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8 cosas que quizás no sepa sobre "El mago de Oz"

8 cosas que quizás no sepa sobre

1. Antes de ser famoso, Baum trabajó como criador de aves de corral, actor y vendedor ambulante.

Baum tenía 44 años cuando se publicó "El maravilloso mago de Oz" y para entonces ya había probado suerte en una variedad de trabajos. Cuando era joven en el norte del estado de Nueva York, crió pollos premiados, publicó una revista comercial sobre aves de corral y fue actor y dramaturgo. Una de sus obras, "The Maid of Arran", estuvo de gira por varias ciudades de Estados Unidos a principios de la década de 1880, con Baum en un papel principal. Sin embargo, tras algunos tratos turbios de su contable, además de un incendio que destruyó un teatro propiedad de Baum, puso sobre la mesa sus sueños del mundo del espectáculo y se puso a trabajar como vendedor para una empresa que fabricaba aceite lubricante. A principios de la década de 1890, se mudó a Chicago y trabajó como vendedor ambulante para una empresa de cristalería. Mientras estaba fuera de casa, inventó historias para contarles a sus cuatro hijos, y cuando su suegra escuchó algunas de estas historias, lo animó a que intentara publicarlas. El resultado fue el primer libro para niños de Baum, "Mother Goose in Prose", que no se vendió bien cuando se publicó en 1897. Mientras tanto, Baum se había cansado de la vida como vendedor ambulante y fundó una revista comercial bien recibida sobre el recorte de ventanas (él tuvo la idea después de observar los escaparates de las tiendas mal organizados durante su tiempo en la carretera). En 1899, publicó su segundo trabajo para niños, "Father Goose, His Book". Un éxito de ventas inesperado, puso en marcha su carrera literaria y ayudó a generar interés en "Oz", en la que ya estaba trabajando.

2. El autor y su co-creador de "Oz" tuvieron una gran disputa.

Cuando debutó "El maravilloso mago de Oz", fue elogiado por sus lujosas ilustraciones, creadas por el artista nacido en Filadelfia William Wallace Denslow. Baum y Denslow se conocieron en Chicago en la década de 1890 y Denslow hizo algunos dibujos para "The Show Window", la revista comercial de Baum, antes de que los dos se unieran en "Father Goose", el sorprendente éxito de ventas de 1899. Su siguiente proyecto, "Oz", del que compartían los derechos de autor, se convirtió rápidamente en un éxito de ventas; sin embargo, la relación de la pareja se agrió, y cada hombre creyó que merecía el crédito por el éxito del libro. Aunque lanzaron juntos un libro para niños más, "Dot and Tot of Merryland" de 1901, nunca colaboraron en otro libro de "Oz". Después de enfrentarse a los derechos de autor de una popular producción musical de 1902 llamada "El mago de Oz" (la primera vez que se eliminó "maravilloso" del título), los hombres se separaron. Denslow continuó trabajando como ilustrador (los personajes Scarecrow y Tin Man de "Oz" aparecieron en algunos de sus diseños) pero su carrera finalmente entró en declive después de que desarrolló un problema con la bebida. Murió en 1915 en Nueva York, cuatro años antes que Baum.

3. La serie "Oz" casi llegó a su fin.

El éxito del primer libro de "Oz" llevó a Baum a producir secuelas, pero se cansó del lugar mágico que había ideado y trató de terminar la serie con su sexto libro, "La ciudad esmeralda de Oz", en el que Dorothy toma La tía Em y el tío Henry residirán permanentemente en Oz. Sin embargo, cuando se publicó el libro, en 1910, su autor enfrentaba serios problemas financieros debido en parte a su fuerte inversión en "The Fairylogue and Radio-Plays", un costoso programa itinerante de corta duración en el que Baum narró en silencio. -Clips de películas de sus personajes famosos, acompañados de una orquesta y actores teatrales. Baum se declaró en quiebra en 1911 y cedió los derechos cinematográficos de "El maravilloso mago de Oz" para ayudar a pagar sus deudas. Aún necesitado de dinero, volvió a escribir sobre la Tierra de Oz, y "La chica de retazos de Oz", su séptima novela de la serie, debutó en 1913.

4. Baum usó una serie de seudónimos.

Baum (su primera inicial, "L", representaba a Lyman, un nombre que no le gustaba; en persona, se hacía llamar Frank) también produjo docenas de libros con varios seudónimos. Entre estas obras se encontraba una popular serie para adolescentes, "Las sobrinas de la tía Jane", para la que utilizó el nom de plume Edith van Dyne. El decimocuarto y último libro de "Oz" escrito por Baum, "Glinda of Oz", se publicó en 1920, un año después de su muerte. La autora infantil Ruth Plumly Thompson fue contratada para continuar la serie y escribió 19 libros adicionales de "Oz".

5. Baum defendió el derecho al voto de las mujeres.

En 1888, en busca de nuevas oportunidades comerciales, Baum se mudó con su familia a la ciudad fronteriza de Aberdeen en el territorio de Dakota. Allí abrió una tienda de artículos novedosos llamada Baum's Bazaar; sin embargo, el área pronto experimentó una sequía severa y la economía local se hundió. Después de que Baum se viera obligado a cerrar su tienda a principios de 1890, se convirtió en propietario de un periódico local, el Aberdeen Saturday Pioneer, para el que escribió editoriales que defendían temas como el sufragio femenino. Las opiniones de Baum sobre el tema fueron influenciadas por su decidida esposa, Maud, y su suegra, Matilda Gage, una líder del movimiento por los derechos de las mujeres que había colaborado con Elizabeth Cady Stanton y Susan B. Anthony. Baum abogó por un referéndum de 1890 sobre el sufragio femenino en Dakota del Sur, que fue admitido en la Unión en 1889, pero la medida fue rechazada. Cuando Baum comenzó a escribir libros para niños, muchos de sus personajes principales eran niñas tenaces y autosuficientes. En 1920, un año después de la muerte de Baum, las mujeres estadounidenses obtuvieron el derecho al voto cuando se ratificó la 19ª Enmienda.

6. Baum fundó uno de los primeros estudios de cine en Hollywood.

Baum se mudó a Hollywood en 1910, justo cuando la industria cinematográfica comenzaba allí. Luego fue cofundador de Oz Film Manufacturing Company para hacer películas basadas en sus libros de los que todavía tenía los derechos cinematográficos. Él y sus socios construyeron un estudio y en 1914 produjeron un puñado de películas mudas, pero las elaboradas producciones se adelantaron a su tiempo y no lograron encontrar una audiencia amplia. La empresa cerró el año siguiente.
Uno de los hijos de Baum coescribió una adaptación de El mago de Oz que llegó a la pantalla grande en 1925. El elenco incluía a Oliver Hardy (que se convirtió en la mitad del dúo de comedia Laurel y Hardy) como el Hombre de hojalata; sin embargo, la película fue criticada por los críticos. No fue hasta la producción de MGM de 1939 que "Oz" encontró el éxito cinematográfico. La viuda de Baum, Maud, asistió al estreno de la película en Hollywood en el Grauman’s Chinese Theatre ese agosto.

7. La película ahora clásica no fue un éxito de taquilla cuando se estrenó por primera vez.

MGM se inspiró para hacer una adaptación cinematográfica de "El maravilloso mago de Oz" tras el éxito de taquilla de "Blancanieves y los siete enanitos", el primer largometraje animado del mundo, estrenado por Walt Disney en 1937. Judy Garland, de 16 años, interpretó a Dorothy en la película de 1939, que debutó con críticas en su mayoría favorables y obtuvo seis nominaciones al Oscar. Ganó dos premios Oscar a la mejor canción, "Over the Rainbow", y mejor puntuación, pero perdió la categoría de mejor película ante "Lo que el viento se llevó". (Cinco directores diferentes trabajaron en "Oz", aunque el crédito fue para Victor Fleming, quien también dirigió "GWTW"). La producción de gran presupuesto, que incluyó a unos 600 actores y casi mil disfraces, costó $ 2.8 millones. Sin embargo, inicialmente generó alrededor de $ 3 millones en taquilla, y cuando se tabularon los costos de distribución y otros gastos, "El mago de Oz" no se consideró rentable. La televisión es lo que transformó la película en un clásico estadounidense. "El Mago de Oz" se emitió en la televisión nacional por primera vez en noviembre de 1956, y desde 1959 se emitió una vez al año hasta 1991. Ver las proyecciones anuales se convirtió en una tradición para muchas familias.

8. En el libro original, las zapatillas mágicas de Dorothy eran plateadas.

Dorothy usó zapatos plateados en la historia de Baum, pero para la película Technicolor, Judy Garland lució pantuflas rojo rubí porque se creía que se destacarían mejor contra el camino de ladrillos amarillos. Durante la producción de 1939 se utilizaron varios pares de las ahora legendarias bombas; después de terminar la filmación, fueron almacenados en el lote de MGM en Culver City, California, y fueron olvidados. Los zapatos fueron desenterrados en 1970 durante los preparativos para una subasta de vestuario y accesorios de MGM. Se sabe que existen cuatro pares auténticos en la actualidad: un par fue subastado y donado al Smithsonian en 1979, mientras que otro par se vendió en una subasta en 2000 por $ 666,000. En 2012, el actor Leonardo DiCaprio fue el principal benefactor detrás de la compra de un par para la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas.
También en la película, pero no en el libro original: "Toto, tengo la sensación de que ya no estamos en Kansas". Una de las citas más famosas asociadas con la Tierra de Oz, fue ideada por el guionista de Hollywood Noel Langley, no por Baum.


7 cosas que quizás no sepa sobre Duke Ellington

Decir que Duke Ellington (29 de abril de 1899 - 24 de mayo de 1974) tuvo una carrera productiva e ilustre sería quedarse corto. Como compositor, arreglista, pianista y director de orquesta, fue una fuerza importante durante casi 50 años (1926-74), creando innovaciones en cada área. Hizo todo eso mientras viajaba constantemente con su orquesta que, a pesar de los grandes cambios en el mundo de la música, nunca se separó durante su vida.

Ellington ha aparecido en muchos libros a lo largo de los años y era un nombre nacional a principios de la década de 1930, pero hay algunos aspectos de su vida y carrera que no son tan conocidos como sus actuaciones y grabaciones.


Contenido

La oración ha aparecido en muchas versiones. Las versiones de Reinhold Niebuhr de la oración siempre se imprimieron como una sola oración en prosa que presenta la oración como tres líneas de verso que modifican la versión original del autor. La forma más conocida es una versión tardía, ya que incluye una referencia a la gracia que no se encontró antes de 1951: [1]

Dios, dame gracia para aceptar con serenidad
las cosas que no se pueden cambiar,
Coraje para cambiar las cosas
que debería cambiarse,
y la sabiduría para distinguir
el uno del otro.

Viviendo un día a la vez,
Disfrutando un momento a la vez,
Aceptando las dificultades como un camino hacia la paz,
Tomando, como hizo Jesús,
Este mundo pecaminoso como es,
No como yo lo hubiera querido
Confiando en que harás todo bien,
Si me rindo a tu voluntad
Para que pueda ser razonablemente feliz en esta vida,
Y sumamente feliz contigo para siempre en el próximo.

Una versión (aparentemente citada de memoria) apareció en la columna "Consultas y respuestas" en Reseña del libro del New York Times, 2 de julio de 1950, pág. 23, preguntando por el autor de la cita. Respuesta en la misma columna del número del 13 de agosto de 1950, pág. 19, atribuyó la oración a Niebuhr, citándola de la siguiente manera:

Oh Dios y Padre Celestial,
Concédenos la serenidad de la mente para aceptar lo que no se puede cambiar, el valor para cambiar lo que se puede cambiar, y la sabiduría para conocer el uno del otro, por Jesucristo nuestro Señor, Amén.

Algunos programas de recuperación de doce pasos utilizan una versión ligeramente diferente:

Dios, concédeme la serenidad para aceptar las cosas que no puedo cambiar,
Valor para cambiar las cosas que puedo
y sabiduría para saber la diferencia. [6]

La primera referencia registrada a la oración es una entrada del diario de 1932 de Winnifred Crane Wygal, alumno y colaborador de Reinhold Niebuhr, que cita la oración y la atribuye a Niebuhr. [1] Varias versiones de la oración aparecieron entonces en artículos de periódicos a principios de la década de 1930 escritos por Wygal o que informaban sobre los discursos dados por él. [1] En 1940, Wygal incluyó la siguiente forma de oración en un libro sobre la adoración, atribuyéndola a Niebuhr: [7]

Oh Dios, danos la serenidad para aceptar lo que no se puede cambiar, el coraje para cambiar lo que se puede cambiar y la sabiduría para distinguir el uno del otro.

Wygal fue un funcionario de la YWCA durante mucho tiempo y todos los usos registrados fueron de mujeres involucradas en actividades voluntarias o educativas relacionadas con la YWCA. [1] [4]: ​​3

La primera referencia impresa, en 1936, menciona que durante un discurso, una señorita Mildred Pinkerton "cita la oración", como para indicar que ya estaba en una circulación conocida por el periodista, o que Pinkerton la transmitió como una cita, sin mencionar su autoría. Una publicación de estudiantes cristianos de 1937 atribuyó la oración a Niebuhr en la siguiente forma, que coincide con las otras formas publicadas más antiguas al solicitar "coraje para cambiar" antes de pedir serenidad:

Padre, danos valor para cambiar lo que debe ser alterado, serenidad para aceptar lo que no se puede evitar y la intuición para conocer el uno del otro.

Varios otros autores también citaron a Niebuhr como la fuente de la oración a partir de 1937. [1] El Consejo Federal de Iglesias (NCC) incluyó la oración en un libro para capellanes y militares del ejército en 1944 y la USO hizo circular la oración (con el permiso de Niebuhr) a los soldados en tarjetas impresas durante la Segunda Guerra Mundial. [8] [9] En 1950, en respuesta a preguntas sobre la procedencia de la oración ya bastante conocida, Niebuhr escribió que la oración "puede haber estado espantando por años, incluso siglos, pero no lo creo. Honestamente lo hago creo que lo escribí yo mismo ". [10] [11] Lo confirmó en 1967. [9] Su hija, Elisabeth Sifton, pensó que Niebuhr lo había escrito por primera vez en 1943, [12]: 277 mientras que la esposa de Niebuhr, Ursula, creía que había sido escrito en 1941 o 42. , agregando que puede haber sido usado en oraciones ya en 1934. [1]

La Oración de la Serenidad se incluirá bajo el nombre de Niebuhr en la próxima edición de la Libro de citas de Yale, cuyo autor Fred R. Shapiro primero había planteado dudas, pero más tarde fue fundamental para confirmar la autoría de Niebuhr. [13]

Citas equivocadas Editar

Aunque la hija de Niebuhr fue citada una vez sugiriendo que Niebuhr escribió por primera vez la oración para el sermón de 1943 en la Iglesia de la Unión Evangélica de Heath, [8] hay evidencia documental convincente de que la había usado mucho antes. [4] [1]

Se han identificado numerosas declaraciones de sentimientos más o menos similares de otros autores y es probable que se encuentren más. La oración también se ha atribuido falsamente a una variedad de otros autores.

Precursores genuinos Editar

Epicteto escribió: "Haz el mejor uso de lo que está en tu poder, y toma el resto como suceda. Algunas cosas dependen de nosotros [eph 'hêmin] y otras no dependen de nosotros. Nuestras opiniones dependen de nosotros, y nuestros impulsos, deseos, aversiones, en resumen, lo que sea que sea nuestro propio hacer. Nuestros cuerpos no dependen de nosotros, ni nuestras posesiones, nuestra reputación, nuestros cargos públicos, o, es decir, cualquier cosa que no sea nuestro propio hacer. " [14]

El erudito budista indio del siglo VIII, Shantideva, de la antigua Universidad de Nalanda sugirió: [15]

Si hay un remedio cuando surgen problemas,
¿Qué razón hay para el abatimiento?
Y si no hay ayuda para ello,
¿De qué sirve estar triste?

El filósofo judío del siglo XI, Solomon ibn Gabirol, escribió: [16]

Y dijeron: A la cabeza de todo entendimiento, está el darse cuenta de lo que es y lo que no puede ser, y el consuelo de lo que no está en nuestro poder para cambiar.

El filósofo W.W. Bartley yuxtapone sin comentarios la oración de Niebuhr con una rima de Mother Goose (1695) que expresa un sentimiento similar: [17]

Por cada dolencia bajo el sol
Hay remedio o no hay
Si hay uno, intenta encontrarlo.
Si no hay ninguno, no importa.

Friedrich Schiller defendió la primera parte en 1801: "Bienaventurado el que ha aprendido a soportar lo que no puede cambiar ya renunciar con dignidad a lo que no puede salvar". [18]

Atribuciones espurias Editar

Theodor Wilhelm, profesor de educación en la Universidad de Kiel, publicó una versión alemana de la oración bajo el seudónimo de "Friedrich Oetinger". [21] La versión plagiada de Wilhelm de la oración se hizo popular en Alemania Occidental, donde fue ampliamente atribuida, pero falsamente, al filósofo del siglo XVIII Friedrich Christoph Oetinger. [12]: 343

La oración se hizo más conocida después de que un miembro temprano la llamó la atención de Alcohólicos Anónimos en 1941, [22] que la encontró en un título en una "rutina New York Herald Tribune obituario ". [23] Al cofundador de AA William Griffith Wilson y al personal les gustó la oración y la imprimieron en forma modificada y la distribuyeron. Ha sido parte de Alcohólicos Anónimos desde entonces, y también se ha utilizado en otros doce pasos. programas. "Nunca habíamos visto tanto AA en tan pocas palabras ", señaló Wilson. [23] En su edición de enero de 1950, Grapevine, Revista Internacional de Alcohólicos Anónimos, identificó a Niebuhr como el autor (págs. 6-7), al igual que el sitio web de AA. [11]

El texto original de esta oración adaptada fue:

Padre, danos valor para cambiar lo que hay que cambiar,
serenidad para aceptar lo que no se puede evitar,
y la intuición de conocer el uno del otro.

Los grupos de doce pasos han adoptado ampliamente una versión ligeramente diferente de la oración:

Dios, concédenos la serenidad para aceptar las cosas que no podemos cambiar,
el coraje para cambiar las cosas que podemos,
y la sabiduría para reconocer la diferencia. [24]

En la tira cómica de humor de Bill Watterson Calvin y Hobbes, Calvin dice:

¿Sabes por qué rezo? La fuerza para cambiar lo que puedo, la incapacidad para aceptar lo que no puedo y la incapacidad para notar la diferencia. [25]


2. Abraham se rió de Dios y también su esposa Sara… y Dios los escuchó.

Tanto Abraham como Sara se rieron cuando Dios les dijo que tendrían un hijo en su vejez (Génesis 17:17 18: 10-12). Su risa ante el plan de Dios mostró su incredulidad de que Él pudiera hacer lo que dijo que haría.

Entonces el SEÑOR dijo a Abraham: "¿Por qué se rió Sara y dijo:" ¿De verdad voy a tener un hijo, ahora que soy mayor? "¿Hay algo demasiado difícil para el SEÑOR? Volveré contigo a la hora señalada el año que viene y Sarah tendrá un hijo ''. Sarah tenía miedo, así que mintió y dijo: `` No me reí ''. Pero él dijo: `` Sí, te reíste ''.. ’” Génesis 18: 13-15

¿Alguna vez te has reído de Dios? Parece una noción tan blasfema, pero es probable que lo hagamos con más frecuencia de lo que pensamos. ¿Ir a rezar con ese extraño de allí? Creo que primero intentaré asentir y sonreír. Cuente mi testimonio frente a un grupo grande, tal vez el próximo mes cuando no esté tan cansado. ¿Quieres que tenga gracia con mi esposo / hijo / miembro de la familia / amigo después de que lo hicieron / dijeron eso por 19a vez?

Ya sea que nos reímos a carcajadas o en nuestro corazón, Dios siempre nos escucha. El SEÑOR le prometió a Abraham un hijo a través de su esposa Sara, y a pesar de su incredulidad, Dios no rompió Su promesa.La gente es libre de creer o no creer, pero los planes de Dios nunca cambian.


Contenido

La historia de L. Frank Baum fue publicada por George M. Hill Company. La primera edición tuvo una impresión de 10,000 copias y se vendió antes de la fecha de publicación del 1 de septiembre de 1900. El 17 de mayo de 1900, la primera copia salió de la imprenta. Baum la ensambló a mano y se la presentó a su hermana, Mary. Louise Baum Brewster. El público lo vio por primera vez en una feria del libro en Palmer House en Chicago, del 5 al 20 de julio. Sus derechos de autor se registraron el 1 de agosto y la distribución completa siguió en septiembre. [2] En octubre de 1900, ya se había agotado y la segunda edición de 15.000 copias estaba casi agotada. [3]

En una carta a su hermano, Harry, Baum escribió que el editor del libro, George M. Hill, predijo una venta de unas 250.000 copias. A pesar de esta conjetura favorable, Hill no predijo inicialmente que el libro tendría un éxito fenomenal. Aceptó publicar el libro solo cuando el gerente de la Gran Ópera de Chicago, Fred R. Hamlin, se comprometió a convertirlo en una obra de teatro musical para publicitar la novela. El juego El mago de Oz debutó el 16 de junio de 1902. Se revisó para adaptarse a las preferencias de los adultos y se diseñó como un "espectáculo musical", con el vestuario inspirado en los dibujos de Denslow. La editorial de Hill quebró en 1901, por lo que Baum y Denslow acordaron que Bobbs-Merrill Company, con sede en Indianápolis, reanudara la publicación de la novela. [4]

El hijo de Baum, Harry Neal, le dijo al Chicago Tribune en 1944 que Baum les contó a sus hijos "historias caprichosas antes de que se convirtieran en material para sus libros". Harry llamó a su padre el "hombre más gordo que conocí", un hombre que fue capaz de dar una razón decente de por qué los pájaros negros cocinados en un pastel podían salir y cantar después. [5]

En 1938, se habían impreso más de un millón de copias del libro. [6] En 1956, las ventas habían aumentado a tres millones de copias.

Baum dedicó el libro "a mi buena amiga y compañera, mi esposa", Maud Gage Baum.

Dorothy es una niña que vive con su tía Em, su tío Henry y su perro, Toto, en una granja en la pradera de Kansas. Un día, ella y Toto quedan atrapados en un ciclón que los deposita a ellos y a la granja en Munchkin Country en la mágica Tierra de Oz. La casa que se derrumba ha matado a la Malvada Bruja del Este, el malvado gobernante de los Munchkins. La Buena Bruja del Norte llega con tres Munchkins agradecidos y le da a Dorothy los mágicos zapatos plateados que una vez pertenecieron a la Malvada Bruja. La Bruja Buena le dice a Dorothy que la única forma en que puede regresar a casa es seguir el camino de ladrillos amarillos hacia la Ciudad Esmeralda y pedirle al gran y poderoso Mago de Oz que la ayude. Mientras Dorothy se embarca en su viaje, la Bruja Buena del Norte la besa en la frente, brindándole protección mágica contra cualquier daño.

En su camino por el camino de ladrillos amarillos, Dorothy asiste a un banquete ofrecido por un Munchkin llamado Boq. Al día siguiente, libera a un espantapájaros del poste del que está colgado, aplica aceite de una lata a las juntas oxidadas de un leñador de hojalata y se encuentra con un león cobarde. El Espantapájaros quiere un cerebro, el Leñador de Hojalata quiere un corazón y el León quiere coraje, por lo que Dorothy los anima a viajar con ella y Toto a la Ciudad Esmeralda para pedir ayuda al Mago. Después de varias aventuras, los viajeros llegan a la Ciudad Esmeralda y se encuentran con el Guardián de las Puertas, quien les pide que usen anteojos teñidos de verde para evitar que sus ojos sean cegados por el brillo de la ciudad. Cada uno está llamado a ver al Mago. A Dorothy se le aparece como una cabeza gigante, al Espantapájaros como una dama encantadora, al Leñador de Hojalata como una bestia terrible y al León como una bola de fuego. Él acepta ayudarlos a todos si matan a la Malvada Bruja del Oeste, que gobierna Winkie Country. The Guardian les advierte que nadie ha logrado derrotar a la bruja.

La Malvada Bruja del Oeste ve a los viajeros que se acercan con su único ojo telescópico. Ella envía una manada de lobos para despedazarlos, pero el Leñador de Hojalata los mata con su hacha. Ella envía una bandada de cuervos salvajes a picotearles los ojos, pero el Espantapájaros los mata retorciéndoles el cuello. Ella convoca a un enjambre de abejas negras para que las piquen, pero mueren mientras intentan picar al Leñador de Hojalata mientras la paja del Espantapájaros esconde a las demás. Ella envía una docena de sus esclavos Winkie para atacarlos, pero el León se mantiene firme para repelerlos. Finalmente, usa el poder de su Gorro Dorado para enviar a los Monos Alados a capturar a Dorothy, Toto y el León, despegar al Espantapájaros y abollar al Leñador de Hojalata. Dorothy se ve obligada a convertirse en la esclava personal de la bruja, mientras que la bruja planea robarle sus zapatos plateados.

La bruja engaña con éxito a Dorothy con uno de sus zapatos plateados. Enojada, le arroja un balde de agua a la bruja y se sorprende al verla derretirse. Los Winkies se regocijan de haber sido liberados de su tiranía y ayudan a reavivar al Espantapájaros y reparar al Leñador de Hojalata. Le piden al Leñador de Hojalata que se convierta en su gobernante, lo que él acepta después de ayudar a Dorothy a regresar a Kansas. Dorothy encuentra el gorro dorado de la bruja y convoca a los monos alados para que la lleven a ella y a sus amigos de regreso a la Ciudad Esmeralda. El Rey de los Monos Alados cuenta cómo él y su banda están atados por un encantamiento al gorro de la hechicera Gayelette del Norte, y que Dorothy puede usarlo para convocarlos dos veces más.

Cuando Dorothy y sus amigos se encuentran de nuevo con el Mago, Toto inclina una pantalla en una esquina de la sala del trono que revela al Mago, quien tristemente explica que es un farsante, un anciano común que, en un globo aerostático, llegó a Oz. hace mucho tiempo desde Omaha. Proporciona al Espantapájaros una cabeza llena de salvado, alfileres y agujas ("muchos cerebros nuevos"), al Leñador de Hojalata un corazón de seda relleno de aserrín y al León una poción de "coraje". Su fe en su poder les da a estos elementos un enfoque para sus deseos. Decide llevarse a Dorothy y Toto a casa y luego volver a Omaha en su globo. En la despedida, nombra al Espantapájaros para que gobierne en su lugar, lo que acepta hacer después de ayudar a Dorothy a regresar a Kansas. Toto persigue a un gatito entre la multitud y Dorothy va tras él, pero las cuerdas que sujetan el globo se rompen y el mago se aleja flotando.

Dorothy convoca a los monos alados y les dice que la lleven a ella y a Toto a casa, pero ellos explican que no pueden cruzar el desierto que rodea a Oz. El Soldado de los Bigotes Verdes le informa a Dorothy que Glinda, la Bruja Buena del Sur, podría ayudarla a regresar a casa, por lo que los viajeros comienzan su viaje para ver el castillo de Glinda en Quadling Country. En el camino, el León mata a una araña gigante que aterroriza a los animales en un bosque. Le piden que se convierta en su rey, lo que él acepta después de ayudar a Dorothy a regresar a Kansas. Dorothy convoca a los monos alados por tercera vez para volarlos sobre una colina hasta el castillo de Glinda. Glinda los saluda y les revela que los zapatos plateados de Dorothy pueden llevarla a cualquier lugar que desee. Ella abraza a sus amigos, todos los cuales serán devueltos a sus nuevos reinos a través de los tres usos de Glinda del Gorro Dorado: el Espantapájaros a la Ciudad Esmeralda, el Leñador de Hojalata al País de Winkie, y el León al bosque, después de lo cual el gorro será entregado al Rey de los Monos Alados, liberándolo a él y a su banda. Dorothy toma a Toto en sus brazos, golpea sus talones tres veces y desea regresar a casa. Al instante, comienza a girar por el aire y a rodar sobre la hierba de la pradera de Kansas, hasta la granja, aunque los zapatos plateados se le caen de los pies en el camino y se pierden en el Desierto Mortal. Corre hacia la tía Em y le dice "¡Estoy tan contenta de estar en casa de nuevo!"

El libro fue ilustrado por el amigo y colaborador de Baum, W. W. Denslow, quien también fue copropietario de los derechos de autor. El diseño fue lujoso para la época, con ilustraciones en muchas páginas, fondos en diferentes colores y varias ilustraciones de placas a color. [7] En septiembre de 1900, el Heraldo de Grand Rapids escribió que las ilustraciones de Denslow son "tanto de la historia como de la escritura". El editorial opinó que si no hubiera sido por las imágenes de Denslow, los lectores no podrían imaginar con precisión las figuras de Dorothy, Toto y los otros personajes. [8]

El aspecto distintivo llevó a imitadores en ese momento, sobre todo Eva Katherine Gibson Zauberlinda, la bruja sabia, que imitaba tanto la tipografía como el diseño de ilustración de Onz. [9] El tipo de letra era el Monotype Old Style de nuevo diseño. Las ilustraciones de Denslow eran tan conocidas que los comerciantes de muchos productos obtuvieron permiso para usarlas para promocionar sus productos. Las formas del Espantapájaros, el Leñador de Hojalata, el León Cobarde, el Mago y Dorothy se convirtieron en esculturas de caucho y metal. También se diseñaron bisutería, juguetes mecánicos y jabón con sus figuras. [10]

En 1944 apareció una nueva edición del libro, con ilustraciones de Evelyn Copelman. [11] Aunque se afirmó que las nuevas ilustraciones estaban basadas en los originales de Denslow, se parecen más a los personajes que se ven en la famosa versión cinematográfica de 1939 del libro de Baum. [12]

Baum reconoció la influencia de los hermanos Grimm y Hans Christian Andersen, que estaba revisando deliberadamente en sus "cuentos de hadas estadounidenses" para incluir la maravilla sin los horrores. [13]

Dorothy Editar

Jocelyn Burdick, exsenadora demócrata de Dakota del Norte e hija de la sobrina de Baum, Magdalenda (Carpenter) Birch, ha informado que su madre probablemente fue la inspiración para Dorothy.

Baum pasó "un tiempo considerable en la casa de los Arpenter [.] Y se encariñó mucho con Magdalena". Burdick ha informado de muchas similitudes entre la granja de su madre y la granja del tío Henry y la tía Em. [14]

Otra historia, que está mejor documentada, es que el personaje lleva el nombre de la sobrina de Baum, que también se llamaba Dorothy. Murió en Bloomington, Illinois a la edad de 5 meses. Está enterrada en el cementerio Evergreen (Bloomington, Illinois). Su lápida tiene una estatua del personaje Dorothy colocada junto a ella. [15]

La tierra de Oz y otros lugares Editar

Cuenta la leyenda local que Oz, también conocida como la Ciudad Esmeralda, se inspiró en un edificio prominente con forma de castillo en la comunidad de Castle Park cerca de Holland, Michigan, donde Baum vivió durante el verano. El camino de ladrillos amarillos se derivó de un camino en ese momento pavimentado con ladrillos amarillos, ubicado en Peekskill, Nueva York, donde Baum asistió a la Academia Militar de Peekskill. Los eruditos de Baum a menudo se refieren a la Feria Mundial de Chicago de 1893 (la "Ciudad Blanca") como una inspiración para la Ciudad Esmeralda. Otras leyendas sugieren que la inspiración provino del Hotel Del Coronado cerca de San Diego, California. Baum era un huésped frecuente del hotel y había escrito varios de los libros de Oz allí. [16] En una entrevista de 1903 con El semanario de los editores, [17] Baum dijo que el nombre "OZ" provenía de su archivador etiquetado "O – Z". [18]

Algunos críticos han sugerido que Baum puede haberse inspirado en Australia, un país relativamente nuevo en el momento de la publicación original del libro. Australia se escribe a menudo coloquialmente o se conoce como "Oz". Además, en Ozma de Oz (1907), Dorothy regresa a Oz como resultado de una tormenta en el mar mientras ella y el tío Henry viajan en barco a Australia. Como Australia, Oz es un continente insular en algún lugar al oeste de California con regiones habitadas que bordean un gran desierto. Uno podría imaginar que Baum pretendía que Oz fuera Australia, o quizás una tierra mágica en el centro del gran desierto australiano. [19]

Las aventuras de Alicia en el País de las Maravillas Editar

Otra influencia reside en Lewis Carroll Las aventuras de Alicia en el País de las Maravillas. Una revisión de septiembre de 1900 en el Heraldo de Grand Rapids llamado El maravilloso mago de Oz un "verdadero Alicia en el país de las Maravillas traído hasta el día de hoy estándar de la literatura juvenil ". [8] Baum encontró las tramas de Carroll incoherentes, pero identificó la fuente de popularidad de los libros como la propia Alice, una niña con la que los lectores infantiles podían identificar esto influyó en su elección de un protagonista . [13] Baum también se vio influenciado por la creencia de Carroll de que los libros para niños deberían tener muchas imágenes y ser agradable de leer. Carroll rechazó la ideología de la era victoriana de que los libros para niños deberían estar saturados de moral, en lugar de creer que los niños deberían poder ser niños. Sobre la base del estilo de Carroll de las numerosas imágenes que acompañan al texto, Baum combinó las características convencionales de un cuento de hadas (brujas y magos) con las cosas conocidas en la vida de sus lectores (espantapájaros y maizales). [20]

Historia de fantasía estadounidense Editar

El maravilloso mago de Oz es considerado por algunos como el primer cuento de hadas estadounidense debido a sus referencias a claros lugares estadounidenses como Kansas y Omaha. Baum estuvo de acuerdo con autores como Carroll en que la literatura fantástica era importante para los niños, junto con numerosas ilustraciones, pero también quería crear una historia que tuviera elementos estadounidenses reconocibles, como la agricultura y la industrialización. [21] Si bien ese sentimiento es digno, pasa por alto varios cuentos de hadas estadounidenses escritos por Washington Irving sobre la región de Catskills del estado de Nueva York. Historias como "Rip Van Winkle", publicada en 1819, y "La leyenda de Sleepy Hollow", publicada en 1820, son anteriores a las de Oz en varias décadas.

La vida personal de Baum Editar

Muchos de los personajes, accesorios e ideas de la novela se extrajeron de las experiencias de Baum. Cuando era niño, Baum solía tener pesadillas en las que un espantapájaros lo perseguía por un campo. Momentos antes de que los "dedos de heno andrajosos" del espantapájaros casi le agarraran el cuello, se desmoronaba ante sus ojos. Décadas más tarde, como adulto, Baum integró a su torturador en la novela como el Espantapájaros. [22] Según su hijo Harry, Tin Woodman nació de la atracción de Baum por los escaparates. Quería hacer algo cautivador para los escaparates, por lo que utilizó una variedad ecléctica de restos para crear una figura llamativa. De una caldera hizo un cuerpo, de tubos de estufa atornillados hizo brazos y piernas, y del fondo de una cacerola hizo una mueca. Luego, Baum colocó un sombrero en forma de embudo en la figura, que finalmente se convirtió en el Hombre de Hojalata. [23] John D. Rockefeller era el némesis del padre de Baum, un barón del petróleo que se negó a comprar acciones de Standard Oil a cambio de vender su propia refinería de petróleo. El erudito de Baum Evan I. Schwartz postuló que Rockefeller inspiró uno de los numerosos rostros del Mago. En una escena de la novela, el Mago es visto como una "cabeza tiránica y sin pelo". Cuando Rockefeller tenía 54 años, la condición médica de la alopecia hizo que perdiera todos los mechones de cabello de la cabeza, lo que hizo que la gente temiera hablar con él. [24]

A principios de la década de 1880, la obra de Baum Partidos estaba siendo representada cuando un "parpadeo de una linterna de queroseno encendió las vigas", causando que la ópera de Baum fuera consumida por las llamas. El erudito Evan I. Schwartz sugirió que esto podría haber inspirado el terror más severo del Espantapájaros: "Solo hay una cosa en el mundo a la que temo. Una cerilla encendida". [25]

En 1890, Baum vivía en Aberdeen, Dakota del Sur, que estaba experimentando una sequía, y escribió una historia ingeniosa en su columna "Our Landlady" en Aberdeen's El pionero del sábado [26] sobre un granjero que les dio gafas verdes a sus caballos, haciéndoles creer que las astillas de madera que estaban comiendo eran pedazos de hierba. Del mismo modo, el Mago hizo que la gente de la Ciudad Esmeralda usara gafas verdes para que creyeran que su ciudad fue construida a partir de esmeraldas. [27]

Durante la corta estancia de Baum en Aberdeen, continuó la difusión de mitos sobre el abundante Occidente. Sin embargo, Occidente, en lugar de ser un país de las maravillas, se convirtió en un páramo debido a una sequía y una depresión. En 1891, Baum trasladó a su familia de Dakota del Sur a Chicago. En ese momento, Chicago se estaba preparando para la Exposición Mundial de Columbia en 1893. La erudita Laura Barrett declaró que Chicago era "considerablemente más parecido a Oz que a Kansas". Después de descubrir que los mitos sobre las incalculables riquezas de Occidente eran infundados, Baum creó "una extensión de la frontera estadounidense en Oz". En muchos aspectos, la creación de Baum es similar a la frontera real, salvo por el hecho de que Occidente todavía estaba sin desarrollar en ese momento. Los Munchkins que Dorothy encuentra al comienzo de la novela representan a los granjeros, al igual que los Winkies que conoce más tarde. [28]

La esposa de Baum visitaba con frecuencia a su sobrina, Dorothy Louise Gage. El bebé se enfermó gravemente y murió el 11 de noviembre de 1898 por "congestión del cerebro" exactamente a los cinco meses. Cuando murió el bebé, a quien Maud adoraba como la hija que nunca tuvo, ella estaba devastada y necesitaba consumir medicinas. [29] Para aliviar su angustia, Frank hizo su protagonista de El maravilloso mago de Oz una mujer llamada Dorothy. [30] El tío Henry se inspiró en Henry Gage, el padre de su esposa Maud. Henry, que lo mandaba su esposa Matilda, rara vez disentía con ella. Sin embargo, prosperaba en los negocios y sus vecinos lo admiraban. Asimismo, el tío Henry era un "hombre pasivo pero trabajador" que "parecía severo y solemne, y rara vez hablaba". [31] Las brujas de la novela fueron influenciadas por la investigación sobre la caza de brujas recopilada por la suegra de Baum, Matilda. Las historias de actos bárbaros contra brujas acusadas asustaron a Baum. Dos eventos clave en la novela involucran a brujas malvadas que encuentran la muerte a través de medios metafóricos. [32]

Baum tuvo diferentes trabajos, se mudó mucho y estuvo expuesto a muchas personas, por lo que la inspiración para la historia podría haberse tomado de muchos aspectos diferentes de su vida. [33] En la introducción a la historia, Baum escribe que "aspira a ser un cuento de hadas modernizado, en el que el asombro y la alegría se conservan y los dolores de corazón y las pesadillas quedan fuera". [34] Esta es una de las explicaciones que da para la inspiración de El maravilloso mago de Oz. Baum, un ex vendedor de porcelana, escribió en el capítulo 20 sobre la porcelana que había cobrado vida. [27]

Influencia de Denslow Editar

El ilustrador original de la novela, W. W. Denslow, también podría haber influido en la historia y la forma en que se ha interpretado. Baum y Denslow tenían una estrecha relación de trabajo y trabajaron juntos para crear la presentación de la historia a través de las imágenes y el texto. El color es un elemento importante de la historia y está presente en todas las imágenes, y cada capítulo tiene una representación de color diferente. Denslow también agregó características a sus dibujos que Baum nunca describió. Por ejemplo, Denslow dibujó una casa y las puertas de la Ciudad Esmeralda con rostros. En los últimos libros de Oz, John R.Neill, quien ilustró todas las secuelas, continuó incluyendo estos rostros en las puertas. [35] Otro aspecto es el sombrero en forma de embudo de Tin Woodman, que no se menciona en el texto hasta libros posteriores, pero que aparece en la interpretación de la mayoría de los artistas del personaje, incluidas las producciones teatrales y cinematográficas de 1902-09, 1908, 1910, 1914, 1925, 1931, 1933, 1939, 1982, 1985, 1988, 1992 y otros. Uno de los primeros ilustradores que no incluyó un sombrero embudo fue Russell H. Schulz en la edición de Whitman Publishing de 1957; Schulz lo representó con una olla en la cabeza. Las ilustraciones de Libico Maraja, que aparecieron por primera vez en una edición italiana de 1957 y también han aparecido en inglés y otras ediciones, son bien conocidas por representarlo con la cabeza descubierta.

Alusiones a la América del siglo XIX Editar

Baum no ofreció ninguna prueba concluyente de que pretendiera que su novela fuera una alegoría política, y durante 60 años después de la publicación del libro "prácticamente nadie" tuvo tal interpretación. Luego, en 1964 American Quarterly artículo titulado "El Mago de Oz: Parábola sobre el populismo", [36] el profesor estadounidense Henry Littlefield postuló que el libro contenía una alegoría del debate sobre el bimetalismo de finales del siglo XIX con respecto a la política monetaria. [37] [38] La tesis de Littlefield logró cierto apoyo, pero ha sido atacada enérgicamente por otros. [39] [40] [41] "The Winning of the Midwest" de Richard Jensen teorizó que "Oz" se derivaba de la abreviatura común de "onza", que se usa para denotar cantidades de oro y plata. [42]

El maravilloso mago de Oz se ha convertido en una parte establecida de múltiples culturas, extendiéndose desde sus primeros lectores jóvenes estadounidenses hasta llegar a ser conocido en todo el mundo. Se ha traducido o adaptado a más de cincuenta idiomas, y en ocasiones se ha modificado en variaciones locales. Por ejemplo, en algunas ediciones indias abreviadas, el Tin Woodman fue reemplazado por un caballo. [43] En Rusia, una traducción de Alexander Melentyevich Volkov produjo seis libros, El mago de la ciudad esmeralda serie, que se alejó progresivamente de la versión de Baum, ya que Ellie y su perro Totoshka viajan por la Tierra Mágica. La adaptación cinematográfica de 1939 se ha convertido en un clásico de la cultura popular, que se muestra anualmente en la televisión estadounidense de 1959 a 1998 y luego varias veces al año todos los años a partir de 1999. [44] En 1974, la historia se volvió a imaginar como "The Wiz". , un musical ganador de un premio Tony con un elenco completamente negro y ambientado en el contexto de la cultura afroamericana moderna. [45] [46] Este musical fue adaptado en 1978 como el largometraje, The Wiz (Película), una aventura musical de fantasía producida por Universal Pictures y Motown Productions.

Se publicaron varias traducciones al hebreo en Israel. Como se estableció en la primera traducción y se mantuvo en las posteriores, el libro Tierra de Oz fue traducido en hebreo como Eretz Uz (ארץ עוץ) - es decir el mismo que el nombre hebreo original de la Biblia Tierra de Uz, patria de Job. Por lo tanto, para los lectores hebreos, esta elección de los traductores agregó una capa de connotaciones bíblicas ausentes del original en inglés. [ cita necesaria ]

Los New York Times, 8 de septiembre de 1900 [47]

El maravilloso mago de Oz recibió críticas positivas tras su lanzamiento. En una revisión de septiembre de 1900, Los New York Times alabó la novela, escribiendo que sería de interés para los lectores infantiles y para los niños más pequeños que aún no sabían leer. La reseña también elogió las ilustraciones por ser un complemento agradable del texto. [47]

Durante los primeros 50 años después El maravilloso mago de Oz Publicada en 1900, recibió poco análisis crítico de los estudiosos de la literatura infantil. Según Ruth Berman de Estudios de ciencia ficción, las listas de lecturas sugeridas publicadas para lectores juveniles nunca contenían el trabajo de Baum. La falta de interés se debió a los recelos de los estudiosos sobre la fantasía, así como a su creencia de que las series extensas tenían poco mérito literario. [48]

Con frecuencia ha sido objeto de críticas a lo largo de los años. En 1957, el director de las bibliotecas de Detroit prohibió El maravilloso mago de Oz por no tener "ningún valor" para los niños de hoy, por apoyar el "negativismo" y por llevar la mente de los niños a un "nivel cobarde". El profesor Russel B. Nye, de la Universidad Estatal de Michigan, respondió que "si el mensaje de los libros de Oz —el amor, la bondad y el altruismo hacen del mundo un lugar mejor— parece no tener valor hoy", entonces tal vez haya llegado el momento de "reevaluar [ ing] muchas otras cosas además de la lista aprobada de libros para niños de la biblioteca de Detroit ". [49]

En 1986, siete familias cristianas fundamentalistas en Tennessee se opusieron a la inclusión de la novela en el programa de estudios de las escuelas públicas y presentaron una demanda. [50] [51] Basaron su oposición a la novela en que representa a brujas benévolas y promueve la creencia de que los atributos humanos integrales fueron "desarrollados individualmente en lugar de dados por Dios". [51] Un padre dijo: "No quiero que mis hijos sean seducidos por un sobrenaturalismo impío". [52] Otras razones incluyen la enseñanza de la novela de que las hembras son iguales a los machos y que los animales están personificados y pueden hablar. El juez dictaminó que cuando se discutía la novela en clase, los padres podían hacer que sus hijos salieran del aula. [50]

Leonard Everett Fisher de Revista The Horn Book escribió en 2000 que Onz tiene "un mensaje atemporal de una era menos compleja, y sigue resonando". El desafío de valorarse a uno mismo durante la adversidad inminente no ha disminuido, señaló Fisher, durante los 100 años anteriores. [53]

En una revisión de 2002, Bill Delaney de Prensa de Salem elogió a Baum por brindar a los niños la oportunidad de descubrir la magia en las cosas mundanas de su vida cotidiana. Además, elogió a Baum por enseñar a "millones de niños a amar la lectura durante sus años cruciales de formación". [20]

La Biblioteca del Congreso ha declarado El maravilloso mago de Oz para ser "el cuento de hadas más grande y amado de Estados Unidos", también nombrándolo la primera fantasía estadounidense para niños y uno de los libros para niños más leídos. [54]

Después de la quiebra de George M. Hill en 1902, los derechos de autor del libro pasaron a la Bowen-Merrill Company de Indianápolis, que publicó la mayoría de los otros libros de Baum desde 1901 hasta 1903 (Padre Ganso, Su Libro (reimprimir), El mágico monarca de Mo (reimprimir), Cuentos de hadas americanos (reimprimir), Dot y Tot de Merryland (reimprimir), La llave maestra, El alfabeto del ejército, El alfabeto de la Marina, La vida y las aventuras de Santa Claus, La isla encantada del tejo, Las canciones del padre Oca) inicialmente bajo el título El nuevo mago de Oz. La palabra "Nuevo" se eliminó rápidamente en las impresiones posteriores, dejando el ahora familiar título abreviado, "El mago de Oz", y se agregaron algunos cambios textuales menores, como "margaritas amarillas" y cambiando el título de un capítulo de " El rescate "a" Cómo se reunieron los cuatro ". Las ediciones que publicaron carecían de la mayor parte de las placas de color y color del texto del original. Se implementaron muchas medidas de reducción de costos, incluida la eliminación de parte de la impresión en color sin reemplazarla con negro, imprimiendo nada en lugar de la barba del Soldado con los Bigotes Verdes. Cuando Baum se declaró en quiebra después de su producción cinematográfica y teatral de éxito crítico y popular. El cuento de hadas y los juegos de radio no pudo recuperar sus costos de producción, Baum perdió los derechos de todos los libros publicados por lo que ahora se llamaba Bobbs-Merrill, y fueron licenciados a MA Donahue Company, que los imprimió en ediciones de "papel secante" significativamente más baratas con publicidad que compitió directamente con los libros más recientes de Baum, publicados por Reilly & amp Britton Company, de los que se ganaba la vida, perjudicando explícitamente las ventas de La chica de retazos de Oz, el nuevo libro de Oz para 1913, para impulsar las ventas de Mago, que Donahue llamó en un anuncio de página completa en El semanario de los editores (28 de junio de 1913), el "Libro juvenil preeminentemente grande" de Baum. En una carta a Baum fechada el 31 de diciembre de 1914, F.K. Reilly lamentó que el comprador promedio empleado por una tienda minorista no entendería por qué se debe esperar que gaste 75 centavos por una copia de Tik-Tok de Oz cuando pudo comprar una copia de Mago por entre 33 y 36 céntimos. Baum había escrito previamente una carta quejándose del trato con Donahue, que no conocía hasta que fue hecho consumado, y uno de los inversores que mantuvo El mago de Oz Rights había preguntado por qué la regalía era de sólo cinco o seis centavos por copia, dependiendo de la cantidad vendida, lo que no tenía sentido para Baum. [55]

Una nueva edición de Bobbs-Merrill en 1949 ilustrada por Evelyn Copelman, nuevamente titulada El nuevo mago de Oz, brindó servicios de boquilla a Denslow pero se basó fuertemente, además del León, en la película de MGM. Copelman había ilustrado una nueva edición de El mágico monarca de Mo dos años antes. [56]

No fue hasta que el libro pasó al dominio público en 1956 que proliferaron nuevas ediciones, ya sea con las láminas en color originales o con nuevas ilustraciones. Se publicó una versión revisada de la obra de arte de Copelman en una edición de Grosset & amp Dunlap, y Reilly & amp Lee (anteriormente Reilly & amp Britton) publicó una edición en línea con las secuelas de Oz, que ya habían tratado La tierra de oz como el primer libro de Oz, [57] no tiene los derechos de publicación para Mago, con nuevas ilustraciones de Dale Ulrey. Ulrey había ilustrado previamente Jack Snow's Jaglon y los Tiger-Faries, una expansión de un cuento de Baum, "La historia de Jaglon", y una edición de 1955 de El leñador de hojalata de Oz, aunque ambos se vendieron mal. Las ediciones posteriores de Reilly & amp Lee utilizaron las ilustraciones originales de Denslow.

Las ediciones más recientes más notables son la edición de Poleo de 1986 ilustrada por Barry Moser, que fue reimpresa por la University of California Press, y la edición de 2000 El mago de Oz anotado editado por Michael Patrick Hearn (muy revisado de una edición de 1972 que se imprimió en un formato amplio que permitía que fuera un facsímil de la edición original con notas e ilustraciones adicionales a los lados), que fue publicado por W.W. Norton e incluyó todas las ilustraciones en color originales, así como ilustraciones complementarias de Denslow. Otras ediciones del centenario incluyeron University Press of Kansas's Edición del centenario de Kansas, ilustrado por Michael McCurdy con ilustraciones en blanco y negro, y el libro emergente de Robert Sabuda.

Baum escribió El maravilloso mago de Oz sin pensar en una secuela. Después de leer la novela, miles de niños le escribieron cartas pidiéndole que elaborara otra historia sobre Oz. En 1904, escribió y publicó la primera secuela, La maravillosa tierra de Oz, explicando que a regañadientes escribió la secuela para abordar la demanda popular. [58] Dedicó el libro a Montgomery & amp Stone y escribió papeles importantes para Scarecrow y Tin Woodman que eliminó de la versión teatral. El Woggle-Bug, después de que el equipo se resistiera a dejar un programa exitoso para hacer una secuela. Baum también escribió secuelas en 1907, 1908 y 1909. En su 1910 La ciudad esmeralda de Oz, escribió que no podía seguir escribiendo secuelas porque Ozland había perdido contacto con el resto del mundo. Los niños se negaron a aceptar esta historia, por lo que Baum, en 1913 y todos los años a partir de entonces hasta su muerte en mayo de 1919, escribió un Onz libro, escribiendo finalmente 13 secuelas y media docena de cuentos de Oz. los Chicago Tribune Russell MacFall escribió que Baum explicó el propósito de sus novelas en una nota que le escribió a su hermana, Mary Louise Brewster, en una copia de Mamá Oca en Prosa (1897), su primer libro. Escribió: "Agradar a un niño es algo dulce y hermoso que calienta el corazón y trae su propia recompensa". [4] Después de la muerte de Baum en 1919, los editores de Baum delegaron la creación de más secuelas a Ruth Plumly Thompson, quien escribió 21. [20] Un original Onz El libro se publicó cada Navidad entre 1913 y 1942. [59] En 1956, cinco millones de copias del Onz se han publicado libros en inglés, mientras que cientos de miles se han publicado en ocho idiomas extranjeros. [4]

El maravilloso mago de Oz se ha adaptado a otros medios en numerosas ocasiones, la más famosa en El mago de Oz, la película de 1939 protagonizada por Judy Garland, Ray Bolger, Jack Haley y Bert Lahr. Hasta esta versión, el libro había inspirado una serie de adaptaciones escénicas y cinematográficas ahora menos conocidas, incluido un rentable musical de Broadway de 1902 y tres películas mudas. La película de 1939 se consideró innovadora debido a sus canciones, efectos especiales y el uso revolucionario del nuevo Technicolor. [60]

La historia ha sido traducida a otros idiomas (al menos una vez sin permiso, lo que resultó en El mago de la ciudad esmeralda novela y sus secuelas, que fueron traducidas al inglés por Sergei Sukhinov) y adaptadas a los cómics varias veces. Tras la expiración de los derechos de autor originales, los personajes han sido adaptados y reutilizados en spin-offs, secuelas no oficiales y reinterpretaciones, algunas de las cuales han sido controvertidas en su tratamiento de los personajes de Baum. [61]

En 2020, un equipo de científicos utilizó una traducción al esperanto de la novela para demostrar un nuevo método para codificar texto en ADN que sigue siendo legible después de repetidas copias. [62]

En 2018, se inició el proyecto "El arte perdido de Oz" para localizar y catalogar la obra de arte original superviviente que John R. Neill, W. W. Denslow, Frank Kramer, Richard "Dirk" Gringhuis y Dick Martin crearon para ilustrar la serie de libros de Oz. [63]


20 cosas que estás diciendo que no sabías que eran ofensivas

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Redacte —en su cabeza, por favor, especialmente si hay niños alrededor— una lista de las palabras y frases más ofensivas que se le ocurran. Lo más probable es que esté lleno de los sospechosos habituales: palabras con F y muchas palabras con S, ¿verdad? Pero aquí está la cuestión: a tu lista le faltan algunas frases ofensivas. Y lamentamos informarle que es una buena apuesta que los use mucho.

Por ejemplo, ¿sabía que la frase común "caso perdido" proviene de un dicho utilizado en la Primera Guerra Mundial para describir a los tetrapléjicos? ¿O esa "regla de oro" tiene un origen insidiosamente violento? (Y estamos seguros de que la mayoría de los padres no saben que "fuzzy wuzzy" era un término racista antes de que él fuera el protagonista de una rima infantil inofensiva). Antes de lanzar un insulto accidentalmente sin siquiera darse cuenta, lea estas 20 palabras ofensivas y frases. Y para ver más expresiones que nunca debería pronunciar, consulte las frases comunes que no sabía que tenían orígenes racistas.

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Seguro, todos hemos escuchado "galería de cacahuetes" que se usa para describir a los críticos duros, generalmente los que tienen poco conocimiento de una situación, pero la frase originalmente se refiere a una sección en los teatros de la era del vodevil. Por lo general, era el área con los peores asientos de la casa, donde los negros se veían obligados a sentarse.

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Para muchas personas, llamar a alguien "espástico" es tan ofensivo como llamar a alguien con la palabra R. El estigma proviene de la asociación de la palabra con la parálisis cerebral, una enfermedad que alguna vez se denominó parálisis espástica. Y para ver más palabras que no ha escuchado en un tiempo, consulte los 100 términos de jerga del siglo XX que ya nadie usa.

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La palabra "hooligans" deriva de una familia de personajes de dibujos animados del mismo nombre. En el siglo XIX, los Hooligans eran una familia de inmigrantes irlandeses que luchaban por adaptarse a Londres. Las caricaturas no solo eran racistas, sino que también mostraban un estereotipo severo de inmigrantes urbanos.

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La mayoría de la gente probablemente no piensa en el Caribe cuando piensa en canibalismo (más bien, una maldita Anthony Hopkins me viene a la mente…). Pero el término deriva de la tribu Canibales, o los caribes, en las Indias Occidentales. Al parecer, esta antigua tribu era conocida por comerse unos a otros.

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La frase "palabrería" probablemente proviene del dios de África Occidental Maamajomboo. ¿Por qué es ofensivo? Aparentemente, los machos mandinka se vestían como el dios para resolver disputas domésticas y abusar de sus esposas.

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Fuzzy Wuzzy era un oso… pero antes de eso, no era tan inocente. En la década de 1800, los soldados coloniales británicos se referían a la gente de una tribu nómada del este de África como "wuzzies peludos" debido a su piel oscura y cabello rizado. El término fue posteriormente recogido por otros grupos militares para referirse a otras poblaciones indígenas en lugares como Papa Nueva Guinea y Sudán. Y para ver frases más desactualizadas, consulte los 20 términos de jerga de la década de 1990 que ya nadie usa.

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Hay una razón por la que la frase "no se puede" suena como un inglés roto. El dicho surgió a mediados de la década de 1800, una época en la que los occidentales tenían una actitud racista hacia Oriente, como una forma de burlarse del inglés pidgin chino simplificado.

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Este dicho para una persona que tiene dificultades para afrontar la situación se utilizó por primera vez durante la Primera Guerra Mundial para describir a una persona que había perdido las cuatro extremidades y tenía que ser transportada en una canasta.

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El término "idiota" no fue originalmente un insulto, sino un diagnóstico psicológico que denota una discapacidad leve.

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Nadie sabe con certeza de dónde proviene esta frase, pero los expertos creen que tiene algo que ver con una ley inglesa del siglo XVII que permitía a los hombres agredir a sus esposas con un palo, siempre y cuando no fuera más ancho que el grosor de su pulgar. . De nuevo ... ¡Ay!

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Hoy, la segunda línea de esta rima para niños es "atrapar a un tigre por el dedo del pie", pero la versión original incluía un espantoso insulto racial.

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Contrariamente a la creencia popular, "esquimal" no es el término adecuado para describir a las personas indígenas del norte de Canadá y Alaska. La palabra es en realidad una forma ofensiva de referirse a los inuit; deriva del préstamo danés. ashkimeq, que significa "comedores de carne cruda".

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En la década de 1970, los miembros del Templo de los Pueblos liderados por Jim Jones se suicidó en masa bebiendo un refresco mezclado con cianuro y varios medicamentos recetados. Así, hoy la gente usa la frase "beber el Kool-Aid" para referirse a alguien con lealtad inquebrantable e incondicional.

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Los registros muestran que la frase "mucho tiempo sin vernos" fue pronunciada por primera vez por un nativo americano. En la impresión, William F. Drannan usó la frase en una de sus novelas para describir un encuentro con un nativo americano: "Sabía que me había reconocido. Cuando cabalgamos hacia él, dijo: 'Buenos días. Cuánto tiempo sin verte', y al mismo tiempo presentó el arma con la recámara en primer lugar ". Como "no se puede", "mucho tiempo sin vernos" se burla del inglés roto de los nativos americanos.

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Desafortunadamente, esta frase no proviene de una extraña historia sobre un hombre cuya lengua fue literalmente pateada por un gato. Más bien, la Armada inglesa solía usar un látigo llamado "Cat-o'-nine-tails" para azotar a las víctimas, y el dolor era tan intenso que los que recibían los golpes no podían hablar. De ahí el significado de la frase hoy.

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En los días en que casi todos los problemas médicos se trataban con lobotomías y drogas ilícitas, los médicos utilizaban la "histeria" como explicación médica para casi todas las mujeres enfermas que encontraban. La idea de tal diagnóstico proviene de la creencia de Hipócrates de que la histeria de una mujer es causada por un "útero errante" que está privado de placer sexual.

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Cuando alcanza el punto de inflexión en una situación, ha llegado al punto en el que "un cambio o un efecto no puede detenerse". Esto parece bastante benigno, pero la frase se usó en los años 50 y 60 para hacer referencia a la tendencia de las familias blancas a mudarse de un vecindario una vez que había sido tomado por una mayoría afroamericana.

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Históricamente, los blancos describirían a los hombres negros como "niños" para indicar que no estaban en igualdad de condiciones. La Corte Suprema de Estados Unidos incluso declaró que la palabra "no es benigna" y considera que su uso en ciertos contextos es racista.

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Hoy, cuando una persona "sale de la reserva", ha perdido el control. Pero sus orígenes son aún más siniestros. Como los nativos americanos alguna vez estuvieron restringidos a las reservas creadas para ellos por el gobierno, la gente históricamente usaba esta frase para referirse a los nativos americanos que se habían desviado de su tierra, a menudo con desprecio por los pueblos indígenas.

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Érase una vez, la palabra "solterona" no se refería a una mujer soltera, sino a una persona que hilaba yarda o hilo para ganarse la vida. Con el tiempo, el término adquirió su significado actual, ya que la mayoría de las mujeres solteras también eran de clase baja y solteras, y confiaban en su trabajo para mantenerse a sí mismas.


10 hechos que quizás no sepa sobre comer en China

Los diferentes países tienen diferentes costumbres alimentarias. Es posible que haya probado la comida china en su país, pero las cosas son diferentes en china. Si está planeando un viaje a China, este artículo le ayudará a conocer los datos básicos sobre comer en China.

Los chinos usan palillos para recoger comida.

1. Uso chino palillos para recoger comida, no cuchillos ni tenedores. Vea Palillos para aprender a usarlos y para aprender sobre los tabúes de los palillos.

2. Tallarines de trigo son la principal dieta básica en el norte de China, mientras que arroz es el principal alimento básico en el sur. Los restaurantes del sur de China también ofrecen fideos, pero generalmente son fideos de arroz.

3. El arroz es servido por separado (en comidas compartidas): en tazones pequeños. Los platos de carne / verduras se sirven en platos o en tazones más grandes, colocados en el medio para que todos puedan compartir. ¡No es un plato cada uno, como en Occidente (a menos que se coma comida rápida)!

4. La cocina china varía en toda China. Existen muchas cocinas regionales con diferentes sabores: picante, dulce, amargo, abundante, etc. Lea más sobre las cocinas regionales de China.

Mesa redonda con lazy Susan en el medio

5. Los restaurantes suelen ofrecer mesa redonda para más de cuatro personas. Puede haber un vidrio templado Susan perezosa en el centro de la mesa, que gira sobre un eje y le permite llegar fácilmente a cada plato.

6. Ingredientes de la comida china son variadas y, a veces, impactante a los extranjeros (ranas, patas de gallina, orejas de cerdo, intestinos, carne de perro, etc.). Vea ingredientes inusuales en la cocina china.

7. Por lo general hay sin salero ni pimentero, o botellas de salsa de tomate en la mesa. Pero como compensación, puede encontrar botellas de salsa de soja, vinagre y pasta de chile.

Restaurantes populares de Hot Pot

8. Algunos restaurantes chinos pueden ser bastante ruidoso y lleno de humo donde las personas no controlan su volumen de conversación o fumar, aunque recientemente se han implementado prohibiciones de fumar en lugares públicos en algunas áreas.

9. No se esperan propinas en los restaurantes chinos. La tarifa de servicio está incluida en los precios de la comida.

10. Si el amigo chino con el que está comiendo pon comida en tu plato, es para mostrar cercanía y amabilidad, no porque ellos no lo quieran o piensen que no puedes hacerlo tú mismo. Hoy en día esto ocurre con más frecuencia en las comidas familiares, donde los jóvenes pasan la comida a sus mayores para mostrar respeto.


8. Los valores de prueba pueden ser diferentes de un laboratorio a otro

Los informes de los técnicos de laboratorio comparan los resultados de sus análisis de sangre con un rango que se considera normal para ese laboratorio. El rango de referencia del laboratorio se basa en los resultados de las pruebas de muchas personas que han sido evaluadas previamente en ese laboratorio. Este rango normal puede no ser el mismo que el de otro laboratorio, señala la Administración de Alimentos y Medicamentos, por lo que no se sorprenda si encuentra que un informe de análisis de sangre anterior varía de informes más recientes; la diferencia podría estar en el laboratorio.


8 cosas que quizás no sepa sobre "El mago de Oz" - HISTORIA

Cuando era una joven estudiante, casi de la misma edad que muchos de sus propios estudiantes, Ruby Bridges mostró un inmenso coraje y valentía en 1960 al enfrentarse a una multitud de segregacionistas fuera de su escuela primaria en Nueva Orleans, Luisiana. Como resultado, lideró la carga por la integración en el sur profundo, convirtiéndose en la primera niña afroamericana en integrar una escuela primaria para blancos en la región.

Explore libros sobre Rudy Bridges y más líderes del movimiento de derechos civiles con estos libros.

Aquí hay algunos datos más que usted y sus estudiantes pueden o no saber sobre este famoso ícono de los derechos civiles:

1. En 1960, Ruby tenía solo seis años cuando integró su nueva escuela primaria en Nueva Orleans, Luisiana.

2. Los alguaciles federales tuvieron que proteger a Ruby cuando ingresó a la escuela.

3. Ruby era la única estudiante en la escuela ese día. Los padres blancos no enviaron a sus hijos a la escuela y muchos maestros blancos se retiraron en protesta. Ruby no tuvo clase ese primer día.

4. Al día siguiente, una maestra blanca comenzó a enseñarle. Ruby fue la única estudiante de la escuela durante el resto del año.

5. Cuando Ruby comenzó el segundo grado, su escuela estaba completamente integrada.

6. Al crecer, Ruby continuó promoviendo las causas de los derechos civiles e incluso comenzó una fundación para promover la justicia social y la armonía racial.

7. En 2001, el presidente Bill Clinton le otorgó la Medalla Presidencial de Ciudadanos.

Si está buscando algunas historias adicionales para ayudar a sus estudiantes a aprender sobre la vida de Ruby y comprender cómo eran la segregación y la desigualdad en Estados Unidos, estos dos libros son un excelente lugar para comenzar:

La historia de Ruby Bridges

Esta historia les da a los lectores jóvenes un vistazo a la vida de Ruby y lo que ella y su familia tuvieron que soportar para integrarse completamente en su escuela primaria. No fue solo entrar a su escuela ese primer día lo que la llevó a la integración, fue el coraje y la determinación de Ruby de regresar a la escuela todos los días lo que provocó el cambio.

A través de mis ojos

A través de mis ojos es otro relato de la historia de Ruby, compartido con sus propias palabras. Al leer, sus estudiantes obtendrán una mejor comprensión del prejuicio y la discriminación que Ruby enfrentó cuando era niña en el sur profundo, y el coraje y la valentía que tuvo que aprovechar para superar esas barreras a la igualdad de derechos.

Como continuación de su lectura, considere este Ruby Bridges: Text & amp Organizer para ayudar a los estudiantes a reflexionar sobre la vida de Ruby Bridges y aprender más sobre los temas, las ideas principales y el vocabulario crítico para el movimiento de derechos civiles. Se incluye un artículo de no ficción de dos páginas y un organizador gráfico biográfico para ayudar a los lectores jóvenes a mostrar lo que han aprendido. Este paquete es gratuito para los suscriptores de Scholastic Teachables o está disponible para compra individual. ¡Inicie sesión o suscríbase hoy!


Contenido

Garland nació Frances Ethel Gumm el 10 de junio de 1922 en Grand Rapids, Minnesota. Fue la hija menor de Ethel Marion (de soltera Milne 1893-1953) [10] y Francis Avent "Frank" Gumm (1886-1935). Sus padres eran vodevil que se establecieron en Grand Rapids para dirigir una sala de cine que presentaba actos de vodevil. Ella era de ascendencia irlandesa, inglesa, escocesa, [11] [12] y francesa hugonote [13] [14], nombrada en honor a sus dos padres y bautizada en una iglesia episcopal local. [15]

"Baby" (como la llamaban sus padres y hermanas) [16] compartía el gusto de su familia por el canto y el baile. Su primera aparición se produjo a la edad de dos años, cuando se unió a sus hermanas mayores Mary Jane "Suzy / Suzanne" Gumm (1915-1964) y Dorothy Virginia "Jimmie" Gumm (1917-1977) en el escenario del cine de su padre durante un espectáculo de Navidad y cantó un coro de "Jingle Bells". [17] Las hermanas Gumm actuaron allí durante los siguientes años, acompañadas por su madre al piano. [dieciséis]

La familia se trasladó a Lancaster, California, en junio de 1926, tras los rumores de que su padre tenía inclinaciones homosexuales. [18] Frank compró y operó otro teatro en Lancaster, y Ethel comenzó a administrar a sus hijas ya trabajar para llevarlas al cine.

Las hermanas Gumm / Garland Editar

En 1928, las hermanas Gumm se matricularon en una escuela de danza dirigida por Ethel Meglin, propietaria de la compañía de danza Meglin Kiddies. Aparecieron con la compañía en su espectáculo anual de Navidad. [19] A través de los Meglin Kiddies, hicieron su debut cinematográfico en un tema corto llamado La gran revista (1929), donde interpretaron un tema de canto y baile llamado "Eso es el buen viejo y soleado sur". A esto le siguieron apariciones en dos cortos de Vitaphone el año siguiente: Unas vacaciones en Storyland (con el primer solo en pantalla de Garland) y La boda de Jack y Jill. Luego aparecieron juntos en Burbujas. Su última aparición en pantalla fue en un corto de MGM Technicolor titulado La Fiesta de Santa Bárbara (1935). [20]

El trío había viajado por el circuito de vodevil como "The Gumm Sisters" durante muchos años cuando actuaron en Chicago en el Oriental Theatre con George Jessel en 1934. Él animó al grupo a elegir un nombre más atractivo después de que "Gumm" se riera con la risa de la audiencia. Según la leyenda del teatro, su acto una vez fue facturado erróneamente en un teatro de Chicago como "The Glum Sisters". [21]

Persisten varias historias sobre el origen de su uso del nombre Garland. Una es que fue originada por Jessel después del personaje de Carole Lombard, Lily Garland en la película. Siglo veinte (1934), que entonces se estaba proyectando en el Oriental de Chicago, otra es que las chicas eligieron el apellido en honor al crítico de teatro Robert Garland. [22] La hija de Garland, Lorna Luft, declaró que su madre eligió el nombre cuando Jessel anunció que el trío "se veía más bonito que una guirnalda de flores". [23] Se filmó un especial de televisión en Hollywood en el estreno de Pantages Theatre de Ha nacido una estrella el 29 de septiembre de 1954, en el que Jessel declaró:

Creo que debería decirle a la gente que fui yo quien nombró a Judy Garland, "Judy Garland". No es que hubiera hecho ninguna diferencia, no podrías haber escondido [den] ese gran talento si la hubieras llamado "Tel Aviv Windsor Shell", ya sabes, pero su nombre cuando la conocí era Frances Gumm y eso No era el tipo de nombre que debería tener una gran actriz tan sensible. así que la llamamos Judy Garland, y creo que es una combinación de Helen Hayes y Al Jolson, y tal vez Jenny Lind y Sarah Bernhardt. [24]

Una explicación posterior surgió cuando Jessel fue invitado al programa de televisión de Garland en 1963. Dijo que le había enviado a la actriz Judith Anderson un telegrama que contenía la palabra "guirnalda" y se le quedó grabado en la mente. [25] Sin embargo, Garland le preguntó a Jessel momentos después si esta historia era cierta, y él respondió alegremente "No".

A finales de 1934, las hermanas Gumm habían cambiado su nombre por el de las hermanas Garland. [26] Frances cambió su nombre a "Judy" poco después, inspirada en una canción popular de Hoagy Carmichael. [27] El grupo se disolvió en agosto de 1935, cuando Suzanne Garland voló a Reno, Nevada, y se casó con el músico Lee Kahn, miembro de la orquesta de Jimmy Davis que tocaba en Cal-Neva Lodge, Lake Tahoe. [28]

Firmado en Metro-Goldwyn-Mayer Editar

En septiembre de 1935, Louis B. Mayer le pidió al compositor Burton Lane que fuera al Orpheum Theatre en el centro de Los Ángeles para ver el acto de vodevil de las Garland Sisters e informarle. Unos días después, llevaron a Judy y su padre para una audición improvisada en los estudios Metro-Goldwyn-Mayer en Culver City. Garland interpretó "Zing! Went the Strings of My Heart" y "Eli, Eli", una canción yiddish escrita en 1896 y que se toca regularmente en vodevil. [29] [ se necesita una mejor fuente ] El estudio inmediatamente firmó un contrato con Garland con MGM, presumiblemente sin una prueba de pantalla, aunque ella había hecho una prueba para el estudio varios meses antes. El estudio no sabía qué hacer con sus trece años, era mayor que la estrella infantil tradicional, pero demasiado joven para papeles de adultos. [30]

Durante sus primeros años en el estudio, fue fotografiada y vestida con prendas sencillas o vestidos y disfraces juveniles con volantes para combinar con la imagen de "chica de al lado" creada para ella. Le hicieron usar gorros removibles en los dientes y discos de goma para remodelar su nariz. [33] Finalmente, en el set de Encuéntrame en St. Louis cuando tenía 21 años, Garland conoció a Dotty Ponedel, una maquilladora que trabajaba en MGM. Después de revisar las adiciones a su apariencia, Garland se sorprendió cuando Ponedel dijo que las tapas y los discos que Garland había estado usando no eran necesarios, ya que ella era "una chica bonita". Ponedel se convirtió en el maquillador de Garland. El trabajo que hizo Ponedel en Garland para Encuéntrame en St. Louis hizo a Garland tan feliz que Ponedel se convirtió en asesora de Garland cada vez que trabajaba en una película para MGM. [34]

El 16 de noviembre de 1935, Garland, de 13 años, estaba preparándose para una actuación radiofónica en el Hora del castillo de conchas cuando se enteró de que su padre había sido hospitalizado con meningitis y había empeorado. Frank Gumm murió a la mañana siguiente a los 49 años, dejándola devastada. Su canción para el Hora del castillo de conchas fue su primera interpretación profesional de "Zing! Went the Strings of My Heart", una canción que se convirtió en un estándar en muchos de sus conciertos. [35]

Garland actuó en varias funciones de estudio y finalmente fue elegida junto a Deanna Durbin en el corto musical. Todos los domingos (1936). La película contrastó su rango vocal y estilo swing con la soprano operística de Durbin y sirvió como una prueba de pantalla extendida para ellos, ya que los ejecutivos del estudio cuestionaban la sabiduría de tener dos cantantes femeninas en la lista. [36]

Garland llamó la atención de los ejecutivos del estudio cuando cantó un arreglo especial de "You Made Me Love You (I Didn't Want to Do It)" a Clark Gable en una fiesta de cumpleaños que el estudio organizó para el actor. Su interpretación fue tan bien considerada que interpretó la canción en el espectáculo de estrellas. Broadway Melodía de 1938 (1937), cuando le cantó a una fotografía suya. [37]

MGM acertó en una fórmula ganadora cuando combinó a Garland con Mickey Rooney en una serie de lo que se conoció como "musicales de patio trasero". [38] El dúo apareció por primera vez juntos como personajes secundarios en la película B. Los pura sangre no lloran (1937). Luego, Garland fue incluida en el elenco de la cuarta de las películas de Hardy Family como una chica literal al lado del personaje de Rooney, Andy Hardy, en El amor encuentra a Andy Hardy (1938), aunque el interés amoroso de Hardy fue interpretado por Lana Turner. Se unieron como personajes principales por primera vez en Chicas en brazos (1939), que finalmente apareció en cinco películas adicionales, incluidas las películas de Hardy. Andy Hardy conoce a debutante (1940) y La vida comienza para Andy Hardy (1941).

Garland declaró que a ella, a Rooney y a otros jóvenes intérpretes se les recetaron anfetaminas constantemente para mantenerse despiertos y seguir el ritmo frenético de hacer una película tras otra. También les dieron barbitúricos para que los tomaran antes de acostarse para que pudieran dormir. [39] Este uso regular de drogas, dijo, condujo a la adicción y a una lucha de por vida. Más tarde se resintió por la agitada agenda y creyó que MGM le había robado la juventud. Sin embargo, Rooney negó que su estudio fuera responsable de su adicción: "Metro-Goldwyn-Mayer nunca le dio ninguna droga a Judy Garland. El señor Mayer no sancionó nada por Judy. Nadie en ese lote fue responsable de la muerte de Judy Garland. . Desafortunadamente, Judy eligió ese camino ". [40]

El peso de Garland estaba dentro de un rango saludable, pero el estudio le exigió que hiciera dieta constantemente. Incluso llegaron a servirle solo un plato de sopa y un plato de lechuga cuando ordenaba una comida normal. [9] Ella estuvo plagada de dudas a lo largo de su vida, a pesar de sus exitosas carreras cinematográficas y discográficas, premios, elogios de la crítica y su capacidad para llenar salas de conciertos en todo el mundo. Necesitaba constancia constante de que era talentosa y atractiva. [41]

El mago de Oz Editar

En 1938, cuando tenía dieciséis años, Garland fue elegida como la joven Dorothy Gale en El mago de Oz (1939), película basada en el libro infantil de 1900 de L. Frank Baum. En la película, cantó la canción con la que se identificaría constantemente después, "Over the Rainbow". Aunque los productores Arthur Freed y Mervyn LeRoy habían querido elegirla para el papel desde el principio, el jefe del estudio Mayer primero intentó pedir prestada a Shirley Temple de 20th Century Fox, pero se negaron. Luego se le preguntó a Deanna Durbin, pero no estaba disponible, lo que resultó en que Garland fuera elegida. [42]

Garland inicialmente estaba vestida con una peluca rubia para el papel, pero Freed y LeRoy decidieron no hacerlo al poco tiempo de empezar a filmar. Su vestido de cuadros azules fue elegido por su efecto difuminado en su figura, lo que la hacía parecer más joven. [43] El rodaje comenzó el 13 de octubre de 1938, [44] y se completó el 16 de marzo de 1939, [45] con un costo final de más de 2 millones de dólares. [46] Con la conclusión de la filmación, MGM mantuvo a Garland ocupado con giras promocionales y el rodaje de Chicas en brazos (también 1939), dirigida por Busby Berkeley. Ella y Rooney fueron enviados a una gira promocional por todo el país, que culminó con el estreno de la ciudad de Nueva York el 17 de agosto en el Capitol Theatre, que incluyó un programa de apariciones de cinco espectáculos al día para las dos estrellas. [47] Los informes de que Garland se sometió a una dieta consistente en cigarrillos, sopa de pollo y café son erróneos, como se aclara en el libro. El camino a Oz: la evolución, la creación y el legado de una obra maestra cinematográfica por los historiadores de Oz Jay Scarfone y William Stillman, en ese momento de su vida Garland era un anti-fumador, y se le permitía comer alimentos sólidos, pero no tanto como un adolescente en crecimiento preferiría comer. En un nuevo intento por minimizar sus curvas, su dieta fue acompañada de salidas a la natación y senderismo, además de juegos de tenis y bádminton, con su doble de acrobacias Bobbie Koshay. [48]

El mago de Oz fue un tremendo éxito de crítica, aunque su alto presupuesto y costos de promoción de aproximadamente $ 4 millones (equivalente a $ 58.8 millones en 2019 [49]), junto con los menores ingresos generados por las entradas para niños con descuento, hicieron que la película no regresara un beneficio hasta que fue relanzado en la década de 1940 y en ocasiones posteriores. [50] En la ceremonia de los Premios de la Academia de 1939, Garland recibió su único Premio de la Academia, un Premio Juvenil de la Academia por sus actuaciones en 1939, incluyendo El mago de Oz y Chicas en brazos. Ella fue la cuarta persona en recibir el premio, así como solo una de las doce en la historia en recibir uno. [51]

Garland protagonizó tres películas estrenadas en 1940: Andy Hardy conoce a debutante, Golpea la banda, y Pequeña Nellie Kelly. En el último, interpretó su primer papel de adulta, un papel dual de madre e hija. Pequeña Nellie Kelly fue comprada a George M. Cohan como un vehículo para que ella mostrara tanto su atractivo para la audiencia como su apariencia física. El papel fue un desafío para ella, requiriendo el uso de un acento, su primer beso de adulto y la única escena de muerte de su carrera. [52] Su coprotagonista George Murphy consideró el beso como vergonzoso. Dijo que se sentía como "un montañés con una novia niña". [9]

Durante este tiempo, Garland todavía era una adolescente cuando experimentó su primer romance adulto serio con el líder de la banda Artie Shaw. Ella estaba profundamente dedicada a él y quedó devastada a principios de 1940 cuando se fugó con Lana Turner. [53] Garland comenzó una relación con el músico David Rose, y en su cumpleaños número 18, le regaló un anillo de compromiso. El estudio intervino porque, en ese momento, todavía estaba casado con la actriz y cantante Martha Raye. Acordaron esperar un año para permitir que su divorcio fuera definitivo. Durante ese tiempo, Garland tuvo un breve romance con el compositor Johnny Mercer. Después de su ruptura con Mercer, Garland y Rose se casaron el 27 de julio de 1941. [54] "Una verdadera rareza", así lo llamaron los medios. [9] La pareja acordó una separación de prueba en enero de 1943 y se divorció en 1944. [55]

En 1941, Garland tuvo un aborto mientras estaba embarazada del hijo de Rose ante la insistencia de su madre y el estudio, ya que el embarazo no fue aprobado. Tuvo una segunda en 1943 cuando quedó embarazada de su aventura con Tyrone Power. [56]

En su próxima película, Para mi y mi chica (1942), Garland actuó con Gene Kelly en su primera aparición en la pantalla. Se le dio el "tratamiento de glamour" en Presentando Lily Mars (1943), en la que estaba vestida con trajes de "mayor". Su cabello aclarado también estaba recogido con estilo. Sin embargo, sin importar cuán glamorosa o hermosa apareciera en la pantalla o en las fotografías, nunca tuvo confianza en su apariencia y nunca escapó de la imagen de "chica de al lado" que el estudio había creado para ella. [57]

Una de las películas más exitosas de Garland para MGM fue Encuéntrame en St. Louis (1944), en la que introdujo tres estándares: "The Trolley Song", "The Boy Next Door" y "Have Yourself a Merry Little Christmas". Esta fue una de las primeras películas de su carrera que le dio la oportunidad de ser la atractiva protagonista. Vincente Minnelli fue asignado para dirigir y solicitó que la maquilladora Dorothy Ponedel fuera asignada a Garland. Ponedel refinó su apariencia de varias maneras, incluida la extensión y remodelación de las cejas, el cambio de la línea del cabello, la modificación de la línea de los labios y la eliminación de los discos nasales y las tapas dentales. Ella apreció tanto los resultados que Ponedel fue escrito en su contrato para todas sus fotos restantes en MGM. [ cita necesaria ]

En este momento, Garland tuvo un breve romance con el director de cine Orson Welles, quien en ese momento estaba casado con Rita Hayworth. El asunto terminó a principios de 1945 y después se mantuvieron en buenos términos. [58] [ página necesaria ]

Durante el rodaje de Encuéntrame en St. LouisGarland y Minnelli tuvieron algún conflicto inicial entre ellos, pero entablaron una relación y se casaron el 15 de junio de 1945. [59] El 12 de marzo de 1946 nació su hija Liza. [60] La pareja se divorció en 1951. [61]

El reloj (1945) fue la primera película dramática consecutiva de Garland en la que Robert Walker interpretó el papel principal masculino. Aunque la película fue elogiada por la crítica y obtuvo ganancias, la mayoría de los fanáticos esperaban que cantara. No volvió a actuar en un papel dramático que no fuera cantante durante muchos años. Otras películas de Garland de la década de 1940 incluyen Las chicas de Harvey (1946), en la que presentó la canción ganadora del Oscar "On the Atchison, Topeka, and the Santa Fe", y Hasta que las nubes pasen (1946). [ cita necesaria ]

Durante el rodaje de El pirata en abril de 1948, Garland sufrió un ataque de nervios y fue internado en un sanatorio privado. [62] Pudo completar la filmación, pero en julio hizo su primer intento de suicidio, haciendo pequeños cortes en su muñeca con un vidrio roto. [63] Durante este período, pasó dos semanas en tratamiento en el Austen Riggs Center, un hospital psiquiátrico en Stockbridge, Massachusetts. [64] El pirata se estrenó en mayo de 1948 y fue la primera película en la que Garland actuó desde El mago de Oz para no obtener ganancias. Las principales razones de su fracaso no fueron solo su costo, sino también el costo creciente de los retrasos en el rodaje mientras Garland estaba enferma, así como porque el público en general aún no estaba dispuesto a aceptarla en una película sofisticada. Siguiendo su trabajo en El pirata, coprotagonizó por primera y única vez con Fred Astaire (quien reemplazó a Gene Kelly después de que Kelly se rompió el tobillo) en Desfile de Pascua (1948), que se convirtió en su película más taquillera en MGM. [ cita necesaria ]

Emocionado por los enormes recibos de taquilla de Desfile de Pascua, MGM inmediatamente unió a Garland y Astaire en Los Barkleys de Broadway. Durante la filmación inicial, Garland estaba tomando pastillas para dormir con barbitúricos recetados junto con pastillas obtenidas ilícitamente que contenían morfina. Alrededor de este tiempo, también desarrolló un problema grave con el alcohol. Estos, en combinación con las migrañas, la llevaron a perderse varios días de rodaje seguidos. Después de que su médico le aconsejara que solo podría trabajar en incrementos de cuatro a cinco días con períodos de descanso prolongados entre ellos, el ejecutivo de MGM, Arthur Freed, tomó la decisión de suspenderla el 18 de julio de 1948. Fue reemplazada en la película por Ginger Rogers. [65] Cuando terminó su suspensión, la llamaron para que volviera al trabajo y, finalmente, interpretó dos canciones como invitada en la película biográfica de Rodgers y Hart. Palabras y Música (1948), que fue su última aparición con Mickey Rooney. A pesar del elenco de estrellas, Palabras y Música apenas alcanzó el punto de equilibrio en la taquilla. Después de haber recuperado su fuerza, así como algo de peso necesario durante su suspensión, Garland se sintió mucho mejor y en el otoño de 1948, regresó a MGM para reemplazar a June Allyson embarazada para la película musical. En el buen viejo verano (1949) coprotagonizada por Van Johnson. Aunque a veces llegaba tarde al estudio durante la realización de esta película, se las arregló para completarla cinco días antes de lo previsto. Su hija Liza hizo su debut cinematográfico a la edad de dos años y medio al final de la película. En el buen viejo verano tuvo un enorme éxito en la taquilla. [66]

Garland fue elegida para la adaptación cinematográfica de Annie coge tu arma en el papel principal de Annie Oakley. Estaba nerviosa ante la perspectiva de asumir un papel fuertemente identificado con Ethel Merman, ansiosa por aparecer en un papel poco glamoroso después de romper con los papeles juveniles durante varios años, y perturbada por el trato que le dio el director Busby Berkeley. Berkeley estaba poniendo en escena todos los números musicales y se mostró severo con la falta de esfuerzo, actitud y entusiasmo de Garland. Se quejó a Mayer, tratando de que Berkeley fuera despedido de la función. Comenzó a llegar tarde al set y, a veces, no aparecía. En ese momento, también estaba recibiendo terapia de electrochoque para la depresión. [67] [68] [69] Fue despedida de la imagen el 10 de mayo de 1949, y fue reemplazada por Betty Hutton, quien intervino para realizar todas las rutinas musicales que Berkeley presentaba. [70] Garland se sometió a una estadía prolongada en el hospital Peter Bent Brigham en Boston, Massachusetts, en la que dejó de tomar su medicación y, después de un tiempo, pudo comer y dormir normalmente. Durante su estadía, encontró consuelo al reunirse con niños discapacitados en una entrevista de 1964 sobre cuestiones planteadas en Un niño está esperando (1963) y su recuperación en el Hospital Peter Bent Brigham, Garland dijo lo siguiente: "Bueno, me ayudó simplemente a dejar de pensar en mí mismo y. Fueron tan encantadores, tan amorosos y buenos y me olvidé de mí mismo por un tiempo. cambio". [71]

Garland regresó a Los Ángeles más pesado, y en el otoño de 1949, fue elegido junto a Gene Kelly en Stock de verano (1950). La película tardó seis meses en completarse. Para perder peso, Garland volvió a tomar las píldoras y el patrón familiar resurgió. Comenzó a llegar tarde o no llegó. Cuando la fotografía principal en Stock de verano se completó en la primavera de 1950, se decidió que Garland necesitaba un número musical adicional. Ella accedió a hacerlo siempre que la canción fuera "Get Happy". Además, insistió en que el director Charles Walters coreografiara y escenificara el número. Para ese momento, Garland había perdido 15 libras y parecía más delgado. "Get Happy" fue el último segmento de Stock de verano para ser filmado. Fue su última foto para MGM. Cuando fue lanzado en el otoño de 1950, Stock de verano atrajo grandes multitudes y acumuló ingresos de taquilla muy respetables, pero debido a los costosos retrasos en el rodaje causados ​​por Garland, la película registró una pérdida de $ 80,000 para el estudio. [ cita necesaria ]

Garland fue elegido para la película. Boda real con Fred Astaire después de que June Allyson quedara embarazada en 1950. No se presentó al set en múltiples ocasiones, y el estudio suspendió su contrato el 17 de junio de 1950. Fue reemplazada por Jane Powell. [72] Biografías de buena reputación después de su muerte declararon que después de este último despido, se raspó levemente el cuello con un vidrio roto, requiriendo solo una tirita, pero en ese momento, se informó al público que Garland, abatida, le había cortado la garganta. [73] "Todo lo que podía ver por delante era más confusión", dijo Garland más tarde sobre este intento de suicidio. "Quería ocultar el futuro y el pasado. Quería lastimarme a mí mismo ya todos los que me habían lastimado". [74] En septiembre de 1950, después de 15 años con el estudio, Garland y MGM se separaron. [75]

Apariciones en el programa de radio de Bing Crosby Editar

Garland era un invitado frecuente en Salón de Música Kraft, presentado por su amigo Bing Crosby. Tras el segundo intento de suicidio de Garland, Crosby, sabiendo que estaba deprimida y que se estaba quedando sin dinero, la invitó a su programa de radio, el primero de la nueva temporada, el 11 de octubre de 1950.

Ella estaba de pie en las alas temblando de miedo. Estaba casi histérica. Ella dijo: "No puedo salir porque todos van a estar mirando para ver si hay cicatrices, y va a ser terrible". Bing dijo "¿Qué está pasando?" y le conté lo que pasó y él salió al escenario y dijo: "Tenemos una amiga aquí, ha tenido un pequeño problema recientemente. Probablemente lo hayas escuchado, todo está bien ahora, necesita nuestro amor. Necesita nuestro apoyo. . Ella está aquí, vamos a dárselo, ¿de acuerdo? Aquí está Judy ". Y ella salió, y ese lugar se volvió loco. Y ella simplemente floreció.

Garland hizo ocho apariciones durante la temporada 1950-51 de El show de Bing Crosby - Chesterfield, que inmediatamente revitalizó su carrera. Poco después, estuvo de gira durante cuatro meses para vender multitudes en Europa. [76]

Estrellato renovado en el escenario Editar

En 1951, Garland comenzó una gira de conciertos de cuatro meses por Gran Bretaña e Irlanda, donde actuó ante un público agotado en Inglaterra, Escocia e Irlanda. [77] La ​​exitosa gira de conciertos fue la primera de sus muchas reapariciones, con actuaciones centradas en canciones de Al Jolson y el resurgimiento de la "tradición" del vodevil. Garland realizó espectáculos completos como tributo a Jolson en sus conciertos en el London Palladium en abril y en el Palace Theatre de Nueva York ese mismo año. Garland dijo después del show de Palladium: "De repente supe que este era el comienzo de una nueva vida. Hollywood pensó que había terminado y luego vino la maravillosa oportunidad de aparecer en el London Palladium, donde puedo decir con sinceridad que Judy Garland renació". [78] Sus apariciones en el Palladium duraron cuatro semanas, donde recibió críticas entusiastas y una ovación descrita por el gerente de Palladium como la más ruidosa que jamás había escuchado. [79] [80]

El compromiso de Garland en el Palace Theatre de Manhattan en octubre de 1951 superó todos los récords anteriores para el teatro y para Garland, y fue llamado "uno de los mayores triunfos personales en la historia del mundo del espectáculo". [81] Garland fue honrada con un premio Tony especial por su contribución al resurgimiento del vodevil. [82]

Garland se divorció de Minnelli ese mismo año. [83] El 8 de junio de 1952, se casó con Sidney Luft, su director de gira y productor, en Hollister, California. [84] Garland dio a luz a Lorna Luft, quien se convirtió en actriz y cantante, el 21 de noviembre de 1952, ya Joey Luft el 29 de marzo de 1955. [85]

Regreso a Hollywood Editar

Garland apareció con James Mason en la película de Warner Bros. Ha nacido una estrella (1954), el primer remake de la película de 1937. Ella y Sidney Luft, su entonces esposo, produjeron la película a través de su compañía de producción, Transcona Enterprises, mientras que Warner Bros. suministró las finanzas, las instalaciones de producción y el equipo. [86] Dirigida por George Cukor, fue una gran empresa a la que inicialmente se dedicó por completo. [87]

Sin embargo, a medida que avanzaba el rodaje, empezó a hacer las mismas alegaciones de enfermedad que tantas veces había hecho durante sus últimas películas en MGM. Los retrasos en la producción provocaron sobrecostos y enfurecidos enfrentamientos con el director de Warner Bros., Jack L. Warner. Fotografía principal terminada el 17 de marzo de 1954. Por sugerencia de Luft, el popurrí de "Born in a Trunk" se filmó como un escaparate para ella y se insertó por encima de las objeciones del director Cukor, quien temía que la longitud adicional daría lugar a recortes en otras áreas. Se completó el 29 de julio. [88]

Tras su estreno mundial el 29 de septiembre de 1954, la película fue recibida con elogios de la crítica y el público. Antes de su lanzamiento, fue editada por instrucción de los operadores de teatro de Jack Warner, preocupados de que estaban perdiendo dinero porque solo podían ejecutar la película durante tres o cuatro espectáculos por día en lugar de cinco o seis, presionaron al estudio para hacer más reducciones. Después de sus compromisos de primera ejecución, se cortaron unos 30 minutos de metraje, lo que provocó indignación entre los críticos y los espectadores. Aunque todavía era popular, atrajo a grandes multitudes y recaudó más de $ 6,000,000 en su primer lanzamiento, Ha nacido una estrella no recuperó su costo y terminó perdiendo dinero. Como resultado, la posición financiera segura que Garland esperaba de las ganancias no se materializó. [89] Transcona no hizo más películas con Warner. [90]

Garland fue nominada para el Premio de la Academia a la Mejor Actriz y, en el período previo a los 27 Premios de la Academia, generalmente se esperaba que ganara por Ha nacido una estrella. No pudo asistir a la ceremonia porque acababa de dar a luz a su hijo, Joseph Luft, por lo que un equipo de televisión estaba en su habitación del hospital con cámaras y cables para transmitir su discurso de aceptación anticipado. Sin embargo, Grace Kelly ganó el Oscar por La chica del campo (1954). El equipo de cámara estaba empacando antes de que Kelly pudiera llegar al escenario. Groucho Marx envió a Garland un telegrama después de la ceremonia de premiación, declarando su pérdida "el mayor robo desde Brinks". Tiempo etiquetó su actuación como "casi el mayor espectáculo de una sola mujer en la historia del cine moderno". [91] Garland ganó el Globo de Oro a la Mejor Actriz en un Musical por el papel. [92]

Las películas de Garland después Ha nacido una estrella incluido Juicio en Nuremberg (1961) (por la que fue nominada al Oscar y al Globo de Oro a la mejor actriz de reparto), el largometraje animado Ronroneo gay (1962) y Un niño está esperando (1963) con Burt Lancaster. Su última película fue Podría seguir cantando (1963), coprotagonizada por Dirk Bogarde. [93]

Televisión, conciertos y Carnegie Hall Editar

Garland apareció en varios especiales de televisión a partir de 1955. El primero fue el episodio debut de 1955 de Ford Star Jubilee esta fue la primera transmisión en color a gran escala de la historia en CBS y fue un triunfo de audiencia, con una calificación de 34,8 de Nielsen. Ella firmó un contrato de tres años y $ 300,000 con la red. Sólo un especial adicional fue transmitido en 1956, un concierto-edición en vivo de Teatro General Electric, antes de que la relación entre Luft y CBS se rompiera en una disputa sobre el formato planeado de los próximos especiales. [94]

En 1956, Garland actuó durante cuatro semanas en el New Frontier Hotel en Las Vegas Strip por un salario de $ 55,000 por semana, lo que la convirtió en la artista mejor pagada para trabajar en Las Vegas. [95] A pesar de un breve ataque de laringitis, en el que Jerry Lewis la reemplazó en una actuación desde una silla de ruedas, sus actuaciones allí fueron tan exitosas que su carrera se prolongó una semana más. [96] Más tarde ese año, regresó al Palace Theatre, lugar de su triunfo de dos por día. Abrió en septiembre, una vez más con excelentes críticas y elogios populares. [97]

En noviembre de 1959, Garland fue hospitalizada después de que le diagnosticaran hepatitis aguda. [98] Durante las próximas semanas, se drenaron varios litros de líquido de su cuerpo hasta que fue dada de alta del hospital en enero de 1960, todavía débil. Los médicos le dijeron que probablemente tenía cinco años, o menos, de vida y que, incluso si sobrevivía, sería una semi-inválida y nunca volvería a cantar. [99] Inicialmente se sintió "muy aliviada" con el diagnóstico. "Me quitó la presión por primera vez en mi vida". [73] Sin embargo, se recuperó durante los siguientes meses y, en agosto de ese año, regresó al escenario del Palladium. Se sintió tan cálidamente abrazada por los británicos que anunció su intención de mudarse definitivamente a Inglaterra. [100]

A principios de 1960, Garland firmó un contrato con Random House para escribir su autobiografía. El libro iba a ser llamado La historia de Judy Garlandy sería una colaboración con Fred F. Finklehoffe. Garland recibió un anticipo de 35.000 dólares y ella y Finklehoffe grabaron conversaciones sobre su vida para utilizarlas en la producción de un manuscrito. Garland trabajaría en su autobiografía de forma intermitente a lo largo de la década de 1960, pero nunca la completó.Partes de su autobiografía inconclusa se incluyeron en la biografía de 2014, Judy Garland sobre Judy Garland: entrevistas y encuentros por Randy L. Schmidt. [101] [102]

Su concierto en el Carnegie Hall el 23 de abril de 1961 fue un punto culminante considerable, llamado por muchos "la noche más grande en la historia del mundo del espectáculo". [103] El álbum de dos discos Judy en el Carnegie Hall fue certificado oro, trazando durante 95 semanas en Cartelera, incluyendo 13 semanas en el número uno. Ganó cuatro premios Grammy, incluido Álbum del año y Mejor voz femenina del año. [104]

El show de Judy Garland Editar

En 1961, Garland y CBS resolvieron sus disputas contractuales con la ayuda de su nuevo agente, Freddie Fields, y negociaron una nueva ronda de especiales. El primero, titulado El show de Judy Garland, se emitió el 25 de febrero de 1962 [105] y contó con los invitados Frank Sinatra y Dean Martin. [106] Tras este éxito, CBS le hizo una oferta de 24 millones de dólares por una serie de televisión semanal propia, que también se llamaría El show de Judy Garland, que fue considerado en ese momento por la prensa como "el mayor contrato de talento en la historia de la televisión". Aunque ya había dicho ya en 1955 que nunca haría una serie de televisión semanal, [107] a principios de la década de 1960, se encontraba en una situación económicamente precaria. Tenía una deuda de varios cientos de miles de dólares con el Servicio de Impuestos Internos, habiendo dejado de pagar impuestos en 1951 y 1952, y el fracaso de Ha nacido una estrella significaba que no recibió nada de esa inversión. [108]

Después de un tercer especial, Judy Garland y sus invitados Phil Silvers y Robert Goulet, La serie semanal de Garland debutó el 29 de septiembre de 1963. [109] El show de Judy Garland fue elogiado por la crítica, [110] [111] pero por una variedad de razones (incluida la ubicación en el intervalo de tiempo opuesto Bonanza en NBC), el programa duró solo una temporada y fue cancelado en 1964 después de 26 episodios. A pesar de su corta duración, la serie fue nominada a cuatro premios Emmy, incluida la mejor serie de variedades. [112]

Durante este tiempo, Garland tuvo una aventura de seis meses con el actor Glenn Ford. El biógrafo de Garland, Gerald Clarke, el hijo de Ford, Peter, el cantante Mel Tormé y su esposo Sid Luft escribieron sobre el asunto en sus respectivas biografías. La relación comenzó en 1963 mientras Garland hacía su programa de televisión. Ford asistía a las grabaciones del programa sentado en la primera fila mientras Garland cantaba. A Ford se le atribuye haberle dado a Garland una de las relaciones más estables de su vida posterior. Ford (un notorio mujeriego según su hijo Peter) terminó la aventura cuando se dio cuenta de que Garland quería casarse con él. [113]

Garland fue un demócrata relativamente activo durante toda su vida. Durante su vida, fue miembro del comité demócrata de Hollywood y partidaria financiera y moral de varias causas, incluido el Movimiento por los Derechos Civiles. Donó dinero a las campañas de los candidatos presidenciales demócratas Franklin D. Roosevelt, Adlai Stevenson II, John F. Kennedy y Robert F. Kennedy, y el candidato progresista Henry A. Wallace. [114] [115] [116] [117]

En septiembre de 1947, Garland se unió al Comité de la Primera Enmienda, un grupo formado por celebridades de Hollywood en apoyo de los Diez de Hollywood durante las audiencias del Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara (HUAC), un comité de investigación de la Cámara de Representantes de los Estados Unidos. dirigida por J. Parnell Thomas, que se formó para investigar supuestas deslealtades y actividades subversivas por parte de ciudadanos privados, empleados públicos y organizaciones sospechosas de tener vínculos comunistas. El Comité de la Primera Enmienda trató de proteger las libertades civiles de los acusados. Otros miembros incluyeron a Humphrey Bogart, Lauren Bacall, Dorothy Dandridge, John Garfield, Katharine Hepburn, Lena Horne, John Huston, Gene Kelly y Billy Wilder. Garland participó en la grabación de una transmisión de radio estelar del 26 de octubre de 1947, Hollywood contraataca, durante el cual exhortó a los oyentes a actuar: "¡Antes de que se cite a todas las personas de conciencia libre en Estados Unidos, por favor, hable! ¡Diga su artículo! Escriba una carta a su congresista, especial por correo aéreo. Hágale saber al Congreso lo que piensa de su Comité Antiamericano . " [118]

Garland era amiga del presidente John F. Kennedy y su esposa Jacqueline Kennedy, y ella a menudo pasaba las vacaciones en Hyannis Port, Massachusetts. La casa en la que se quedó durante sus vacaciones en Hyannis Port se conoce hoy como The Judy Garland House debido a su asociación con la propiedad. [119] Garland llamaba al presidente semanalmente, a menudo terminando sus llamadas telefónicas cantando los primeros compases de "Over the Rainbow". [119]

El 28 de agosto de 1963, Garland y otras celebridades prominentes como Josephine Baker, Sidney Poitier, Lena Horne, Paul Newman, Rita Moreno y Sammy Davis, Jr.participaron en la Marcha en Washington por el Empleo y la Libertad, una manifestación organizada para defender por los derechos civiles y económicos de los afroamericanos. La prensa la había fotografiado en Los Ángeles a principios de mes junto a Eartha Kitt, Marlon Brando y Charlton Heston mientras planeaban su participación en la marcha en la capital del país.

El 16 de septiembre de 1963, Garland, junto con su hija Liza, Carolyn Jones, June Allyson y la hija de Allyson, Pam Powell, realizaron una conferencia de prensa para resaltar y protestar por el reciente bombardeo de la Iglesia Bautista de la Calle 16 en Birmingham, Alabama, que resultó en la muerte de cuatro jóvenes afroamericanas. Expresaron su conmoción por los hechos y solicitaron fondos para los familiares de las víctimas. Pam Powell y Liza Minnelli anunciaron su intención de asistir al funeral de las víctimas durante la conferencia de prensa. [120] [121]

En 1963, Garland demandó a Sidney Luft por el divorcio por crueldad mental. También afirmó que la había golpeado repetidamente mientras bebía y que incluso había intentado arrebatarle a sus hijos por la fuerza. [122] Ella había solicitado el divorcio de Luft en varias ocasiones anteriores, incluso ya en 1956, pero se habían reconciliado en cada ocasión. [123]

Después de que su serie de televisión fuera cancelada, Garland volvió a trabajar en el escenario. Regresó al London Palladium actuando con su hija de 18 años Liza Minnelli en noviembre de 1964. El concierto también se mostró en la cadena de televisión británica ITV y fue una de sus últimas apariciones en el lugar. Hizo apariciones especiales en El show de Ed Sullivan y El show de esta noche. Garland fue el anfitrión invitado de un episodio de El palacio de hollywood con Vic Damone. Fue invitada a volver para un segundo episodio en 1966 con Van Johnson como invitada. Los problemas con el comportamiento de Garland la terminaron Palacio de Hollywood apariciones de invitados. [124]

Una gira de 1964 por Australia terminó mal. Los dos primeros conciertos de Garland en Sydney se llevaron a cabo en el Estadio de Sydney porque ninguna sala de conciertos podía acomodar a las multitudes desbordadas que querían verla. Ambos salieron bien y recibieron críticas positivas. Su tercera actuación, en Melbourne, comenzó con una hora de retraso. La multitud de 7,000 personas estaba enojada por su tardanza y creían que estaba borracha, la abuchearon y la abuchearon, y ella huyó del escenario después de 45 minutos. [125] Más tarde caracterizó a la multitud de Melbourne como "brutal". [126] La aparición de Garland en Melbourne obtuvo una respuesta negativa en la prensa. [127]

El promotor de la gira de Garland, Mark Herron, anunció que se habían casado a bordo de un carguero frente a la costa de Hong Kong. Sin embargo, no estaba oficialmente divorciada de Luft en el momento en que se realizó la ceremonia. [128] El divorcio se hizo definitivo el 19 de mayo de 1965, [122] y ella y Herron no se casaron legalmente hasta el 14 de noviembre de 1965 y se separaron cinco meses después. [129] Durante su divorcio, Garland testificó que Herron la había golpeado. Herron afirmó que "sólo la golpeó en defensa propia". [130]

Durante gran parte de su carrera a lo largo de la década de 1950 y principios de la de 1960, su esposo Sidney Luft había sido su gerente. Sin embargo, Garland finalmente se separó de Luft profesionalmente, firmando con los agentes Freddie Fields y David Begelman. Para el otoño de 1966, Garland también se había separado de Fields y Begelman. La mala administración de Fields y Begelman del dinero de Garland, así como la malversación de gran parte de sus ganancias, resultó en que debiera alrededor de $ 500,000 en total en deudas personales y en deudas con el IRS. El IRS colocó embargos fiscales sobre su casa en Brentwood, Los Ángeles, su contrato de grabación con Capitol Records y cualquier otro negocio en el que pudiera obtener ingresos. [131]

Garland se quedó en una situación desesperada que la vio vender su casa en Brentwood a un precio muy por debajo de su valor. Luego fue elegida en febrero de 1967 para el papel de Helen Lawson en Valle de las muñecas por 20th Century Fox. [132] Según su coprotagonista Patty Duke, Garland fue tratado mal por el director Mark Robson en el set de Valle de las muñecas y fue contratado principalmente para aumentar la publicidad de la película. [133] Después del despido de Garland de la película, la autora Jacqueline Susann dijo en el documental de televisión de 1967 Jacqueline Susann y el valle de las muñecas, "Creo que Judy siempre regresará. Ella bromea acerca de hacer muchas reapariciones, pero creo que Judy tiene una especie de cosa en la que tiene que llegar al fondo de la cuerda y las cosas se tienen que poner muy, muy difíciles para ella. Luego, con una fuerza interior asombrosa que solo proviene de un cierto genio, vuelve más grande que nunca ". [134]

Al regresar al escenario, Garland hizo una de sus últimas apariciones en Estados Unidos en el Palace Theatre de Nueva York en julio de 1967, un stand de 27 espectáculos, actuando con sus hijos Lorna y Joey Luft. Llevaba un traje pantalón de lentejuelas en el escenario para esta gira, que era parte del vestuario original de su personaje en Valle de las muñecas. [135] Garland ganó más de 200.000 dólares en su última presentación en el Palace Theatre de Nueva York gracias a su participación del 75% en las ganancias generadas por su compromiso allí. La noche de clausura en el Palace, los agentes fiscales federales se apoderaron de la mayor parte de sus ganancias. [136]

A principios de 1969, la salud de Garland se había deteriorado. Actuó en Londres en el club nocturno Talk of the Town durante cinco semanas [137] en las que le pagaron £ 2.500 por semana, [101] e hizo su última aparición en un concierto en Copenhague durante marzo de 1969. [138] Después de ella El divorcio de Herron había finalizado el 11 de febrero, se casó con su quinto y último marido, el gerente del club nocturno Mickey Deans, en la Oficina de Registro de Chelsea, Londres, el 15 de marzo [139].

El 22 de junio de 1969, 12 días después de cumplir 47 años, Garland fue encontrada muerta en el baño de su casa alquilada en Cadogan Lane, Belgravia, Londres. [7] En la investigación, el forense Gavin Thurston declaró que la causa de la muerte fue "una auto-sobredosis imprudente" de barbitúricos que su sangre contenía el equivalente a diez cápsulas de Seconal de 1,5 granos (97 mg). [140] Thurston enfatizó que la sobredosis no fue intencional y ninguna evidencia sugirió que se hubiera suicidado. La autopsia de Garland no mostró inflamación en el revestimiento de su estómago ni residuos de droga en su estómago, lo que indica que la droga había sido ingerida durante un largo período de tiempo, en lugar de en una sola dosis. Su certificado de defunción decía que su muerte fue "accidental". [141] Apoyando la causa accidental, el médico de Garland notó que una prescripción de 25 pastillas de barbitúricos fue encontrada junto a su cama medio vacía y otro frasco de 100 pastillas de barbitúricos todavía estaba sin abrir. [142]

Un especialista británico que había asistido a la autopsia de Garland declaró que, sin embargo, había estado viviendo en un tiempo prestado debido a la cirrosis, aunque una segunda autopsia realizada más tarde no informó evidencia de alcoholismo o cirrosis. [143] [144] Ella mago de Oz su coprotagonista Ray Bolger comentó en su funeral: "Ella simplemente se agotó". [145] El patólogo forense Jason Payne-James creía que Garland tenía un trastorno alimentario (la psicóloga Linda Papadopoulos afirmó que probablemente era bulimia), lo que contribuyó a su muerte. [146]

Después de que el cuerpo de Garland fuera embalsamado, Deans viajó con sus restos a la ciudad de Nueva York el 26 de junio, donde se estima que 20.000 personas hicieron fila para presentar sus respetos en la Capilla Funeraria Frank E. Campbell en Manhattan, que permaneció abierta toda la noche para acomodar la multitud desbordada. El 27 de junio, James Mason pronunció un elogio en el funeral, un servicio episcopal dirigido por el reverendo Peter Delaney de la iglesia parroquial de St Marylebone, Londres, que había oficiado su matrimonio con los decanos tres meses antes. [147] "El gran regalo de Judy", dijo Mason en su panegírico, "era que podía arrancar lágrimas de corazones de piedra. Dio tan ricamente y tan generosamente, que no había moneda con la que pagarle". [148] El público y la prensa fueron prohibidos. Fue enterrada en una cripta en el mausoleo de la comunidad en el cementerio Ferncliff en Hartsdale, Nueva York, una pequeña ciudad a 39 kilómetros al norte del centro de Manhattan. [149]

Tras la muerte de Garland, a pesar de haber ganado millones durante su carrera, su patrimonio ascendió a 40.000 dólares (equivalente a 282.287 dólares en 2020). Años de mala gestión de sus asuntos financieros por parte de sus representantes y personal junto con su generosidad hacia su familia y diversas causas resultaron en su mala situación financiera al final de su vida. En su último testamento, firmado y sellado a principios de 1961, Garland hizo muchos legados generosos que no pudieron cumplirse porque su patrimonio había estado endeudado durante muchos años. Su hija, Liza Minnelli, trabajó para pagar las deudas de su madre con la ayuda del amigo de la familia Frank Sinatra. [150] En 1978, una selección de artículos personales de Garland fue subastada por su exmarido Sidney Luft con el apoyo de su hija Lorna y su hijo Joe. Se ofrecieron a la venta casi 500 artículos, desde utensilios de cocina de cobre hasta arreglos musicales. La subasta recaudó 250.000 dólares (equivalente a 991.964 dólares en 2020) para sus herederos. [151]

A pedido de sus hijos, los restos de Garland fueron desenterrados del cementerio Ferncliff en enero de 2017 y re-enterrados a 4.500 kilómetros (2.800 millas) en todo el país en el cementerio Hollywood Forever en Los Ángeles. [152]

Garland poseía un rango vocal de contralto. [153] [154] [155] Su voz de canto ha sido descrita como cobriza, [21] poderosa, sin esfuerzo y resonante, [156] a menudo demostrando un vibrato trémulo [157] poderoso. [158] Aunque su rango era comparativamente limitado, Garland era capaz de alternar entre timbres femeninos y masculinos con poco esfuerzo. [159] El Richmond Times-Despacho el corresponsal Tony Farrell escribió que poseía "una voz de contralto profunda y aterciopelada que podía girar en una moneda de diez centavos para cantar las notas altas", [155] mientras que Ron O'Brien, productor del álbum tributo La colección definitiva - Judy Garland (2006), escribió la combinación de la cantante de fraseo natural, entrega elegante, patetismo maduro "y la poderosa dinámica dramática a la que aporta. Las canciones hacen de sus [interpretaciones] las interpretaciones definitivas". [160] El Huffington Post La escritora Joan E. Dowlin llamó al período de la carrera musical de Garland entre 1937 y 1945 los "años inocentes", durante los cuales el crítico cree que la voz de la cantante "era vibrante y su expresión musical exuberante", tomando nota de su resonancia y distinción, "rica pero dulce "calidad" que te atrapa y te atrae ". [160] La voz de Garland a menudo variaba para adaptarse a la canción que estaba interpretando, desde suave, cautivadora y tierna durante las baladas hasta humorística en algunos de sus dúos con otros artistas. [160] Sus actuaciones más alegres y cantadas se han comparado con las de los artistas Sophie Tucker, Ethel Merman y Al Jolson. [159] Aunque su repertorio musical consistió principalmente en grabaciones de elenco, melodías de espectáculos y estándares tradicionales del pop, [161] Garland también era capaz de cantar música soul, blues y jazz, que Dowlin comparó con el cantante Elvis Presley. [160]

Garland siempre afirmó que su talento como intérprete fue heredado, diciendo: "Nadie me enseñó qué hacer en el escenario". [162] Los críticos están de acuerdo en que, incluso cuando debutó de niña, [161] Garland siempre había sonado madura para su edad, [163] particularmente en sus grabaciones anteriores. [160] Desde una edad temprana, Garland había sido catalogada como "la niña de los pulmones de cuero", [162] una designación por la que la cantante admitió más tarde haberse sentido humillada porque hubiera preferido ser conocida por el público como una niña "bonita" o "simpática". [164] Jessel recordó que, incluso con solo 12 años, la voz de Garland se parecía a la de "una mujer con el corazón herido". [162] La estrella de Kansas City El colaborador Robert Trussel citó la voz cantante de Garland entre las razones por las que su papel en El mago de Oz sigue siendo memorable, escribiendo que aunque "Ella podría haber sido maquillada y disfrazada para parecerse a una niña pequeña. No cantaba como tal" debido a su "poderosa contralto que llama la atención". [156] Camille Paglia, escribiendo para Los New York Times, bromeó diciendo que incluso en la vida adulta de Garland, "su pequeño cuerpo literalmente palpitaba con su enorme voz", haciendo que pareciera que estaba "en guerra con su propio cuerpo". [159] La actriz y directora de teatro Donna Thomason declaró que Garland era una intérprete "eficaz" porque era capaz de usar su "voz de canto [como] una extensión natural de [su] voz", una habilidad que Thomason cree que todo teatro musical los actores deberían al menos esforzarse por lograrlo. [156] Trussel estuvo de acuerdo en que "la voz de Garland sonaba completamente natural. Nunca pareció forzada o demasiado entrenada". [156]

Escribiendo para Turner Classic Movies, el biógrafo Jonathan Riggs observó que Garland tenía una tendencia a imbuir su voz con una combinación paradójica de "fragilidad y resistencia" que eventualmente se convirtió en una marca registrada de ella. [157] Louis Bayard de El Washington Post describió la voz de Garland como "palpitante", creyendo que es capaz de "conectar [ing] con [las audiencias] de una manera que ninguna otra voz lo hace". [165] Bayard también cree que los oyentes "encuentran difícil separar el dolor en su voz del dolor que perseguía su vida", [165] mientras que Dowlin argumentó que, "Escuchar a Judy cantar me hace olvidar toda la angustia y sufrimiento que debe haber soportado ". [160] Los New York Times obituarista en 1969 observó que Garland, ya sea intencionalmente o no, "trajo consigo todos los fantasmas bien publicitados de su colapso emocional, su carrera colapsa y reapariciones" en el escenario durante actuaciones posteriores. [21] El mismo escritor dijo que la voz de Garland cambió y perdió algo de su calidad a medida que envejecía, aunque conservó gran parte de su personalidad. [21] Contribuyendo a la Independiente irlandés, Julia Molony observó que la voz de Garland, aunque "todavía llena de emoción", finalmente había comenzado a "crujir con el peso de años de decepción y de vida dura" cuando actuó en el Carnegie Hall en 1961. [166] De manera similar, la La entrada del disco en vivo en la Biblioteca del Congreso escribió que "si bien su voz aún era fuerte, también había ganado un poco de peso y un poco de desgaste", la autora Cary O'Dell cree que la ronquera y el "temblor ocasional" de Garland solo aumentaron la emoción cociente de muchos de sus números ", particularmente en sus canciones más emblemáticas" Over the Rainbow "y" The Man That Got Away ". [167] Garland declaró que siempre se sentía más segura y en casa mientras actuaba en el escenario, independientemente de la condición de su voz. [168] Su talento musical ha sido elogiado por sus compañeros. La cantante de ópera Maria Callas dijo una vez que Garland poseía "la voz más soberbia que jamás había escuchado", mientras que el cantante y actor Bing Crosby dijo que "ningún otro cantante podría compararse con ella". cuando Garland descansó. [163]

Garland era conocida por interactuar con su público durante presentaciones en vivo. Los New York Times obituarist escribió que Garland poseía "una necesidad aparentemente insaciable de que su público respondiera con aclamación y afecto. Y, a menudo, lo hacían gritando: 'Te amamos, Judy, te amamos'". [21] La propia Garland explicó en 1961: "Una recepción realmente genial me hace sentir como si tuviera una gran almohadilla térmica caliente sobre mí. Realmente tengo un gran amor por la audiencia, y solía querer demostrárselo dándoles sangre. Pero tengo un algo nuevo y divertido ahora, una verdadera determinación para hacer que la gente disfrute del espectáculo ". [169] Los New York Times El escritor la describió como "una actriz y comediante instintiva". El colaborador anónimo comentó que el estilo de actuación de Garland se parecía al de "un intérprete de music hall en una era en la que los music hall eran obsoletos". [21] Los amigos cercanos de Garland insistieron en que ella nunca quiso realmente ser una estrella de cine y que hubiera preferido dedicar su carrera por completo a cantar y grabar discos. [164] El biógrafo de AllMusic, William Ruhlmann, cree que la capacidad de Garland para mantener una exitosa carrera como artista discográfica incluso después de que sus apariciones en películas se hicieron menos frecuentes era inusual para un artista en ese momento. [161] Garland ha sido identificada como una triple amenaza debido a su habilidad para cantar, actuar y bailar, [170] posiblemente igualmente bien. [171] Doug Strassler, crítico de la Prensa de Nueva York, describió a Garland como una "triple amenaza" que "rebotó entre los musicales familiares y los dramas para adultos con una precisión y un talento que sigue siendo en gran medida incomparable". [172] En términos de actuación, Peter Lennon, escribiendo para El guardián en 1999, identificó a Garland como un "camaleón" debido a su capacidad para alternar entre papeles cómicos, musicales y dramáticos, citando El mago de Oz, El reloj, Ha nacido una estrella y Podría seguir cantando - su papel final en la película - como ejemplos destacados. [173] Michael Musto, periodista de W Magazine, escribió que en sus papeles cinematográficos Garland "podía proyectar decencia, vulnerabilidad y agallas como ninguna otra estrella, y lo envolvió con una entrega vocal trémulamente hermosa que podría derretir incluso al troll más endurecido". [174]

  • El álbum de recuerdos de Judy Garland (1940)
  • Segundo álbum de recuerdo (1943)
  • Señorita show business (1955)
  • Judy (1956)
  • Solo (1957)
  • Judy enamorada (1958)
  • La carta (1959)
  • ¡Eso es entretenimiento! (1960)
  • El toque de la guirnalda (1962)

Garland era casi tan famosa por sus luchas personales en la vida cotidiana como por su carrera en el entretenimiento. [159] Se la ha asociado estrechamente con su imagen de chica de al lado cuidadosamente cultivada. [166] Al principio de su carrera durante la década de 1930, la imagen pública de Garland le había valido el título de "hermana menor favorita de Estados Unidos", [162] así como el título de "Pequeña señorita del espectáculo". [175] [176] En una revisión de la Tribuna de las estrellas, Graydon Royce escribió que la imagen pública de Garland seguía siendo la de "una chica del Medio Oeste que no podía creer dónde estaba", a pesar de haber sido una celebridad bien establecida durante más de 20 años. [168] Royce cree que los fanáticos y el público insistieron en preservar su memoria de Garland como Dorothy sin importar cuánto madurara, llamándola "cautiva no de su propio deseo de permanecer joven, sino cautiva del deseo del público de preservarla que camino". [168] Por lo tanto, el estudio continuó eligiendo a Garland en papeles que eran significativamente más jóvenes que su edad real. [168]

Según Malony, Garland fue una de las artistas más trabajadoras de Hollywood durante la década de 1940, que Malony afirma que utilizó como mecanismo de supervivencia después de que su primer matrimonio colapsara. [166] Sin embargo, los empleados del estudio recuerdan que Garland tenía una tendencia a ser bastante intenso, testarudo y volátil [162] Judy Garland: La vida secreta de una leyenda estadounidense El autor David Shipman afirma que varias personas se sintieron frustradas por el "narcisismo" y la "creciente inestabilidad" de Garland, mientras que millones de fanáticos encontraron que su comportamiento público y su estado psicológico eran "frágiles", [175] [166] aparentando ser neurótica en las entrevistas. [168] MGM informa que Garland llegaba constantemente tarde y demostró un comportamiento errático, lo que resultó en varios retrasos e interrupciones en los horarios de filmación hasta que finalmente fue despedida del estudio, que la consideró poco confiable y difícil de manejar. [166] Farrell llamó a Garland "Una bolsa de sorpresas de contradicciones" que "siempre ha sido un festín para la imaginación estadounidense", describiendo su personaje público como "torpe pero directo, tímido pero descarado". [155] Al describir a la cantante como "tierna y entrañable, pero salvaje y turbulenta", Paglia escribió que Garland "abrió un camino de destrucción a través de muchas vidas. Y de ese caos, hizo un arte de una intensidad aún abrasadora". [159] Llamándola "una criatura de extremos, codiciosa, sensual y exigente, glotona de placer y dolor", [162] Paglia también comparó a Garland con el artista Frank Sinatra debido a su "personalidad emblemática compartida". sus esperanzas y decepciones ", mientras observaba que carecía de las habilidades de supervivencia de Sinatra. [159]

A pesar de su éxito como intérprete, Garland sufría de baja autoestima, particularmente con respecto a su peso, que constantemente hacía dieta para mantener a instancias del estudio y Mayer [162] [166] [174] críticos e historiadores creen esto fue el resultado de que los ejecutivos del estudio le dijeran que ella era un "patito feo". [160] Semanal de entretenimiento El columnista Gene Lyons observó que tanto el público como los miembros de la industria del entretenimiento "tendían a amarla u odiarla". [175] En un momento dado, Stevie Phillips, que había trabajado como agente de Garland durante cuatro años, describió a su cliente como "una drogadicta demente, exigente y sumamente talentosa". [166] Royce sostiene que Garland mantuvo "una fuerza y ​​un coraje asombrosos", incluso en tiempos difíciles. [168] El actor inglés Dirk Bogarde una vez llamó a Garland "la mujer más divertida que he conocido". [165] Ruhlmann escribió que la vida personal de la cantante "contrastaba marcadamente con la exuberancia e inocencia de sus papeles cinematográficos". [161]

A pesar de sus luchas personales, Garland no estuvo de acuerdo con la opinión pública de que ella era una figura trágica. [168] [173] Su hija menor, Lorna, estuvo de acuerdo en que Garland "odiaba" que se refiriera a ella como una figura trágica, y explicó: "Todos tenemos tragedias en nuestras vidas, pero eso no nos hace trágicos. Era divertida y cálida". y estaba maravillosamente dotada. Tuvo grandes altibajos en su carrera. También tuvo grandes momentos en su vida personal. Sí, la perdimos a los 47 años. Eso fue trágico. Pero ella no fue una figura trágica ". [173] Ruhlmann sostiene que Garland en realidad utilizó la opinión pública de su trágica imagen a su favor hacia el final de su carrera. [161]


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