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Vaso de cerámica etrusca rojo sobre blanco

Vaso de cerámica etrusca rojo sobre blanco


Vasija de alfarería estilo Mixteca-Puebla

Ubicada en el valle de Puebla-Tlaxcala, en las tierras altas del centro de México, Cholula se convirtió en una ciudad importante en Mesoamérica durante el período Posclásico Tardío (1200-1521). Es conocido por sus hermosas cerámicas policromadas, particularmente platos, cuencos (con y sin soporte) y jarrones. Muestran una clara influencia de la Mixteca (modernos estados de Oaxaca y Puebla) y las regiones de la Costa del Golfo. Este estilo cerámico se conoce como Mixteco-Puebla, un término que también se aplica a un conjunto de símbolos religiosos compartidos en toda Mesoamérica durante el Posclásico, y al & # 8216 Estilo del Códice Mixteco & # 8217, un estilo narrativo que se encuentra en códices, murales y cerámicas. en la región Mixteca-Puebla.

Tipos similares de símbolos y estilos son visibles en el Codex Borgia, c. 1500, f. 25 (Biblioteca Vaticana)

En la cerámica policromada de Cholula se pinta una amplia gama de motivos, muchos de los cuales fueron compartidos por otras culturas mesoamericanas durante el Posclásico. Estos incluyen: diseños geométricos, incluidas grecas o motivos de trastes escalonados (xicalcoliuhqui) elementos relacionados con la serpiente emplumada signos calendáricos representaciones de figuras humanas y deidades elementos relacionados con el sacrificio, como manos cortadas, corazones y cuchillos de sacrificio, cráneos y conchas de huesos cruzados, y muchos otros símbolos.

Las vasijas policromadas estaban destinadas a la élite y se comercializaban ampliamente. Los aztecas, por ejemplo, eran grandes consumidores de artículos de Cholula y las técnicas decorativas a veces se usaban junto con la iconografía azteca.


Archivo: Boar Vessel, 600-500 BC, Etruscan, ceramic - Cleveland Museum of Art - DSC08263.JPG

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Tutoriales de páginas web de cerámica [ 7 ] Cerámica en la Europa prerromana incluida la cerámica etrusca

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7. Europa prerromana y cerámica etrusca

000a 000t Los mapas deberían ayudarlo con los sitios y la geografía. La información histórica más confiable se puede encontrar en la Enciclopedia Británica. Para obtener un resumen de la secuencia principal de eventos, le proporcioné un botón & quotBúsqueda rápida & quot

Las primeras tribus europeas

001 Olla redondeada con figura humana en relieve. ca 4000 aC altura: 25cm Baviera, Alemania PSM.
Probablemente mucho antes del 5000 a. C., en los bosques templados de Europa, al norte de los Alpes, grupos de cazadores-recolectores migrantes se establecieron gradualmente en pequeñas comunidades aldeanas en Europa occidental y central y en los Balcanes. Las diferentes tribus eventualmente se conocerían como celtas, galos, alemanes, eslavos, etc.

002 Figura femenina de arcilla hacia 3400 a. C. altura: 15 cm Moravia, Eslovaquia. MMS.
Las figurillas de cerámica y la alfarería se fabricaban en la Europa neolítica antes del 4000 a. C. La caza y la pesca siguieron siendo más importantes que la agricultura en la Europa templada, hasta bien entrado el segundo milenio antes de Cristo. Hasta la conquista romana, a principios de la era cristiana, no había ningún grupo poderoso o gobernante que controlara ninguna gran región de la Europa templada. Cualquier poder efectivo era local y probablemente transitorio: señores de la guerra que durante un tiempo controlaron ricas tierras de cultivo, una mina de metal o una ruta comercial, pequeñas pero ricas aldeas metalúrgicas esparcidas por Europa central y oriental. Las religiones se desarrollaron, pero sabemos muy poco sobre ellas, porque ninguna de estas tribus europeas desarrolló un lenguaje escrito. Desafortunadamente, los relatos escritos de la Europa prerromana y su gente solo provienen de escritores griegos y romanos posteriores que, erróneamente, consideraron a todas estas tribus como "primitivas". Gran parte de este escrito parece ahora parcial y bastante inexacto.

Cerámica neolítica en Europa Al norte de los Alpes

003 Vaso de precipitados con orejas perforadas, Edad Megalítica del Norte, alrededor del año 3000 a. C. Desde un túmulo largo en Drouwen, Drente, Holanda.RL.
La cerámica neolítica de la Europa templada no es particularmente diferente de las culturas tempranas de otros lugares. Se fabricaron pequeñas tazas o vasos de precipitados prensados ​​o enrollados como este en una amplia zona de Europa. Este pequeño vaso de precipitados con orejetas y rayado en zigzag fue realizado hacia finales del tercer milenio antes de Cristo en Holanda.

004 Jarra de arcilla con figurilla femenina. alt: 21cm Decoración rayada con rastros de color. Hacia 1800 aC. Vidra, al sur de Bucarest, Rumania NMAB.
Todavía no podemos trazar con certeza la evolución, el desarrollo y el intercambio de estilos de alfarería en la Europa neolítica y de la Edad del Bronce. Sin embargo, los arqueólogos ya han desenterrado suficientes ejemplos de cerámica de sitios prehistóricos para que podamos estudiar los diferentes estilos de cerámica practicados en Europa antes de los romanos.

005 Vaso pequeño de arcilla del Neolítico tardío. Se fabricó en Gran Bretaña alrededor del año 2000 a. C. BM.
Las líneas finas impresas y punteadas del patrón probablemente se produjeron utilizando los bordes de una concha marina, como en este ejemplo. Toda esta loza de cocción baja estaba hecha de arcillas locales y decorada con rayones o estampados.

006 Taza o vaso pequeño en espiral con patrones de zig-zag rayados. & quot; Beaker Folk & quot, Inglaterra alrededor del 2000 a. C. Alt .: 15 cm BM.
La mayor parte de la decoración consiste en líneas rayadas o marcas impresas que se repiten para formar un patrón. Las macetas como esta están hechas a mano o moldeadas a presión. Hasta finales del segundo milenio antes de Cristo, o más tarde, no se hacía cerámica en torno en Europa al norte de los Alpes.

Una cultura megalítica construido Estructuras de piedra masivas


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Cerámica en la Edad del Bronce Posterior Cultura de campo de urnas ca.1200-750 a. C.

007 Vaso en espiral globular de la Edad del Bronce tardío BM.
Aunque falta la parte superior de esta olla enrollada hecha a mano, la forma es fuerte y está decorada con patrones lineales curvos audaces que se ajustan bien a la forma. Los anillos delgados marcados con crestas se hacen usando gusanos de arcilla enrollada. Las hinchazones en forma de jefe y los bultos más pequeños se levantan presionando con cuidado desde el interior. Esta decoración de línea incisa puede imitar patrones similares en un recipiente de metal dorado o de cobre batido. Era una ofrenda para la tumba, por lo que probablemente contenía comida o bebida.

008 Vasija de cerámica con forma de animal con cuernos. altura: 13 cm Hrub-cice, Checoslovaquia. ca.1100 aC Cultivo de campo de urnas OC.
Se han encontrado pocas vasijas de cerámica con forma de animales o humanos en la Europa de la Edad del Bronce. La función de esta olla es probablemente beber o verter quizás para verter un líquido consagrado.

009 Tarro de arcilla de superficie lisa con pequeñas asas anilladas y salientes empujados. ca.1400-1100 a.C. Cultura lusaciana Edad del Bronce. Spreewald E. Alemania BM.
Este extraordinario frasco demuestra una vez más los sorprendentes efectos logrados por estos primeros alfareros europeos con solo herramientas simples a su disposición. En el centro y norte de Europa comenzó a surgir una variedad de estilos de alfarería más elaborados. Como esta, las macetas ahora son generalmente de color gris oscuro o negro, a menudo con un acabado brillante. No sabemos la razón de este cambio que los alfareros podrían haber estado tratando de imitar la apariencia de los objetos metálicos. Para el año 1000 a. C., el comercio de metales y otros bienes en Europa había aumentado y seguía creciendo.

La era de los metales Primero bronce y luego hierro


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Cerámica de la Edad del Hierro Temprana La cultura Hallstatt hacia 750-500 a. C.

010 Plato grande decorado con arañazos, parcialmente ennegrecido con grafito. Hacia el 700 aC Cultura de Hallstatt BM.
Este plato y los dos ejemplos siguientes muestran técnicas decorativas similares. El cuerpo está hecho de una arcilla roja común. Las líneas incisas producen la decoración geométrica simple, realzada por las áreas contrastantes: rojo y negro. El color rojo es el propio cuerpo de arcilla, las áreas negras se produjeron frotando grafito y luego puliendo. Los patrones son triángulos y una forma de estrella alrededor del jefe en el centro. Es muy posible que todos estos platos imiten objetos más valiosos en cobre o bronce batido. Las formas básicas de los platos sugieren que se hicieron moldeando a presión en un metal, arcilla cocida o un molde de madera. El grafito (utilizado como lubricante y en lápices hoy en día), todavía se puede encontrar en las antiguas áreas mineras de minerales metálicos de Austria, la República Checa y Alemania.

011 Un plato de decoración impresionante con pasos concéntricos. c. 8-7 siglo a. C. Cultura de Hallstatt. BM.
La decoración impresa probablemente se hizo con palos de madera o tallos de plantas huecos. La forma y los patrones siguen siendo simples y geométricos, pero el borde, con sus grandes formas de diamantes delineadas llenas de círculos de puntos impresos, produce un efecto rico y denso y contrasta bien con los anillos internos de grafito negro y los círculos de puntos en los escalones hacia el centro. .

012 Olla grande en forma de cono con labio vuelto hacia afuera. Ornamentación incisa e impresa, partes ennegrecidas con grafito. altura: 26cm hacia el 700 a.C. Cultura Hallstatt. Baden-W & uumlrttemburg, Alemania. WLS.
Esta gran maceta enrollada tiene un impacto inmediato tanto por su forma vivaz hinchada como por los audaces contrastes en la decoración. La banda de patrón circular se repite, debajo del cuello, fortalece el destello exterior del borde ennegrecido de grafito. Alrededor del vientre de la olla hay formas de diamantes forradas y profundamente cortadas. Estos enmarcan grupos de pequeños patrones de círculos anidados. El toque final, después de la cocción, fue aplicar pinceladas audaces del grafito en polvo negro. Cuando se pule, el grafito tendrá una calidad metálica que enriquecerá dramáticamente toda la forma y los patrones.

013 Jarra de cerámica negra brillante, decoración incisa rellena de engobe blanco. altura: 10 cm Hallstatt hacia el 700 a. C. Baviera, Alemania PSM.
Una técnica de decoración sencilla pero eficaz. Cuando se terminó la forma y se aplicó el mango y la olla todavía húmeda, las líneas, círculos y marcas de triángulos se repitieron incisas o impresas en áreas preestablecidas y marcadas. Luego se aplicó cuidadosamente una barbotina de arcilla blanca (con una consistencia similar a la mantequilla) para rellenar todos estos patrones dentados. Después de dejar que la olla se seque lentamente hasta que esté un poco más firme, pero no seca, la olla se habría raspado cuidadosamente para revelar el contraste nítido de las arcillas. El toque final, después de la cocción, fue una cuidadosa aplicación de polvo de grafito sobre el cuerpo de la arcilla más oscura, con un pincel fino, seguido de un pulido para producir el denso efecto metálico negro contrastado con la barbotina blanca.

014 Cuenco grande de cerámica pintada con sección escalonada. Decoración impresa diámetro: 54cm Hallstatt hacia el 700 aC. Baden-W & uumlrttenberg, Alemania. WLS.
La multitud de marcas impresas y formas pintadas produce un diseño rico e intrincado que sugiere que se estaba copiando un valioso original de metal. Es muy posible que se haya utilizado un cuenco de metal para obtener la forma escalonada. El cuerpo de terracota de color salmón está resaltado por un engobe rojo rico en hierro y la densa pintura negra de grafito.

015 Cuenco globular pequeño. Deslizamiento pintado y bruñido. altura: 9,5 cm Hallstatt hacia el 700 a. C. Baviera Alemania PSM.
Este cuenco pequeño está decorado con pincel con engobe rojo y crema / blanco. Los patrones en zig-zag y triangulares no son nuevos, pero la pintura con pincel sí lo es. El color negro ahora parece ser una barbotina de arcilla que se quema en negro en lugar de frotar con grafito después de la cocción.

016 Cuenco de barro con asas con cuernos y pies humanos. Altura del cuenco: 8 cm hacia el 700 aC Cultura de Hallstatt. Lednice, Moravia, Checoslovaquia. MMB.
Un cuenco pequeño y extraño que puede tener un significado religioso o simbólico. La barbotina negruzca (que contiene hierro y posiblemente mineral de manganeso o cobre) se cepilla. Este acabado es una técnica de cerámica más permanente para imitar un objeto de metal en lugar de utilizar grafito. Los micénicos y los griegos utilizaron un engobe negro-marrón similar para pintar en sus macetas Ver T.5 y 6.

El estilo decorativo celta Periodo La T & egravene


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Cerámica celta posterior de la Edad del Hierro Cultura La T & egravene c. 500 - 0 a. C.

017 Frasco de arcilla lentiforme con dibujos impresos y cenefa de animales grabados en el hombro. Hacia el 500 aC La T & egravene cultura. Matzhausen, Baviera, Alemania. MV-FB
Vasos definitivamente arrojados ahora. Esta forma de lente es estable cuando está llena y bastante elegante. El engobe negro está rayado y estampado para hacer el friso decorativo de dibujos de líneas de animales alrededor de la cara superior. El dibujo de animales es simple y estilizado, extrañamente similar en estilo a los primeros dibujos de pincel griegos unos 3-600 años antes. Ver T.5 y amp 6.


018 Colección de cerámica de la Edad del Hierro de la cultura temprana La T & egravene de Marne, Francia ca. 600-1 a. C. BM.
A mediados del primer milenio antes de Cristo, es posible trazar con mayor precisión los orígenes y estilos exactos de la cerámica europea prerromana al norte de los Alpes.
El estilo de las dos primeras macetas negras de La T & egravene imita los ángulos agudos y los colores bruñidos de los patrones geométricos de los predecesores de Hallstatt. Las macetas rojas son posteriores y muestran un desarrollo hacia un estilo de decoración curvilíneo más libre con pinceles. No está claro cómo evolucionó esto. Ver antecedentes: decoración celta. Las técnicas de fabricación de cerámica utilizadas en el mundo mediterráneo se extendieron gradualmente hacia el norte sobre los Alpes, quizás cientos de años antes de que las legiones romanas conquistaran Italia. Los alfareros de Marne estuvieron entre los primeros alfareros del norte de Europa en utilizar la rueda.

019 Urna pintada de Prunay, N.France, cultura tardía de La T & egravene, siglo 5-3 a.C. Alt .: 12,2 cm BM.
Está hecho de arcilla de color rojo ante y pintado con un engobe más oscuro. Este magnífico diseño en forma de hojas de lóbulos anchos y volutas es un ejemplo del regreso del estilo curvilíneo favorecido por algunas culturas anteriores. Gradualmente se convierte en una característica de la decoración celta en el norte de Europa desde la época de la cultura tardía T & egravene.

020 Tarro globular grande decoración de engobe fino alt: 36cm Late La T & egravene ca.100 AC. Basel, Suiza. HMB.
Un excelente ejemplo de decoración de cerámica celta antes de que los romanos conquistaran la Galia. Este estilo curvilíneo de pintura de deslizamiento rojo reemplazó gradualmente al estilo negro, angular y geométrico anterior en el norte de Europa hacia el final del milenio. La mitad superior de esta vasija globular finamente lanzada está decorada con formas lineales ondulantes, arremolinadas y características de este estilo que ahora describimos como celta.

Italia antes de los romanos: Cartagineses, griegos y etruscos


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La Edad del Hierro llega al norte de Italia Cerámica de los villanos

021 Urnas Cinerary Villanovan y otros obsequios funerarios. California. 1000 AC. MCB.
La cultura de la Edad del Hierro Temprana en el norte de Italia, lleva el nombre del pueblo de Villanova, cerca de Bolonia, donde en 1853 se encontró el primero de los característicos cementerios. El pueblo de Villanovan, probablemente una rama de las culturas incineradoras de Urnfield de Europa oriental, emigró sobre los Alpes y se estableció en el valle del Po, en el norte de Italia, durante el siglo X o IX a. C. Es casi seguro que formaron parte de la ascendencia de la cultura etrusca que apareció en el norte de Italia un siglo después.

022 Una urna cineraria grande con tapa de casco. Cultura Villanova VJR.
Las grandes urnas enrolladas, con tapas en forma de cuenco que representan el casco de un guerrero, se usaban generalmente para los restos de cremación. A menudo, la alfarería de urna, a menudo en negro o ahumada, se incisaba a veces decorada con patrones geométricos y luego se bruñía. A menudo había un solo asa en la parte más gruesa de la olla.

023 Una gran urna cinematográfica ca 1000 BC. MCB.
Parece que hay una mezcla de influencias en la cerámica de Villanova. Aquí, un cuerpo oxidado de color claro estaba cubierto con filas de patrones estampados, en su mayoría pequeños círculos y espirales, pero hay un patrón más complejo, tal vez hecho con algo como un anillo o broche de metal. Probablemente se trate de símbolos con algún significado religioso. Cultura Villanova VJR.

024 Una gran urna cinematográfica. El borde de la tapa del casco aquí está decorado con figuras de animales. Cultura Villanova AMB.
Los primeros ritos funerarios eran generalmente con la cremación, las cenizas de los muertos a menudo se colocaban en urnas bicónicas negras brillantes y se cubrían con una tapa en forma de cuenco. Se grabaron patrones o símbolos en los lados de las macetas y, a menudo, los mangos se modelaron en formas de animales.

025 Detalle: Borde de la tapa del casco con figuras de animales. Cultura Villanova AMB.
La tapa de la urna era a veces una imitación de cerámica de un casco. Estas tapas están relacionadas con los cascos del este de Europa central. Las figuras de animales probablemente representan caballos, lo que podría simbolizar estatus y riqueza.

026. Copas unidas con asa de animal. Cultura Villanova AMB.
Probablemente un recipiente doble con una ofrenda de comida para los muertos. Los animales que formaban el asa probablemente tenían algún estatus o importancia religiosa como los de los cascos.

027 Objeto sepulcral pequeño con patos modelados y dos agujeros - ¿para cuerda? Cultura Villanova AMB.
El acabado negruzco brillante que se ve tan a menudo en las ollas de Hallstatt y Villanovan me parece que son etapas progresivas o versiones del engobe negro reducido refinado durante siglos en toda Europa central y oriental. Luego, la técnica fue llevada hacia el sur a través de los Balcanes hasta Grecia por los micénicos y refinada aún más. Los griegos de los siglos VIII al VI a. C. mejoraron sus técnicas de refinado de barbotina de arcilla y cocción en horno hasta que produjeron la última barbotina negra brillante y profunda que usaban en la época griega clásica (véase T.6).

028 Jarrón o Ask & oacute - Vasija de vertido ceremonial modelada a caballo y jinete y con una decoración impresionada. L: 20cm de Benacci, Bolonia. ca 7th. C. BC MCB.
Este encantador e ingenioso objeto tiene la forma de un toro que lleva un jinete armado posado en su lomo. Solo podemos adivinar el simbolismo. El elaborado patrón de líneas y círculos muestra afinidades con la cerámica geométrica griega temprana y sugiere una posible ascendencia común: el norte de los Alpes.

029 Un gran cinerario. Cultura Villanova VJR.
Las líneas decorativas incisas y los patrones de círculos impresos son más distintos en este frasco. La banda de patrones de meandros es sorprendentemente similar al ornamento geométrico y los símbolos utilizados por los primeros griegos.

030 Otro gran cinerario. Cultura Villanova VJR.
Las dos bandas de patrones de meandros forman la única decoración de la urna funeraria. Es casi seguro que el patrón es simbólico, y probablemente también esté relacionado con la vida después de la muerte y la adoración al sol.

Urna Cinerary 031 con figuras modeladas y decoración. Hacia el 750 a. C. Monte Scudaio, Volterra. MAF.
Esta urna funeraria está nuevamente decorada con símbolos geométricos que recuerdan los diseños de la cerámica geométrica griega. Sin embargo, son símbolos más atrevidos y separados en lugar de una decoración repetida. Sabemos que la esvástica, la base del símbolo que se ve aquí, era en tiempos prehistóricos a menudo un signo solar, pero con innumerables variaciones en el significado mitológico y religioso.

Los etruscos

Antes de los romanos,
la civilización más importante de Italia.
Sin embargo, sus orígenes siguen siendo un misterio.


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Cerámica etrusca temprana Acabado negro & quotBucchero & quot

032 Taza de dos asas procedente del cementerio de Benacci-Caprara, cerca de Bolonia. Villanovan / Etruscan ca.720B.
La alfarería etrusca más antigua parece tener mucho en común con los llamados Villanovans, pero en este caso quizás también Grecia. La forma, el engobe negro y la sencilla decoración de líneas rayadas sugieren vínculos con la Grecia contemporánea. Sin embargo, en los siglos VIII y VII a.C., muchas más influencias externas llegaron a la península italiana. Ejemplos de arte asirio, egipcio, cretense y griego llegaron sucesivamente a Italia con los comerciantes cartagineses y los colonos griegos.

033 Jarra Bucchero (loza negra). Etrusca hacia el 600 a. C.
Aquí hay una fluidez en el estilo que sugiere influencia griega. Es muy posible que los alfareros griegos tuvieran talleres en los prósperos puertos y ciudades etruscos de finales del siglo VII y VI a. C.

034 Urna cineraria etrusca en & quotBucchero & quot. Negro, muy pulido y parecido al metal. Hacia 700-550 a. C. Chiusi, Etruria.CMB.
La superficie metálica negra altamente pulida, denominada por los arqueólogos "bucchero", era muy similar al esmalte negro brillante utilizado por los griegos. Solo los alfareros expertos podían producir esta cualidad. Tales vasijas eran caras y se convirtieron en valiosos obsequios funerarios. Observe el pájaro modelado en la tapa, probablemente representando el espíritu de la persona cuyas cenizas estaban en la urna. Esto puede haber sido adoptado de las costumbres funerarias griegas. La decoración del cuerpo de la olla se hace eco del estilo orientalizante griego con sus procesiones de criaturas reales e imaginarias, pero los alfareros etruscos estamparon estas figuras en las paredes de arcilla dura de cuero utilizando sellos hechos de madera o arcilla cocida. Las figuras aquí están en relieve, no pintadas con pincel. El estampado y el moldeado a presión son una característica de la técnica cerámica etrusca. En las tumbas de Chiusi, se moldearon caras en las urnas de cerámica y, con el tiempo, se modeló toda la cabeza. Tal modelado de figuras en vasijas funerarias era esencialmente etrusca, no griega.

035 Jarrón Bucchero con cabeza de toro hacia el s. 6. ANTES DE CRISTO. De Chiusi, AMF.
Otra olla de época orientalizante. El modelado de la cabeza y las figuras estampadas en el cuerpo son cada vez más naturalistas.

Aumento de la influencia griega en la cerámica

036 Parte de un frasco de figuras rojas de espina hacia 490 aC NMF
La pintura de un león enojado es probablemente de un pintor griego. Spina fue fundada por los etruscos cuando llegaron al Adriático a finales del siglo VI a. C. Se convirtió en un centro de comercio con el Egeo y muchos comerciantes griegos se establecieron aquí.

El estilo etrusco Retrato característico

037 Copa en forma de campana de Spina, siglo IV a.C. NMF
En Spina se ha descubierto cerámica hecha por artesanos locales junto con importaciones griegas. Esta cerámica local a menudo lleva bocetos pintados de rostros de mujeres. El diseño de esta maceta es atrevido y atractivo, aunque podría parecer toscamente provinciano después de ver jarrones griegos.

038 Otra jarra etrusca (tipo adriático) local, siglos IV-III a.C. NMF
Una vez más, se ve el enfoque diferente del estilo griego en estas vasijas de fabricación local. Tiene una forma robusta y agradable y una decoración alegre. Se hace un boceto del contorno de la cabeza de una mujer en una línea rápida y libre con un pincel.

039 Un pequeño frasco de perfume del siglo IV aC en el sur de Italia. CMSOT
Un pequeño frasco decorado más al estilo griego tardío excepto por el gran dibujo de la cabeza de una mujer. Aquí hay un detalle considerable de aretes de oro o plata, tal vez un collar de perlas y un peinado muy elaborado. Tal dibujo muestra los elementos de un estilo de retrato que fue adoptado por los romanos.

Escultura de retrato funerario de cerámica

040 Urna cineraria con tapa en forma de cabeza del muerto. de Cetona 550-500 BC MAF
Ya hemos visto ejemplos de cerámica etrusca con caras. Aquí vemos una urna de cremación que se convierte en una simple representación del muerto en arcilla: la tapa se convierte en una cabeza y las asas en brazos, incluso en manos y dedos. En el siglo VI a.C., la artesanía de la cerámica y la escultura modeladas y moldeadas evolucionó rápidamente a medida que las ciudades etruscas se enriquecieron con el comercio.

041 Sarcófago de terracota de la tumba de Cerveteri altura: 100 cm aprox. 530 a. C. Cerveteri, Etruria, Italia. VBR.
A menudo llamado sarcófago del esposo y la esposa. Esta magnífica pieza de escultura de cerámica es casi de tamaño natural. Tales piezas serían una empresa técnica considerable. Incluso hoy en día, la fabricación y cocción de tales piezas sería un trabajo importante. Estaba hecho en dos piezas. Todo esto indica el talento y la experiencia de estos artesanos etruscos en el siglo VI a.C., cuando esta civilización estaba en su apogeo.

042 Detalle de las dos cabezas: Sarcófago de terracota de la tumba de Cerveteri altura: 100 cm aprox. 530 a. C. Cerveteri, Etruria, Italia. VBR.
Las figuras son probablemente retratos de personas reales, que se muestran felices y unidas en la muerte. Se reclinan sobre la tapa del sarcófago como si estuvieran en un sofá en un banquete. Habrían tenido vasos para beber en sus manos. El fuerte modelado de los ojos, los labios suavemente sonrientes y otros detalles muestran la influencia escultórica de la Grecia clásica temprana.

043 Vista posterior del sarcófago de terracota.
Esta vista posterior muestra que la obra fue concebida como completamente tridimensional. Una pareja casada acostada en un sofá suave, apoyada con cojines cuando cenan. Se ha tenido mucho cuidado en retratar los detalles de los pliegues del traje, los zapatos de la mujer, los pies del hombre.

044 Detalle del dorso de las figuras: Sarcófago de terracota. VBR.
Este detalle muestra más claramente el cabello trenzado, la gorra ajustada de la mujer, el cojín suave, los pliegues, etc. Una pieza de escultura de cerámica verdaderamente soberbia.

045 Cabeza de niña en cerámica pintada del alero del techo de un templo etrusco. Uno de una serie de adornos utilizados para ocultar la unión entre las baldosas. De un templo o santuario en Caere hacia el año 530 a. C. BM.
Realizada casi al mismo tiempo que la escultura anterior. Aparte del engobe negro cocido, estas figuras también se pintaron de manera brillante con pigmentos a base de pegamento al agua después de la cocción. En muchos, el color se ha desvanecido o se ha desprendido, pero este ejemplo ha conservado algo.

Cerámica arquitectónica

046 Pequeña maqueta de un templo etrusco hallado en una tumba de 20 cm de altura. VGR.
La influencia de la arquitectura de los templos griegos es clara. Sin embargo, las columnas "enganchadas" construidas en los lados de las paredes no son griegas. Otros detalles de los templos etruscos difieren de los griegos y muchos de ellos fueron adoptados más tarde por los romanos. Una estructura de ladrillo y madera con figuras de terracota y detalles arquitectónicos moldeados a presión son materiales etruscos comunes en la arquitectura. Generalmente, la piedra de mármol no era el material elegido. Para obtener más información, consulte Antecedentes: Templos.

047 Reconstrucción de parte del frontón de un templo etrusco VGR.
Las tejas de terracota moldeadas a presión decoraban los techos de los templos etruscos.

048 Antefijo de la 6a a la 5a c. BC templo de Juno en Lanuvium. altura: 38cm
Estos objetos decorativos de terracota se pintaron originalmente en colores brillantes y se usaron en los bordes del techo del templo para enmascarar los extremos de las vigas de madera. Muy pocos restos de los templos de madera y ladrillo, pero las excavaciones han sacado a la luz algunos de los adornos de terracota que cubrían el entablamento. No conocemos el simbolismo de las figuras.

049 Parte de un grupo de figuras de terracota de tamaño casi natural que estaban en el estante del tímpano (plataforma triangular de techo a dos aguas) de un templo en Pyrgi. hacia el año 460 a. C. VGR.
La escena ilustra una batalla entre héroes míticos con los dioses, Atenea y Zeus, mirando. Debe haber sido una tarea cerámica compleja tanto en la elaboración como en la cocción. La fabricación de tales cerámicas arquitectónicas era una gran industria.

050 Una figura de cerámica de tamaño natural casi completo de Apolo hecha por Vulca y de Veyes. Hacia el 500 aC. VGR
Esta alta figura que caminaba estaba de pie en lo alto de la plataforma del tímpano del templo junto con una figura de Heracles y un ciervo. Todos fueron modelados y moldeados en arcilla para convertirse en figuras de cerámica huecas de tamaño natural. Habrían sido pintados o quizás dorados.

051 Dos caballos alados de terracota de un templo en Tarquinia. Siglo IV A.C. NMT.
Estos caballos bellamente modelados y moldeados formaban parte de la decoración de la viga principal que forma un estante (tímpano) en el hastial de un templo. El templo & quotAra della Regina & quot, Tarqinia, construido en la segunda mitad del siglo IV a. C.

La evolución de un estilo. que se hizo eco de Grecia y fue legado a Roma.

052 Cabeza de tamaño natural del dios Hermes de Veii. Hacia 500 AC VGR.
Parte de una estatua completa que se encontraba en el techo del templo. La sonrisa enigmática recuerda a las estatuas griegas arcaicas, pero el parecido es solo superficial, ya que las dos culturas son mundos separados.

053 Parte de una cabeza de cerámica esculpida, probablemente Zeus. Se muestran huellas de pintura. California. 520-480 AC. VGR.
Siguiendo a los griegos, los etruscos adoptan su figura ideal del naturalismo. Ojos más naturales, labios carnosos y barba de un dios mayor.

054 Cabeza de terracota de un dios masculino del templo Belvedere en Orvieto alt: 27cm ca. 450-400 AC.
Otra figura patricia. Moldeados en piezas y unidos entre sí. Los rastros de pintura muestran que se coloreó después de la cocción.

055 Parte de la cabeza y el torso de una figura de cerámica de tamaño natural de un dios joven. hacia el siglo III a.C. VGR.
Piezas rotas de una figura de cerámica que muestra la estructura hueca y la maestría de los escultores de cerámica.
.

056 Cabeza y torso de Apolo. Parte de una escultura que muestra al joven dios conduciendo un carro. De un templo etrusco del siglo III a. C. en Civita Castellana. VGR.
Este fragmento de figura, como el anterior, ilustra la alta calidad técnica de este trabajo. Los problemas que debían resolver mientras realizaban figuras tan grandes en arcilla cocida habrían sido considerables. A nivel público, el estilo de la figura sigue de cerca el desarrollo griego, una forma idealizada de naturalismo.

Cerámica etrusca tardía. 3ro y 2do siglo antes de Cristo

057 Figura de cerámica reclinada sobre tapa de sarcófago
Para entonces, los comerciantes y artesanos también podían permitirse el lujo de elaborar tumbas. Gran parte del trabajo ahora eran copias producidas en masa a partir de los mismos moldes de prensa. Los detalles, como la cara, pueden modelarse individualmente. La calidad y el acabado tienden a sufrir, aunque técnicamente las técnicas de moldeo por presión, secado y cocción siguen siendo un logro cerámico.

058 Urna funeraria de terracota hacia 150 a.C.
Aquí se trata de un complejo moldeado a presión, pero este es el tipo de urna que suelen utilizar los esclavos, los libertos y los artesanos, como se puede ver si se pueden leer las inscripciones. Fueron hechos de moldes y producidos en grandes cantidades. Todavía se pueden ver fragmentos de los colores brillantes de agua-cola, pintados después de la cocción. ¡La mayoría de ellos son sorprendentemente pequeños!

Retrato de vida o muerte

059 Máscara mortuoria de terracota de un hombre ca 300-200 A.C. BM.
El rostro real de una persona real al morir: una máscara mortuoria. El retrato etrusco tenía un realismo que no vemos en Grecia. A diferencia de los griegos, los etruscos preferían sus retratos hechos como se dice que Oliver Cromwell deseaba, "¡Con verrugas y todo!". Las máscaras mortuorias reales de la cara hechas en yeso se usaban a menudo para producir un molde que podría usarse como base para un retrato de cerámica realista de la persona muerta. Después de moldear a presión la cara en arcilla de la máscara mortuoria, el resto de la cabeza podría modelarse de manera menos crítica para hacer un retrato como este. Cuando se disparó, probablemente se habría pintado de forma naturalista con pintura de cola de agua.

060 Cabeza de terracota de anciano. 30 a.C.alto: 25cm VGR
Este retrato de un anciano probablemente está hecho, en parte, a partir de una máscara de muerte. La línea del cabello es nítida y menos naturalista que la cara dibujada con líneas.

El realismo en la escultura y la pintura de figuras de cerámica fue una contribución etrusca al retrato romano. Sin embargo, la imagen y la estructura más famosa que los romanos adoptaron de los etruscos, y luego desarrollaron e hicieron suyas, fue el Arco de ladrillo.


Cerámica griega: Arthur Lane: Faber & amp Faber.

En el siguiente tutorial

nosotros examinamos
Cerámica en el mundo romano,
Orígenes, desarrollo
Los varios estilos

Adaptado de las versiones originales que se escribieron para mi serie de conferencias ilustradas semanales para estudiantes de cerámica, incluidos los del curso de grado de cerámica de Harrow Studio, la Universidad de Westminster y la Escuela Central de Arte y Diseño, Londres, Reino Unido de 1973 a 1994

Para ver la última fecha de revisión, consulte la parte superior de la página.
Victor Bryant & copy1994,2003 >>>>>>>>>>>>>>> ->
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Más que imágenes bonitas: la producción de cerámica de figuras rojas más allá de Atenas

Red-figure pottery first achieved prominence in the modern world through antiquarianism and the collection of souvenirs on the Grand Tour. This fundamentally shaped the scholarship of this class of pottery. Vases were valued for their completeness, their iconography—scenes depicting Greek myth and literature being particularly prized—and their aesthetic qualities. Famous private collections were formed, many of which subsequently entered the world's great museums. Less value was placed upon the vessels as archaeological objects. The contexts in which they were found, their associations with other objects and their roles in ancient society were given little consideration. The pursuit of intact vases led to a focus on cemeteries, and many discoveries were, and indeed continue to be, the result of looting. Thus, most museum collections are dominated by vessels without proper provenance. Moreover, collections are skewed towards funerary and, to a lesser extent, sanctuary evidence, and away from material used in domestic contexts. The importance of iconography and aesthetics means that museums tend to display the most varied and beautiful vessels, ignoring much of the output of ancient workshops.


Pottery

The American Southwest Virtual Museum hosts a growing collection of pottery, including ceramic vessels, some of which are animated, type sherds, visual guides to terminology and types, as well as identification guides for each ware and type of pottery in the exhibits.

Click the image to go directly to the Pottery gallery.

Terminology and Type Sherds – This gallery provides visual guides for identifying design elements, motifs, layouts, and vessel forms, as well as recreations of Harold Colton’s original type sherd pages.

Interactive Vessels – Viewers can zoom in on and turn the vessels in this gallery!

To go directly to the full Pottery image gallery, click the picture at the top of the page. To browse the identification pages, use the menu links or select from the list below.

Acoma Wares – The identification pages have not yet been written for these pottery types. This link will open the image gallery instead.

Hopi Wares – The identification pages have not yet been written for these pottery types. This link will open the image gallery instead.

Navajo Wares – The identification pages have not yet been written for these pottery types. This link will open the image gallery instead.

Tizon Brown Ware – The identification pages have not yet been written for this ware. This link will open the image gallery instead.


Scenes from Myths and Daily Life: Ancient Mediterranean Pottery from the Collections of the Phoebe A. Hearst Museum of Anthropology

Ancient Mediterranean painted pottery, a remarkable craft from classical antiquity, continues to captivate viewers thousands of years later. Pottery is more commonly excavated and preserved than any other early art form. Scenes depicted on Greek and Etruscan vases reveal many of the cultural practices and daily lives of these ancient peoples. Ceramic vessels explore a wide variety of subject matter including myths, gods and demons, warriors at battle, animals, social gatherings, athletics, and the roles of men and women in society.

Clay, which was plentiful in many parts of Ancient Greece and Italy, served as the primary material for most vessels. Although the affluent owned some precious metal containers, nearly every household possessed a range of pottery both coarse and fine for storage, cooking, and dining. Pottery was also used for ceremonial and religious purposes.

Imagery on pottery often illustrates the way the vessels were used. A variety of cups and wine-mixing bowls portray scenes of symposia or male drinking parties. Vase paintings also show women filling water jars called hydriai at fountain houses and using alabastra, small containers that held plain or scented oils. The same vases that were used domestically were often placed in tombs and used as funeral offerings.

A coastal people, the Ancient Greeks prospered in maritime commerce and developed a rich and complex culture. The Greek world eventually extended beyond Greece to settlements throughout the Mediterranean and Black Seas. Greek arts flourished from 700 to 300 BCE. During this time, two of the main ceramic centers in Greece, Corinth and Athens, exported the distinctive and highly sought-after painted pottery throughout the Mediterranean region.

The Etruscans inhabited north-central Italy, a region in classical times referred to as Etruria. They developed a taste for Greek painted pottery, which they imported from Corinth around 630 to 540 BCE. By the second quarter of the sixth century, the Etruscans purchased an increasing number of vessels from Athens. These imports inspired Etruscan potters to locally produce black- and red-figure wares.

The black-figure technique was developed about 700 BCE in Corinth. Artisans applied a black slip to depict figures and ornamental motifs against the clay's natural, reddish-orange background. The details were either incised or added in colors female skin was typically painted white. The red-figure technique was invented in Athens about 530 BCE and gradually became the predominant style. It is the reverse of black-figure: the figures appeared in reddish-orange, with figural details applied in black lines against a black background.

This exhibition explores black- and red-figure pottery of Ancient Greece and its colonies, as well as Etruscan wares. From drinking cups intended to ward off the "evil eye" to pots that depict famous Greek heroes and gods such as Heracles and Zeus, Scenes from Myths and Daily Life: Ancient Mediterranean Pottery showcases a spectacular range of vessels.

Ancient Greek Historical Periods Represented by the Pottery on Display

Archaic: 700–479 BCE
Greek city-states prosper and Greek colonies develop throughout the Mediterranean and Black Sea regions. Commerce and the arts flourish the cities of Corinth and Athens grow and democracy begins to develop. The Greeks defeat the Persians who threatened to extend their control to the Greek mainland.

Classical: 479 BCE–323 BCE
During the classical era, Athens reaches its greatest political and cultural achievements: the development of a democratic system and the building of the Parthenon the creation of the tragedies of Sophocles, Aeschylus, and Euripides and the founding of the philosophical schools of Socrates, Plato, and Aristotle. Alexander the Great brings the Eastern world to the Indian subcontinent under his control before dying at the age of thirty-two in 323 BCE.

Hellenistic Period: 323–31 BCE
Following the death of Alexander the Great, his kingdom is divided into three by his generals: Macedonia, including much of mainland Greece, the Seleucid Empire, including the Near East, and Egypt. The Hellenistic period is an international, cosmopolitan age. By the second century BCE, Rome becomes the dominant force Romans conquer Macedonia in 168 BCE, destroy the city of Corinth in 146 BCE, and capture Athens in 86 BCE.

Learn more! Download the Scenes from Myth and Daily Life: Ancient Mediterranean Pottery education program here.

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Attic black-figure neck amphora late 6th century BCE
attributed to the Group of Würzburg 199
Athens,Greece
terra-cotta, gloss
Collection of the Phoebe A. Hearst Museum of Anthropology
8–3853 L2009.1001.033

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Campanian red-figure bell krater 350–325 BCE
attributed to the Cumae ‘A’ Painter
Southern Italy
terra-cotta, gloss
Collection of the Phoebe A. Hearst Museum of Anthropology
8–3814 L2009.1001.025


Vessels and Variety: New Aspects of Ancient Pottery. Acta Hyperborea, 13

This volume is a collection of papers derived from a 2010 workshop in Crotone, Italy whose goal is to encourage a wide range of methods and theories applied to pottery analysis. The volume presents eleven articles spanning the Iron Age to Roman periods in the Mediterranean and is divided into such themes as production and distribution, iconography, regional studies, and museum collections. This volume serves as the latest installment of Acta Hyperborea, and is the first in the series to ensure all articles are peer-reviewed.

The first essay by Jan Kindberg Jacobsen, “Consumption and Production of Greek Pottery in the Sibaritide during the 8 th Century BC”, presents an analysis of two aspects of cultural and material interaction between indigenous populations and Greeks in Calabria in the eighth century BC. The author explores an increase in the amount of Oinotrian- Euboean pottery (locally manufactured pottery which resembles Euboean shapes and styles in the Middle to Late Geometric periods) found during excavations at Timpone della Motta and other sites as well as the importation of Corinthian and Iapygian pottery to the Sibaritide via indigenous networks along the Ionian coast. He suggests that the appearance of such imported pottery might reflect an indigenous presence in the colony. This chapter clearly demonstrates the sophisticated consumption of various pottery styles, including local, foreign, and mixed.

Hanne Thomasen’s chapter, “A Reinterpretation of the Early Protocorinthian Globular Aryballos”, explores the production, distribution, and use of these vessels. Through discussion of Greek sanctuaries situated near sailing routes, the author suggests that globular aryballoi may have been “dedicated by travelers from the West visiting the sanctuary to pray for a safe journey” (35). Thomasen suggests that the globular aryballos may have been an invention of Corinthians living in the west (40), a claim which, as noted by the author, can only be substantiated by clay analyses.

Søren Handberg, Peter J. Stone, and Jane Hjarl Petersen’s article, “Uncommon Tastes: The Consumption of Campana A Pottery in the Southern Levant and the Black Sea Region” explores the economic and social significance of such pottery in these two regions. The authors discuss various forms of Campana A recovered from both regions and note some overlap in the range of forms due to date of importation or the diverse preferences of the local populations (60). The authors posit that Campana A, “was marketed to, or chosen by, specific individuals.” (67) in both the Southern Levant and Black Sea regions. This paper presents a concise explanation for the reciprocal exchange of Campana A pottery alongside the broader market economy, accounting for its limited distribution to those, “who could travel, who knew Delian merchants or who received visitors from abroad” (73).

In “The Mystery of the Seated Goddess: Archaic Terracotta Figurines of the Northeastern Peloponnese” Signe Barfoed examines the significance of handmade figurines dating from the seventh to fifth centuries BC found throughout the Peloponnese. The presented study focused on material recovered from Nemea, Prosymna, Argos, Tiryns, Tegea, Perachora, Corinth, and Solygeia. The author suggests that changes to the manufacturing technique, posture, and breast-band on figurines can facilitate exploration of their chronological development. Such changes are attributed to a transformation of the figurine, from depicting the goddess Hera to a generalized female divinity.

Annette Rathje’s chapter, “The Ambiguous Sex or Embodied Divinity: A Note on an Unusual Vessel in the Ny Carlsberg Glyptotek”, explores the meaning of relief representations of human genitalia found on Etruscan vessels from the Late Iron Age/Orientalizing period. Rathje compares a horizontal ring askos with an anthropomorphized handle from the collection of the Glyptotek to similar representations on vessels from Sovana, Tarquinia, Orvieto, Novilara, Vetulonia, and Tolle. She concludes that such vessels served a funerary function among the Etruscan elite and that, “What matters is nakedness, as nakedness is somewhat magic.” (118). In this manner, she suggests that such images represent deities of the Etruscan pantheon.

Helle Salskov Roberts’ chapter, “The Myth of Iphigenia in the Literary and Pictorial Tradition of Greece and Magna Grecia” compares images of the sacrifice of Iphigenia preserved on pottery (and, to a lesser extend wall frescoes, mosaic floors, and sculpture) with literary descriptions. She associates images of Iphigenia found on pottery from Greece and Magna Grecia with scenes from Euripides’ Iphigenia in Aulis. Drawing on the frequency of depictions of the letter scene introduced by Euripides, Roberts believes that potters modeled their depictions of Iphigenia after the main characters and scenes from stage performances (141). This conclusion is supported by images of Iphigenia associated with representation of a stage as well as actors masks.

In “’Head Hunting’ in Cyprus”, Lone Wriedt Sørensen proposes that Archaic period Cypriot painters chose to decorate pottery with heads and faces in response to demands from consumers. The author questions whether such depictions represent Greek/Phoenician depictions of Humbaba, Gorgons, or Medusa or were local creations, possibly associated with rites of passage marking transitions in age-grades. Likewise, because of the multicultural nature of ancient Cyprus, the author emphasizes that such painted heads may have been perceived in different ways by diverse populations.

In “A Figure-Decorated Plate from the Sanctuary on the Timpone Della Motta,” Sine Grove Saxkjær demonstrates that this plate is unique among indigenous pottery from excavations at Timpone della Motta and that depictions of horses were widespread yet infrequent in seventh-century BC southern Italy. Saxkjaer suggests that the vessel is a local product whose iconography may represent the dedicator of the vessel the scene may be associated with an as-yet unknown myth or historical event. Overall, she believes that the decoration communicated social identity rather than served a religious function.

In “Materiali Greci e Coloniali della Prima Fase dell’Antica Kroton dallo Scavo del 2009 nel Quartiere Settentrionale: Osservazioni Preliminari” by Domenico Marino, Margherita Corrado, Francesco Cristiano, and Gloria Mittica, the preliminary results of excavation of fifth to third century BC contexts at Contrada Vela di Crotone are presented. A summary of the material culture recovered includes imported early and middle Protocorinthian vessels as well as sub-geometric colonial vessels. The authors then demonstrate that potters at Crotone manufactured vessels imitating Ionic type skyphoi.

Kristine Bøggild Johannsen’s “Bertel Thorvaldsen’s Collection of “So-Called Arretine Vessels” Reconsidered” investigates seventeen fragments of red-gloss pottery included in Thorvaldsens Museum in Denmark. Originally classified by Ludvig Müller prior to 1848, this assemblage remained uncritically evaluated. Using epigraphic, stylistic, and morphological observations, the seventeen Arretine artifacts are associated with known workshops. This re-evaluation confirms that Müller’s use of the term, ”so-called Arretine” reflects uncertainties in his identification at the time of classification. As a result, the author suggests an abandonment of the term “so-called Arretine vessels” in favor of new descriptions using contemporary terminology and types. Finally, a comprehensive catalogue presents the assemblage.

Stine Schierup’s “Al Mina Pottery in the National Museum of Denmark” catalogs a collection of fifty-eight sherds and three complete vessels recovered from Al Mina during the 1936 and 1937 excavations. Vessel morphologies suggest this assemblage dates from the Late Geometric Period and is predominantly composed of drinking cups. Using this limited assemblage, Schierup concludes that East Greek material was more frequent than Cycladic and Euboean materials at Al Mina, and that the presence of imported Corinthian pottery attests Corinth’s limited role in the initial development of the site.

Overall, Vessels and Variety presents diverse approaches to material culture studies of fired-clay artifacts. Each chapter includes numerous illustrations and photos highlighting the key points discussed in the text. However, few chapters include maps illustrating the spatial relationships between sites mentioned in the text. Furthermore, many of the illustrations lack any form of scale, leaving the reader guessing as to the dimensions of the artifacts referenced in the text. Many of the studies presented explore limited assemblages or even single objects. The chapters generally follow the four themes of the volume (Production and Distribution Iconography Regional Studies and Museum Collections) however, Saxkjær and Marino et al.’s papers, although well presented, do not necessarily fit well with a “Regional Studies” theme. In conclusion, this volume contributes to the existing literature and will serve as an adequate resource to archaeology students and professionals alike.


Decoration

Three Celtic pottery vessels from La Marne, France. They shows typical Celtic design features with their curvilinear shapes and decoration. 4th century BCE. / British Museum, Creative Commons

Most pottery items made for everyday use would have been plain or given only rudimentary decoration, but items for special occasions and the elite were a different matter. As in Celtic sculpture, fantastic animals appealed to the imagination of potters. An example is a tall beaker-like vessel from La Cheppe, Marne, France, which dates to the second half of the 5th century BCE. The vase is divided into two horizontal bands of incised decoration with each area having two dragon-like creatures facing each other. The vase is now on display in the Archaeological Museum of Saint-Germain-en-Laye in Paris.

Decoration in the form of animals and geometrical designs could be incised, an especially popular technique in the pottery of Brittany, or added as relief, a method widely used in Celtic Britain. Stamps, as in the Matzhausen flask, were also used to repeat uniform motifs on the same vessel such as lyres and elongated scrolls. From the 4th century BCE, a new form of decoration developed where red-fired vessels were then painted with a black coat which could be incised to leave images in red lines. Designs could be very intricate and with straight lines being avoided in favour of curvilinear forms.

Painted decoration now includes silhouettes of animals arranged in bands around the vessel. Horses were an especially popular motif. A good example of this painted style on a red background is a pedestal vase now in the British Museum, London, found in a cemetery at Prunay, Marne, France. It dates to the second half of the 4th century BCE. Often, as here, the pedestal and neck were left plain or given only a basic geometric pattern. Sometimes, the more decorated area of a vase was accentuated by making plain a large part of the vessel underneath, sometimes over half of the body.

The Celtic mastery of form perhaps reaches its zenith in the late 2nd-century BCE vase from Clermont-Ferrand in France. This bulbous vase is 43 cm (17 in) tall and is covered in distorted representations of animals, so much so, many are difficult to identify. There are certainly deer, but legs, antlers, and ears have been elongated to create swirling images that follow the contours of the vase. Like medieval Celtic art, the painter here seemed intent on filling every possible space available. The vase is now on display in La Musée Bargoin in Clermont-Ferrand. Other examples of this type of decoration, again with abstract animals or vegetal designs rendered with a few simple flowing strokes of the brush, sometimes have a background of dense hatched lines.


About the beginnings of the ceramic in the ancient art of India highlight the Neolithic period in which develops what may be called the first great civilization between 2500 and 1500 BC in the area which is known as “River Indus area” covering what is today Pakistan and also the northeast of India. This area was exploited widely by its inhabitants who developed a large number of items intended for the settlement and bearing capacity of the population.

Since ancient times the Hindu River constituted an important trade route between the Mediterranean area and what is known as the Far East. From the Neolithic period have been found utensils made in materials such as quartzite and Flint which have been carved to adapt them better to more manageable and useful ways. Draw attention from this period the black and Red pottery in Adichanallur and also in the Brahmagiri area.

Types of pottery of the Neolithic age in India

– Red ceramic, area of the Rajasthan Banas (Hematite).

– Grey pottery from the basin of the Ganges.

– Polished black pottery found in the area of Jariana and Delhi.

At the beginning of the 6th millennium BC were built in the Hindu River bank houses of adobe (mud bricks), the pottery in this period was obtained from materials that are naturally found in the area and was primarily aimed at practical applications to contain liquids such as water, oils and fats of animals as well as for the production of utensils for cooking and eating. Several containers to hold grain and small seed in unglazed ceramic clay with little or no decoration have been found as well.

Others vessels from the collection obtained have geometric animals and plants decorations that were apparently intended in some cases for rituals. There are also ceramics whose form seems to intend more everyday use as a personal object like some ceramic toys From Mohenjo Daro and Harappa.

The Indo Valley ceramic’s style was extended by the whole area of South Asia and as the time was by influenced also the style of the entire region. Ceramics in the form of cups, dishes for serving food and also some vessels with inscriptions in Indian writing (as the one of Ras al – Junayz) clearly show how important the ceramic and pottery was in the everyday life of this ancient civilization.

Ceramic with commercial porpoise was recovered as well, these objects include the jars, probably intended to contain wine for what have been suggested a specific production destined to satisfy the demand of these ceramics objects in viticulture.

Cities of India that stand out in the production of pottery in this period

– Sorath Harappa in Gujarat.

Figurines of terracotta depicting female figures appeared in the area of Harappa and were more stylized than the old and bulky goddesses of fertility. Necklaces and inlays of precious metals were found in some of them.

Other handicraft objects are preserved such as reproductions of miniature carts sculptures with figures of animals like for example: rhinos, tigers, monkeys, elephants and buffaloes. They have been recovered in fairly good condition despite been so old.

Manufactured in a material apparently coming from the ground dirt steatite (also known as talc) were found in the form of tablets and their use is presumed could have been some sort of seal, the material they were made was molded and heated baked it to hardens and them cover with lacquer. They have representations of various animals and fantastic monsters in it, whose realism and detail reveals the influence of Mesopotamian culture.

Since the destruction of the cities of the Indus around the 3rd century BC, practically has not been found anything in the ceramics of the India. It’s a gap in the history of art that is very difficult to clarify by scholars of the art of India, coincides with the so called Veda period.

With progressing of time and constant cultural exchanges the ceramics in ancient Indiawas enriched and evolved turning out to be very much appreciated. Its uses were expanded and their techniques were enriched up to the point of been consider great skilled. The great number of handicrafts, as well as varied designs found, showed that this ceramics industry was very important in agriculture or metallurgy in the 6th century. With the emergence of Jainism and Buddhism takes up again the ceramic a boom.

India unglazed ceramic

It is the oldest form of ceramic practiced in India, many of the evidence of these vessels were found even from the early days of the development of ceramics in this region and shows that it was widely used in different historical periods as well.

Ceramics without glazing.

  • The ceramic with thin layer, where the pottery is decorated with incisions of drawings.
  • The technique of Sgraffito, (a painting technique where the artist scratches into the top layer of the paint to reveal areas of the surface underneath). The vase is polished and decorated with Engobe (white or colored slip applied to pottery for decoration or to improve the surface texture). Liquid red and white ceramic along with intricate patterns are applied while the contour has incisions.
  • The third is the ceramic highly polished, with strong and deep incisions of stylized an intricate symmetrical design incorporating often curves, geometric patterns, leaves, flowers, and animal shapes patterns. The ceramic without glazing is practiced throughout the country each region has its own specialty. The Black pottery is another form of unglazed ceramic which resembles the Harrappan ceramic style.

The time of glazed ceramics in India began in the 12th century, when Muslim rulers encouraged potters from the East to settle in. Examples of fine glazed ceramics of Persian models with Indian designs have a great beauty and detail in the finish. This technique adopted since them by Indian potters was and still is very popular and very well commercially appreciated.

This type of ceramic with the characteristic of a white background on which the designs are in colors such as blue and green constitute a true works of art. They also used figurative, geometric designs or combination of both.

Terracotta is medium reddish clay used in pottery and construction of buildings. This is the most famous and common style of ceramic that has been practiced in the India since ancient times.

The following areas are the ones to highlight in the production of Terracotta.

Women are usually the one which prepare during the holidays the clay figures for the rituals to ask for favors’ of their gods and goddesses.

Moela in Rajasthan area has its own distinctive style of pottery here the local deities are created with clay molded on a flat surface, which is painted with bright colors after cooked.

Gorakhpur, Uttar Pradesh area, here potters create individually the parts of an object on the pottery wheel and then join them creating a single piece. After this process they give the finished details with the application of colors.

Two important Indian artists in Terra cotta:

– The artist Potter Tamil Nadu which is famous for its terracotta figures of the deity Ayyanar.

– The artist Potter Gujarat who makes votive figures like horses with riders among others.

Indian craftsmen carefully created numerous motifs and designs with Paper Mache, intricate and beautifully they made a variety of hand-crafted items for decoration and devotion using this technique. Although invented in China was also widely used in India since the time it was adopted in this country during the Mughal dynasty (15 to 16 Centuries).

The basis of this pottery is thick paper paste made mashed and mixed with copper sulfate and rice flour paste. The mold is covered with a thin paper and layer of this mixture. After drying the decorators outline designs and finally it is lacquered and polished by applying bright colors. A touch of golden color is always in them as reminiscent of the roots of Persian design. This type of pottery is very much appreciated in India and each region has native peculiar features.

Red sandstone sculptures in India

Red sandstone is a sediment rock composed of grains of sand (quartz) cemented together with other materials such as: silica, iron oxide, clay and calcite. In India this sculpture reach mastery skills by the artisans in the Budhist period, remarkable sculpture aimed to religious rituals and veneration crowd India’s regions and were exported to Asia as well.


Ver el vídeo: Cerámica Carlos Spinelli (Enero 2022).