de Diseño. Sin embargo, tales honores significaban poco para Bellows. Trabajador incansable por romper con la tradición académica, ayudó a organizar la Exposición de Artistas Independientes en 1910 y la Exposición Internacional de Arte Moderno, más comúnmente conocida como Armory Show, en 1913. En este último se incluyó un grupo de sus pinturas y dibujos al óleo.

En 1916, Bellows comenzó a experimentar con la litografía, entonces mucho menos popular que el grabado entre los artistas y coleccionistas estadounidenses. Durante los últimos nueve años de su vida, produjo un buen cuerpo de litografías, como El sombrero negro un retrato de 1921 de su esposa Emma, ​​que es uno de los cuatro grabados de Bellows en la colección del Museo Nacional de Arte Americano. Sus litografías, a menudo más satíricas que sus pinturas, jugaron un papel importante en la renovación del uso de la técnica por parte del artista estadounidense.

Aunque Bellows sigue siendo más conocido por sus paisajes y vistas de las bulliciosas actividades urbanas, pintó una cantidad sustancial de retratos. Ya sean inspirados por personas de la calle o miembros de la familia o por encargo, el artista se deleitó en registrar el carácter distintivo de cada uno de sus temas en lugar de idealizarlos. Entre sus retratos más atractivos se encuentran los de cuidadores ancianos como su madre y sus tías, a quienes pintó mientras visitaba la colonia de arte de Woodstock, Nueva York, donde construyó una casa en 1922. En el otoño de 1924 Bellows pintó el doble retrato de sus vecinos, el Sr. y la Sra. Phillip Wase.

Museo Nacional de Arte Americano (CD-ROM) (Nueva York y Washington D.C .: MacMillan Digital en cooperación con el Museo Nacional de Arte Americano, 1996)

Como estudiante universitario en Ohio State, George Bellows jugó en los equipos de baloncesto y béisbol, equilibrando su atletismo con bocetos para el anuario escolar. Ahorró suficiente dinero vendiendo sus dibujos y jugando béisbol semiprofesional para mudarse a Nueva York, donde estudió arte con Robert Henri. Bellows pronto se convirtió en el protegido y asistente de Henri. El entusiasmo de su maestro por pintar estadounidenses comunes coincidía con el apetito de Bellows por la vida en la ciudad. Recordando su reunión, Bellows declaró que su vida "comienza en este punto". Fue a clubes deportivos y otros lugares públicos para capturar la mezcla bulliciosa y diversa de clases sociales que encontró allí. En el apogeo de su carrera, Bellows experimentó con óleos y litografías con una variedad de temas, incluidas escenas de boxeo, retratos, obras de construcción, partidos de polo y paisajes marinos. (Doezema, George Bellows y Urban America, 1992 )


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George Bellows

Robert Torchia, & ldquoGeorge Bellows, & rdquo NGA Online Editions, https://purl.org/nga/collection/constituent/940 (consultado el 28 de junio de 2021).

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Biografía

George Bellows nació en Columbus, Ohio, el 12 de agosto de 1882, hijo único de un exitoso contratista de obras de Sag Harbor, Long Island, Nueva York. Entró en la Universidad Estatal de Ohio en 1901, donde jugó béisbol y baloncesto y realizó dibujos para publicaciones universitarias. Abandonó la universidad en 1904, fue a Nueva York y estudió con Robert Henri (estadounidense, 1865-1929) en la Escuela de Arte de Nueva York, donde Edward Hopper (estadounidense, 1882-1967), Rockwell Kent (estadounidense, 1882 - 1971), y Guy Pène du Bois (estadounidense, 1884-1958) fueron sus compañeros de clase. Un técnico soberbio que trabajó con un estilo pictórico seguro, Bellows pronto se estableció como el realista más importante de su generación. Creó imágenes memorables de peleas en clubes, erizos callejeros nadando en el East River y el sitio de excavación de la estación de Pensilvania y obtuvo elogios de críticos progresistas y conservadores. En 1909 se convirtió en uno de los artistas más jóvenes jamás admitidos como miembro asociado de la Academia Nacional de Diseño.

En 1910 Bellows comenzó a enseñar en la Art Students League y se casó con Emma Story, con quien tuvo dos hijas. Después de 1910, Bellows abandonó gradualmente el marcado realismo urbano y la paleta oscura característicos de sus primeros trabajos y gravitó hacia la pintura de paisajes, marinas y retratos. Su estilo cambió a medida que exploraba las teorías del color de Hardesty Maratta y Denman Ross, y más tarde el sistema compositivo de simetría dinámica de Jay Hambidge.

Bellows ayudó a organizar el Armory Show en 1913, en el que se incluyeron cinco de sus pinturas y varios dibujos. Ese año fue elegido miembro de pleno derecho de la Academia Nacional de Diseño. Tenía opiniones políticas de izquierda y contribuyó con ilustraciones a la publicación socialista. Las masas de 1912 a 1917. Bellows comenzó a hacer litografías en 1916, y su talento excepcional engendró un resurgimiento del interés por el medio. Trabajó en Maine, en Carmel, California, y en Middletown, Rhode Island, y fue miembro fundador de la Sociedad de Artistas Independientes y miembro fundador de la Asociación de Pintores y Escultores Estadounidenses. En 1919 enseñó en el Art Institute of Chicago. Después de pintar el paisaje cerca de Woodstock, Nueva York, en 1920, compró una casa allí al año siguiente. Murió de apendicitis en Nueva York el 8 de enero de 1925, a la edad de 42 años.

Bellows, que nunca fue a Europa, es considerado un artista estadounidense por excelencia cuyo estilo vigoroso le permitió explorar una amplia gama de temas, desde escenas de la vida urbana moderna hasta retratos de sus hijas y turbulentos paisajes marinos de Maine. Como señaló uno de los primeros biógrafos, Bellows "captó la fuerza bruta del boxeador, la dureza de los pastos del campo, la esencia de la infancia y los registró de manera apropiada no solo para su propia generación, sino para todos los tiempos". [1]

[1] [Frederick A. Sweet], George Bellows: pinturas, dibujos y grabados (Instituto de Arte de Chicago, IL, 1946).


Artistas en guerra: George Bellows & # 8217s War Series

Valiente hasta el final, la enfermera británica Edith Cavell comienza su camino hacia la ejecución por el pelotón de fusilamiento alemán en esta representación de Bellows. Trabajando con los heridos de ambos lados en la Bélgica ocupada por los alemanes, también ayudó a los soldados aliados a escapar a los Países Bajos.

El rápido avance de los ejércitos alemanes a través de Bélgica y el norte de Francia en las primeras semanas de la Primera Guerra Mundial trajo consigo rumores de presuntas atrocidades cometidas por las tropas alemanas contra la población civil de esas zonas. En 1915, el gobierno británico publicó el Informe Bryce, un relato condenatorio de los supuestos atropellos alemanes. Si bien el informe describió una variedad de incidentes, se nombraron pocos o ningún testigo de ellos, y surgieron dudas sobre la autenticidad de muchos de los eventos. A pesar de eso, el Informe Bryce encendió las pasiones en Gran Bretaña y Francia y proporcionó un nuevo grito de guerra para derrotar al odiado huno. Aunque la mayoría de los artistas e ilustradores rehuían el tema de las atrocidades alemanas, sintiéndolas demasiado horribles para representarlas, un artista francés, Pierre-Georges Jeanniot, creó una serie de 10 grabados en 1915 que mostraban mujeres devastadas colgadas de árboles, escenas de violación, masacres, mutilaciones, ejecuciones y otras violaciones. Las autoridades francesas prohibieron la serie por ser demasiado impactante y provocadora de pánico para ser mostrada.

Si bien la invasión de Bélgica y Francia había sido debidamente notada en la prensa estadounidense a fines de 1914, la mayoría de los estadounidenses veían el conflicto en general como un problema europeo. Pasarían tres años más antes de que Estados Unidos entrara en la guerra, e incluso entonces muchos de sus ciudadanos se opusieron, incluido el artista George Bellows, un defensor de la escuela Ashcan de Nueva York que se había hecho famoso por sus ásperas pinturas de boxeadores en el ring. Viviendas de Nueva York y otros paisajes urbanos. Bellows pronto cambió su opinión sobre la guerra, sin embargo, y se ofreció como voluntario para el cuerpo de tanques en 1917. Aunque nunca estuvo en servicio activo en Europa, dedicó más de ocho meses en 1918 a su Serie de Guerra: 20 litografías, más de 30 dibujos relacionados. y cinco pinturas al óleo que representan las supuestas atrocidades alemanas en Bélgica en 1914.

LAS LITOGRAFÍAS SE ENCUENTRAN EN tres grupos distintos, el primero muestra la lucha y el tratamiento de las víctimas, el segundo la captura y el tratamiento de los prisioneros, y el tercero las brutalidades contra la población civil. Una de las obras más convincentes del segundo grupo es El asesinato de Edith Cavell. En él, la heroica enfermera británica, vestida de blanco sobre un fondo oscuro siniestro, desciende las escaleras de su celda de la prisión en su camino a la ejecución en Bruselas en 1915 por ayudar a los soldados aliados a escapar a los Países Bajos neutrales. Cuando un contemporáneo de Bellows lo criticó por crear una escena que no había presenciado, Bellows respondió que Leonardo da Vinci no tenía "un boleto para la Última Cena". Otra litografía de la serie, Gott Strafe England (Que Dios castigue a Inglaterra), retrata lo que parece ser la crucifixión de tres soldados aliados. Aunque el tema se basó en fuentes cuestionables, muchos optaron por creer que los alemanes eran capaces de tal violencia.

Entre las imágenes centradas en presuntos tratos inhumanos a civiles inocentes, La barricada, una de las cinco pinturas, representa a soldados con bayonetas fijas escondidos detrás de figuras desnudas, mientras que otra de las pinturas, Llegan los alemanes, muestra a un soldado estrangulando a un joven al que le han cortado las dos manos, mientras otros soldados observan al fondo cómo las mujeres son atacadas cerca de una cabaña en llamas. La bacanal contiene una representación gráfica de dos soldados sosteniendo sus rifles en alto, los cuerpos flácidos de niños empalados en sus bayonetas. (Los rumores de alemanes que golpeaban a bebés con bayoneta eran abundantes en los primeros meses de la lucha y se utilizaron con gran efecto en la propaganda aliada). Otras obras de la serie incluyen Corral belga, en el que una mujer muerta yace en el suelo mientras un soldado se cambia la túnica, después de haberla violado, y El cigarrillo, retratando a una mujer muerta con la mano izquierda clavada en una puerta y el pecho izquierdo cortado.


Autorretrato de George Bellows de principios de la década de 1920, poco antes de su muerte en 1925 a los 42 años (Galería de Arte de la Universidad de Yale).

LA MAYORÍA DE LAS BRUTALIDADES se rumoreaba pero no se corroboraba a fondo. No es así de Bellows Masacre del pueblo. Se basa en los hechos reales del 23 de agosto de 1914, cuando cientos de habitantes fueron ejecutados en la ciudad de Dinant, un cruce estratégico sobre el río Mosa. Sin embargo, bajo el fuego constante de las tropas francesas al otro lado del río desde Dinant, los alemanes creían que los civiles de la ciudad eran en parte responsables de los ataques y, al final del día, habían matado a 612 habitantes, muchos de ellos por fusilamiento. En la pintura de Bellows (también realizada como litografía), hombres, mujeres, niños y monjas lloran y maldicen sobre los cuerpos masacrados, los rifles de los soldados alemanes apenas se ven a la izquierda, y la espada de un oficial acaba de caer en el comando. para disparar. La composición de Bellows se deriva claramente de la placa 26 de Goya Desastres de guerra, que muestra una línea similar de armas en manos de perpetradores invisibles que disparan contra civiles.

No está claro por qué Bellows eligió hacer la serie sobre las atrocidades en Bélgica cuatro años después del hecho. Incluso su marchante en Nueva York se sorprendió por la brutalidad mostrada, pero Bellows se limitó a decir: "Tenía que dibujarlos". En un prefacio de una exposición de algunas de las litografías en noviembre de 1918, Bellows escribió: “Al presentar estas imágenes de las tragedias de la guerra, deseo rechazar cualquier intención de atacar a una raza o un pueblo. La culpa es personal, no racial. Contra esa camarilla culpable y todas sus herramientas, que soltó sobre la inocencia todo dispositivo diabólico e instinto demente, mi odio va hacia adelante, junto con mi profunda reverencia por las víctimas ”.

Peter Harrington, colaborador frecuente de MHQ, es curadora de la Colección Militar Anne S. K. Brown en la Universidad de Brown. Escribe y enseña sobre arte y artistas militares.


George Bellows: un encuentro estimulante con la historia estadounidense

Hay una electrizante exposición gratuita del pintor estadounidense George Bellows en la National Gallery de Londres. En los primeros años del siglo XX, Bellows pintó Nueva York mientras se elevaba desde la roca de la isla de Manhattan para convertirse en la gran metrópolis del mundo moderno. No es que fuera una ciudad nueva en 1900, ya tenía una larga historia que comenzó en la época colonial, pero Bellows pintó Nueva York cuando el poder de la era de los rascacielos estaba comenzando a estallar, y su estilo áspero y duro capturó el nacimiento de la enigmática belleza moderna de la ciudad.

Una de las pinturas de la exposición muestra la excavación de los cimientos del Manhattan moderno. Un gran agujero excavado en el suelo, visto de noche, está iluminado por las lámparas de una calle cuyos edificios quedan empequeñecidos por el cráter. En las sombras de tierra del pozo, se enciende el fuego de un vigilante nocturno. Este impresionante vacío es el comienzo del sitio de construcción de la obra maestra arquitectónica de 1910 Pennsylvania Station, un edificio palaciego que en su día rivalizaría con la Grand Central Station.

Pero mientras que Grand Central sobrevive, su techo estrellado imitando espeluznantemente frescos renacentistas, la hermosa Penn Station de 1910 desapareció hace mucho tiempo, demolida en la década de 1960 para ser reemplazada por el búnker subterráneo de un intercambio que vemos hoy.

Aún así, puede tomar un tren para salir de ese búnker, tal como lo hizo desde Nueva York en los días de Bellows, a lo largo de la orilla este del río Hudson y hacia las montañas Catskill. Otra de sus pinturas observa un tren de vapor, negro y humeante contra la nieve brillante, avanzando a lo largo de esa línea con una vista de los acantilados de Nueva Jersey a través del reluciente río azul verdoso.

Esta y otra pintura de la exposición se realizaron en el Riverside Park de Manhattan, un rincón pastoral menos conocido de la ciudad que aún sobrevive y que aún ofrece una vista inquietante del río y los acantilados más allá. Esas crudas alturas de Nueva Jersey parecen casi primitivas y te hacen darte cuenta de cuán recientemente se urbanizó Estados Unidos y de cómo tiene una larga historia como continente "salvaje".

Bellows puede comunicar todo esto porque es un pintor brillante y valiente, un verdadero original. La fuerza alegre de sus amplios trazos de pincel, los colores vitales (azul, blanco, negro) y la frescura húmeda de sus superficies rollizas tienen una vitalidad poderosa. Otros artistas de su edad exhibidos en la muestra son planos en comparación. Este vistazo a su mundo es un encuentro estimulante con la historia del arte estadounidense.

También plantea interrogantes sobre el arte actual. Mientras estos artistas realistas estadounidenses salpicaban sus registros pictóricos de la escena urbana, el modernismo estaba en camino desde París, y en 1917 Marcel Duchamp estaría exhibiendo su Fuente en Nueva York.

Una narrativa simplista del arte del siglo XX podría ver a estos pintores como reliquias atrasadas, que pronto serán eclipsadas por Readymade. Pero eso, por supuesto, no es lo que pasó. La pintura, no el Readymade, ofrecería a los artistas estadounidenses el lenguaje visual para capturar el dinamismo de Nueva York. Fue Jackson Pollock, el más puro de los pintores, quien rompió el hielo del arte estadounidense y lo llevó a los ojos internacionales.

Puede ver similitudes entre Bellows y Pollock: la energía dura y arremolinada, el romanticismo y la libertad con la pintura. Otra comparación reveladora es con Willem de Kooning, cuya pintura Excavation podría compararse directamente con la escena excavada de Penn Station de Bellows. La historia del arte estadounidense sugiere que la pintura puede superar el gesto duchampiano como respuesta a la energía de la vida urbana.

Nueva York, Nueva York: una ciudad cuyo arte, al igual que su arquitectura, desafía los estereotipos del arte moderno para encarnar el verdadero romance del mundo moderno.


Ciervo en Sharkey's

Ciervo en Sharkey's es una pintura al óleo de 1909 [1] de George Wesley Bellows que representa a dos boxeadores peleando en el club atlético privado situado frente a su estudio. Es parte del movimiento Ashcan School conocido en particular por representar escenas de la vida cotidiana en la ciudad de Nueva York de principios del siglo XX, a menudo en los barrios más pobres de la ciudad. Los participantes en el ring de boxeo solían ser miembros del club, pero ocasionalmente los forasteros peleaban con membresías temporales. Estos luchadores eran conocidos como "ciervos". [2]

Ciervo en Sharkey's
ArtistaGeorge Wesley Bellows
Año1909
Medioóleo sobre lienzo
Dimensiones92 cm × 122,6 cm (36,25 pulgadas × 48,25 pulgadas)
LocalizaciónMuseo de Arte de Cleveland, Cleveland

Bellows utilizó golpes rápidos para crear una imagen borrosa, simulando a los dos luchadores en movimiento. También eligió un punto de vista bajo para colocar al espectador entre la multitud que observa la pelea. Elige "participación expresiva" en la acción. [3] Dijo: "No sé nada de boxeo, solo estoy pintando a dos hombres que intentan matarse entre sí". [4]

Pintó la obra en agosto de 1909, como parte de una serie de boxeo. [5] La pintura ha sido parte de la colección permanente del Museo de Arte de Cleveland desde 1922. [1] También creó una litografía de la escena, en 1917. [6]


Contenido

Hombres de los muelles es una pintura al óleo sobre lienzo de 114,3 por 161,3 centímetros (45,0 por 63,5 pulgadas). [1] Representa a un grupo de hombres, con abrigos manchados de mugre, de pie en un muelle en Brooklyn junto con algunos caballos de tiro. Estos hombres parecen ser jornaleros en los muelles para buscar trabajo. Miran a la izquierda, como si recibieran un mensaje, mientras un gran transatlántico se cierne sobre ellos a su derecha. Detrás de ellos hay un remolcador y las aguas y los témpanos de hielo del puerto en invierno. Más detrás de ellos están los rascacielos del bajo horizonte de Manhattan. El clima invernal que los rodea es sombrío y gris. [2] [3] [4] [5]

Un escritor para El artesano considerado Hombres de los muelles estar "libre de afectación de alma o técnica", presentando una situación de solidez como la vería un hombre normal, aferrándose así a la escena a través de la realidad. [5] Sin embargo, los críticos de arte Robert W. Snyder y Rebecca Zurier consideran que la pintura deja en suspenso a los espectadores en cuanto a la naturaleza exacta del mensaje recibido por este grupo de hombres, ya sea noticias de que no hay obra disponible o notar que los hombres pueden comenzar su labor. Esta tensión, escriben, junto con la yuxtaposición del horizonte y el puerto (casi escondido de la tierra), enfatiza la precariedad de la situación de los trabajadores. [4]

El artista, George Bellows, llegó a la ciudad de Nueva York en 1904. [2] Completó Hombres de los muelles en 1912. [1] En ese momento la Ashcan School, un grupo de pintores que se enfocaba en la vida cotidiana en Nueva York, era prominente. Fuelles y Hombres de los muelles, ha sido considerada parte de este movimiento. [6]

A principios del siglo XX, los jornaleros en los muelles de Nueva York trabajaban dependiendo de la disponibilidad de barcos para descargar y, por lo tanto, cuando no trabajaban, a menudo se quedaban cerca, esperando noticias de que había trabajo. [4] Este tema de los hombres en los muelles de Nueva York era común para Bellows, así como para otros pintores de Ashcan como Everett Shinn. Hombres de los muelles es el ejemplo más grande del tratamiento del tema por parte de Bellows. [4] [7]

Hombres de los muelles se exhibió en la Galería Vanderbilt de la Academia Nacional de Diseño en 1912, [8] así como en la Universidad de Cornell. [9] Bellows volvió a exhibir el trabajo en la Exposición Internacional Panamá-Pacífico de 1915, ganando una medalla de oro. [10] La pintura fue comprada para el Museo de Arte Maier en el Randolph Macon Woman's College en Lynchburg, Virginia, en 1920 en ese momento, el colegio era uno de los principales para las mujeres que intentaban estudiar arte. Por recomendación de la profesora Louise Jordan Smith, los estudiantes y los lugareños recaudaron $ 2,500 para comprar el trabajo. A partir de esta pintura, la colección de Maier finalmente creció hasta incluir 3.500 obras. [11]

Después de la década de 1980, Randolph College enfrentó una disminución de la matrícula y dificultades financieras. Como tal, en 2007 decidió vender cuatro de sus obras, entre ellas Hombres de los muelles. Todas estas obras fueron tomadas del Museo Maier a finales de 2007. La pintura de Bellows estaba programada para ser subastada en Christie's en Nueva York, y se esperaba que se vendiera por 25 a 35 millones de dólares. This would have been a record for an American painting sold at auction. [6] However, this prospective sale faced controversy at the college. Students made "Missing" posters overlaid showing photocopies of Men of the Docks and the three other paintings which were to be sold. [11]

A lawsuit against the sale continued over the next several years, with detractors including the Association of Academic Museums and Galleries, the College Art Association, and the Association of Art Museum Directors. As the art market deflated, a Virginia judge blocked the sale in November 2007, but in March 2008 opponents of the sale had to drop their suit as they were unable to post the $1 million bond required of them. [12] In 2012 the painting was lent to the National Gallery of Art in Washington, D.C., to be included in a comprehensive exhibition of Bellow's career. This exhibition later continued on to the Metropolitan Museum of Art in New York City, and the Royal Academy of Arts in London. [13] [14]

Ultimately, Men of the Docks was bought by the National Gallery in London in February 2014 for a total of $25.5 million (£15.6 million). The money was acquired from a fund established by Sir John Paul Getty. Director Nicholas Penny, said that the painting was a new direction for the gallery, as a non-European painting in a European style. [3] The museum also touted a “new, transatlantic academic partnership, the first of its kind between an American college and a UK gallery” established by the sale, in which curators could lecture at Randolph and students of the college could do their internships at the National Gallery. [7] [15]

In response to the sale, the College Art Association stated that Randolph had "compromised the educational and cultural mission of the museum" by selling art to increase its coffers, rather than to purchase further art. [16] In protest, both the Indianapolis Museum of Art and Tacoma Art Museum cancelled plans to borrow a Georgia O'Keeffe work. [17] College president Bradley W. Bateman defended the sale by saying that the college was "a college, not a museum", and thus not bound to follow guidelines established for museums. He further argued that Randolph's priority was to ensure quality education for its students, and that the $25.5 million for the painting was a "considerable" addition to the college's endowment of $136 million. [16] At the time of the sale, Randolph had already sold another of its works, Rufino Tamayo's Troubador. [15]

Men of the Docks was the first major American painting acquired by the gallery, and the second painting by Bellows to be publicly owned in Europe. [3] After its acquisition, Men of the Docks was hung in Room 43 of the National Gallery, between works by such European artists as Claude Monet and Camille Pissarro. [3] The painting, with the accession number of NG6649, hangs in Room 45 as of December 2014 [update] . [1]

Critic Charles Henry Meltzer, reviewing after the National Academy exhibition, described Men of the Docks as "irritating . yet full of talent" owing to its "deliberate carelessness" in the drawing of the crowd, which he found to have character. [8] The writer for The Craftsman found the painting to be "an important painting of the year", "a freshly painted canvas . presented with the thrill and wonder inherent in the edges of great seaport towns". [5]


George Bellows, Both Members of This Club

In the early twentieth century, the artist George Bellows aspired to represent the rough edges and dark aspects of New York City. In his early twenties, Bellows moved to the city from Ohio, where he had attended the Ohio State University and played baseball and basketball. He studied with Robert Henri at the New York School of Art and became part of an informal group of American artists that came to be called the “Ashcan School” due to the painters’ gritty brand of realism and the apparent muddiness of their color palettes. Henri, who led the group, encouraged his associates, a number of whom had been illustrators in Philadelphia, to sketch and paint from real life. Typical subjects for Henri, Bellows, and their Ashcan brethren included rough-and-tumble youths, working class people, immigrant communities, and the hubbub of the urban street. While still in his twenties, Bellows painted Both Members of This Club (1909), one of his most recognizable images.

Style, composition, and color

In the painting, two men, one white and the other black, on the left and right respectively, engage one another in a prizefighting (boxing for cash prize) ring. The painting’s style reinforces its subject matter. Bellows’ brushstrokes underscore the violence, physicality and vigorous action of the match. Bellows applied paint with a quickness and sketchiness that echoes the energetic movement of the athletes and the flickering of low light as it bounces across the faces of the rowdy, restless audience. The forms, while distinct, are not delicately rendered, but instead are roughly described. Slashes of paint are particularly noticeable in the highlights along the black boxer’s back and side. They are also apparent in the streaks of red, evoking blood, by the elbow of the white boxer, along his ribs and stomach, and across his neck and chin.

Boxers (detail), Both Members of This Club, 1909, oil on canvas, 115 x 160.5 cm (National Gallery of Art, Washington D.C.)

The composition is approximately triangular with the apex marked by the collision of the boxers’ upraised fists. The fighter on the right lunges forward, gaining momentum by pushing off an extended and unnaturally attenuated right leg, into the left fighter, whose right knee seems ready to buckle beneath him. Several layers of the crowd define the base of this compositional triangle.

Bellows mostly limited the colors in this painting to shades of blue-gray, brown, and cream, but accentuated this tonal palette with touches of white, red, orange, and pink, plus the green of the left boxer’s trunks. Bellows illuminated the composition to spotlight the action, thus associating the ring with a theater stage. The obscure darkness of the background largely precludes any perception of recession into space, and also creates the feeling of a dangerous and secretive atmosphere. Indeed, the title Both Members of This Club refers to the dubious practice of turning boxers into temporary sports club members in order to skirt a New York state law that prohibited public prizefighting. For a time, Bellows lived across the street from Sharkey Athletic Club (one institution that took part in this subterfuge), where he could readily observe men fighting.

Race and boxing

Bellows keyed in to the racial dynamics of his era by pitting a black fighter against a white fighter. He showed Both Members of This Club at the Exhibition of Independent Artists in 1910, the year of a much-anticipated fight between heavyweight boxing champion Jack Johnson and his challenger Jim Jeffries. The media billed Jeffries as the latest in a series of “great white hopes” who aspired to take the coveted heavyweight title away from Johnson, the African-American man who had held it since 1908. Racial animosity dramatized coverage of the fight, a contest in which Johnson ultimately proved victorious. Though the matchup in Both Members of This Club cannot be definitively assigned to any particular boxing bout, race is thematically and compositionally central in Bellows’ scene. The painting’s title registers as darkly satirical when we realize that, during this period of segregation, fighting—especially illicit prizefighting at a place such as Sharkey’s—was one of the few forums in which membership could be conferred equally and close interracial interaction condoned. 1

The crowd and the city

Bellows’ painting also reflects a contemporary interest in crowd psychology (the study of how individuals behave differently as part of a crowd as well as the behavior of the crowd itself). Bellows famously claimed that “the atmosphere around the fighters is a lot more immoral than the fighters themselves.” En Both Members of This Club, Bellows exaggerated the faces of the onlookers. They grimace, shout, and stare bug-eyed at the drama before and above them. Particularly startling is the toothy grin of a spectator with a long face who can be spotted just to the right of the black boxer’s foreshortened left foot. Bellows’ incisive depiction of the match’s audience reveals the influence of nineteenth-century French artist and caricaturist Honoré Daumier, but it also points to societal concerns of Bellows’ day.

Crowd (detail), Both Members of This Club, 1909, oil on canvas, 115 x 160.5 cm (National Gallery of Art, Washington, D.C.)

Bellows painted this canvas in 1909, the year after the publication of what are often considered the first two social psychology textbooks. The books’ authors, sociologist Edward Alsworth Ross and psychologist William McDougall, both explored crowd psychology. Ross wrote about the dissolution of individual identity within a crowd, and the crowd’s increased susceptibility to waves of emotion over logical reasoning. Similarly, McDougall theorized that being part of a crowd was a definitive condition of human recreation, stemming from what he referred to as the “gregarious impulse.” He also argued that this “gregarious impulse” was evidenced by the undeniable appeal of cities, which continued to attract residents (such as Bellows himself) despite the high cost of living, pollution, congestion, and risk for disease. 2

Urban entertainments

Everett Shin, The White Ballet, 1904, oil on canvas, 74.9 x 93.3 cm (Smithsonian American Art Museum, Washington D.C.)

Critics considered Bellows to be distinctly American because he never studied abroad in Europe, as so many other American artists at the time did. Yet Bellows’ work was not insular. His boxing pictures relate to images that fellow Ashcan artist Everett Shinn created of the theater. Shinn was in turn deeply influenced by the work of French Realist and Impressionist Edgar Degas. However, comparison with Shinn and Degas highlights what distinguishes Both Members of This Club. Rather than depicting the polite urban recreation of theater attendance, as in Shinn’s The White Ballet from 1904, Bellows blatantly exposed the city’s dingy and nearly illegal underside, featuring an all-male space where brutality and head-to-head conflict replaced the glamour and coordination of ballet performance.

Part of the crowd?

George Bellows, Stag at Sharkey’s, 1909, oil on canvas, 110 x 140.5 cm (Cleveland Museum of Art)

Both Members of this Club is one of three boxing paintings Bellows made in the first decade of the twentieth century. As in the other two, Club Night (1907) and Stag at Sharkey’s (1909), Both Members of This Club places its viewers in an ambivalent position. We are implicated as part of the bloodthirsty crowd directly behind the heads of the front row spectators, while simultaneously separated from this crowd as visitors in the hushed and refined space of an art gallery.

1. Marianne Doezema, George Bellows and Urban America (New Haven: Yale University Press, 1992), pp. 104-113.

2. Arie W. Kruglanski and Wolfgang Stroebe, “The Making of Social Psychology,” in Handbook of the History of Social Psychology, ed. Arie W. Kruglanski and Wolfgang Stroebe (New York: Psychology Press, 2012), p. 3 Edward Alsworth Ross, Social Psychology: An Outline and Sourcebook (New York: MacMillan, 1908), pp. 45-46 and William McDougall, An Introduction to Social Psychology, 2ª ed. (Boston: John W. Luce, 1909), pp. 86, 297.


Ver el vídeo: History of Taste: George Bellows and our first American painting. National Gallery (Diciembre 2021).